viernes, 30 de noviembre de 2007

Trailer internacional de 'Youth Without Youth' de Coppola

Francis Ford Coppola ya llevaba mucho tiempo sin deleitarnos con una película, siendo la última la infravalorada ‘Legítima Defensa’, que ya data del 97, aunque también metió mano como director en aquel superbodrio titulado ‘Supernova’, pero de eso mejor no acordarnos. Ahora el maestro regresa con ‘Youth Without Youth’, un film de corte independiente que ya ha levantado pasiones allá donde se ha estrenado.

Situada en la Europa de antes de la Segunda Guerra Mundial, la definen como una historia de amor con misterio, el de un hombre que cambia a raíz de un hecho catastrófico, y explora los misterios de la vida. Tim Roth encabeza el reparto de la película, en la que también salen Alexandra María Lara, Bruno Ganz y un no acreditado Matt Damon. Aún no hay fecha de estreno por estos lares. Disfrutad mientras tanto de su trailer internacional.



Fuente: Blog de cine

Edward Norton hará de dos hermanos gemelos en 'Leaves of Grass'

Edward Norton se ha consagrado en su dilatada carrera cinematográfica como uno de los mejores actores de la actualidad. Con un camaleonismo del que pocos pueden presumir (pues ha hecho de nazi, de presunto asesino, de enfermo de insomnio, de mago, de romantico médico, etc.), es uno de los actores de mayor prestigio de los último años en la industria del cine. El actor dará vida a dos hermanos gemelos en ‘Leaves of Grass’, proyecto que también dirigirá Norton, en la que será su segunda película tras las cámaras después de la correcta ‘Más que Amigos’.

‘Leaves or Grass’ cuenta la historia de dos hermanos gemelos, uno como profesor y el otro un criminal; cuyas vidas cambian de repente, al entrar en escena unos tipos fumadores de marihuana y homicidas. A Norton le acompañará en el reparto Tim Blake Nelson, con quien también ha compartido cartel en ‘The Incredible Hulk’.

‘Leaves or Grass’, que bien puede traducirse como ‘Hojas de Hierba’, empezará a rodarse después de que Norton termina su participación en ‘State of Play’.

Fuente: Blog de cine

miércoles, 28 de noviembre de 2007

Video sorpresa para mi peque

Bueno, pues como sé que le encanta la frase (y la película también) que va a aparecer en el vídeo, este post se lo dedico a mi chica.............................


Hay que ver como te reíste con esta escena ehhh y con la frase más aún; sin lugar a dudas una de las frases más graciosas de la historia del cine (digo graciosas que no famosas).
Y como la usamos ahora cada dos por tres. Si es que el señor Tarantino es un genio en esto del diálogo absurdo. Ya te lo decía yo cuando veíamos "Kill Bill Vol.1" y tu: ¿pero que tiene de buena esta película...?

Luego vimos "Kill Bill Vol.2" y ya te empezó a picar el gusanillo sobre el cine de Tarantino; bueno en realidad te gusto la escena con la niña -que le llaman Bebe-, y el diálogo del final.
Y la verdad es que coincidimos en que el Volumen 2 es relativamente superior al Volumen 1.
Sé que hay que considerarlas como una única cinta, pero el Volumen 2 me parece toda una obra de arte, como la escena del ataúd, la pelea en la caravana o el dialogo final entre Mamba Negra y Bill por nombrar unas pocas.

Y ya con "Pulp Fiction" (indiscutiblemente el mejor film de Quentin, con permiso de "Reservoir Dogs") y "Death Proof" acabaste de apreciar el buen cine tarantiniano. Aunque es cierto que "Death Proof" es un poco floja para estar firmada por Quentin Tarantino.
Bueno peque, espero que te hayas reído con la entrada.

Te quiero!

domingo, 25 de noviembre de 2007

Los Amantes del Círculo Polar: Crítica

Pues hoy voy a abordar de nuevo otra película española, pero que cuenta con unos años más que “Bajo las estrellas”, ya que se estrenó en 1998. Me estoy refiriendo a “Los amantes del círculo polar”; la que es para mi, la mejor película hasta la fecha del portentoso director vasco Julio Medem. Ya se que no es realmente una novedad, pero creo que debe ser analizada para entender todo lo que rebosa la cinta de Medem. Normalmente, como suele ocurrir con el cine de Medem, o la amarás o la odiarás.

Hasta 1998, –fecha clave en la película que nos aborda hoy-, Julio Medem nos había regalado tres grandiosos largometrajes.
Vacas” (1992), su ópera prima, era toda una novedad en lo que a montaje y narración se refería hasta ese momento en el cine español. Con las actuaciones de Emma Suárez (que repetirá con Medem en dos ocasiones más) y Carmelo Gómez, narra una historia de amor y traiciones familiares a través de los ojos de las vacas que pastan por los prados. No era más que el punto de partida de una larga y dilatada filmografía del realizador vasco –no exenta de pequeños tropiezos, véase “Caótica Ana”-.
Tras “Vacas” (que cosechó excelentes criticas), aparece “
La ardilla roja” (1993), solo un año después de que el realizador se estrenara en el largometraje. Un pelín más pretenciosa que su predecesora, aborda el tema de una extraña (como siempre en Medem) y a la vez engañosa historia de amor. Con unas interpretaciones estupendas (Emma Suárez, Karra Elejalde y Nancho Novo están geniales), Medem consigue escribir un relato y unos personajes enigmáticos.
Tres años después, realiza “
Tierra” (1996), obra cumbre que consagra a Julio Medem como uno de nuestros directores con más proyección en el panorama cinematográfico. Rodeado una vez más de Emma Suárez, Carmelo Gómez y Karra Elejalde, consigue construir un nuevo poema visual muy rustico e inquietante, jugando con las relaciones a tres bandas y el desdoblamiento de personalidad.

Y por fin llegamos a 1998, el año elegido para el estreno de “Los amantes del círculo polar”, la obra cumbre de Julio Medem, y una de las impactantes y transgresoras en los últimos 15 años del cine español moderno. Imponente y majestuosa en todos sus planos y momentos.

Una hipnótica y deslumbrante historia de amor que gira en torno a las casualidades con las que se topan los protagonistas; esa es la mejor forma de definir esta película.
El film, esta relatado en forma de capítulos, donde se introduce al principio de cada uno de estos, el nombre del personaje al que hace referencia el capitulo (punto a favor ya para el montaje).
A partir de ahí, veremos desde su punto de vista particular como transcurre la acción (de esta forma observamos dos visiones distintas de un mismo hecho). Y la magia empieza pronto. Empieza en el momento que aparece el primer nombre en la pantalla –Otto-. Continúa cuando vuelve a aparecer otro nombre en la pantalla –Ana-. La historia de Otto y Ana, la historia de dos niños, la historia de dos niños con nombres capicúas que, coinciden con el apellido del realizador vasco –Medem-, también capicúa ¿tenemos aquí la primera casualidad de la película?

La historia se lee de igual forma del derecho que del revés, igual que el nombre de sus protagonistas. El círculo comienza a dibujarse en los primeros minutos del metraje, para acabar cerrándolo perfectamente de cara al final del filme. La narración cumple un círculo, acabando donde empieza.

Dividida en tres partes claramente diferenciadas (niño, adolescente, adulto), Medem consigue que te involucres en la historia desde el comienzo (si no lo haces estas perdido, la odiarás). Quiere que sientas lo que sienten los personajes. Juega contigo y con el azar, te envuelve en un halo mágico del que no quieres huir, ni escapar nunca. Te atrapa en su poesía visual y onírica llena de fuerza y misterio, enigmas y casualidades, amor y odio.

Otto, Ana y una casualidad del destino (una pelota mal lanzada), hace que se conozcan. La misma casualidad (un periódico) hará que los separe.
Separados durante años, tras vivir una de las experiencias más bonitas que se pueden vivir en la vida (encontrar el amor de tu vida y vivir todos los momentos con esa persona), vuelven a encontrarse. Vuelven a encontrarse pero en un lugar completamente desconocido, un recóndito y muy puro lugar del mundo, apartado de todo, de todos.

Personalmente, si tuviera que elegir entre una de las tres partes principales de la historia, me quedaría con la de la infancia. Esa inocencia, esos sentimientos vírgenes aun por descubrir, esa magia inherente en el ambiente.
Las casualidades que les ocurren de niños son verdaderamente increíbles, las soñadas por todos en algún momento de nuestra vida. Un chut a un balón con escasa puntería que se cuela por la pared del colegio, un avión de papel que va a parar a los pies de Ana, la historia de amor que surge entre los padres a raíz de la nota del avión papel (acertadísimo el no desvelar que ponía, cada uno que se imagine su frase de amor perfecta).
Aunque si tuviera que destacar una escena clave en las casualidades de los protagonistas, sería la de la escena en la
plaza mayor de Madrid. Verdaderamente, te pone los pelos de punta el pensar que están uno al lado del otro, que tan siquiera solo con girarse se veían; sencillamente impresionante (solo te quedan ganas de gritarles a los dos, que se tienen justo detras). Pero su destino no quiere eso, el círculo que ya empezó a trazarse tiene que acabar donde empezó, y no fue así.

En el papel de Otto, tenemos a un
Fele Martínez un poco tenso –quizá lo menos destacable del film-. Con un rostro que no varía prácticamente en todo el metraje, pienso que es el único personaje que no está a la altura de lo que exige la película. La figura de Otto requiere más de lo que Fele Martínez puede aportar. Resulta un personaje más profundo que el de “Tesis”, y eso parece que no lo acabe de entender.
Mucho más naturales están el niño y el adolescente que hacen su mismo papel unos años más atrás. También comentar que el niño que hace de Otto (
Peru Medem) es hijo en la vida real del director Julio Medem.

Por otro lado, en el papel de Ana, está una insuperable
Nawja Nimri –como siempre-. Su voz, aporta el tono perfecto que requiere la película. Armoniosa y poética, redondea (como el circulo) a la perfección su actuación con su timbre de voz, pausado y relajante.
Ana en adulta, nos regala frases como estas:

Estar enamorada no es fácil. No basta con desearlo, hay que oírlo.
Salta por la ventana. ¡Valiente!
Estoy esperando la casualidad de mi vida, la más grande.
Podría unir mi vida uniendo casualidades. La primera y la más importante fue la peor...


Nancho Novo, que repite con Medem tras “La ardilla roja” y “Tierra”, está más que correcto en su papel de padre de Otto. La verdad es que es un actor multiusos, encajando perfectamente tanto en comedia como en drama. Por desgracia, no se le da la relevancia que merece, y parece que no termina de encajar en el panorama cinematográfico nacional.

Y
Maru Valdivielso también está muy creíble en su papel de madre de Ana. Junto a Nancho Novo, forman una pareja estupenda que se complementa a la perfección, dotando de más realismo aun si cabe al film.

Perfectamente construidos y estructurados los personajes, y soberbiamente dirigidos por Medem, el conjunto de protagonistas redondea la película hasta alcanzar el nivel de genialidad.

En lo referente al apartado técnico de la película, destacar la labor de fotografía y montaje. Si bien es cierto que el montaje no resulta del todo novedoso, pues el referente de utilizar la voz en off y diversos flashbacks para narrar acciones pasadas, el poseer una estructura concéntrica que va tomando forma a medida que transcurren los minutos, así como la elección de narrar la historia bajo los puntos de vista subjetivos de los protagonistas hacen del trabajo del director de montaje, un muestra de elegancia y a la vez virtuosismo muy pocas veces visto antes –sobretodo en España-.

Tanto la elección de los paisajes, como de los filtros utilizados en cámara y en post-producción, jugando con tonos azulados y fríos (sobretodo al final de película en Finlandia) resultan exquisitos y en contraposición al ardiente amor que rebosa de la pareja protagonista.

En el apartado sonoro, destacar (otra vez) la colaboración del fantástico
Alberto Iglesias con Medem. Trabajando juntos desde “Vacas”, nos llega una música exquisita para nuestros sentidos en “Los amantes del círculo polar” que encaja a la perfección con la acción que transcurre en cada momento, marcando el tono y el ritmo durante el visionado.

En definitiva, estamos ante una gran historia de amor contada desde el particular punto de vista de Julio Medem, con toques mágicos y melancólicos a la vez, desarrollada en un ambiente donde se entrelazan la vida de los dos personajes con nombres capicúas. Un ambiente lleno de azar y casualidades, donde el destino es el verdadero protagonista y no siempre nos regala situaciones felices. El destino tiene una doble cara, alegría y tristeza, sonrisas y lágrimas, vida y muerte.

Un excelente trabajo del realizador vasco, que se añade al ya conocido como “
Universo Medem”. Un trabajo que recoge a la perfección lo innato de los sentimientos humanos y los transforma en pura poesía visual. Solo Medem sabe hacer eso; es un maestro haciéndolo. Si no te gusta Medem, si no entiendes sus películas, si te aburres en la sala, mejor olvídate de esta. Para el resto, preparaos a disfrutar como nunca. No os hagáis una idea preconcebida. Visionarla con la menta abierta y despejada más que nunca, sabiendo que estáis viendo un mundo relatado y construido por Julio Medem.

Con todo lo resumido a su favor, majestuosa en todos los sentidos, es un filme que se transforma en todo un referente obligado dentro del cine español de los años 90. Una autentica obra maestra que solo nos podía regalar Medem. Gracias Julio.

- Lo mejor: las casualidades que dan forma a la historia. Lo grande del destino
- Lo peor: una mejorable interpretación de Fele Martínez


Valoración global: 10 sobre 10.
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TITULO ORIGINAL: Los amantes del círculo polar
AÑO: 1998
DURACIÓN: 114 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Julio Medem
GUIÓN: Julio Medem
MÚSICA: Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA: Gonzalo Fernández-Berridi
REPARTO: Fele Martínez, Najwa Nimri, Nancho Novo, Maru Valdivielso, Jaroslaw Bielski, Peru Medem, Sara Valiente, Victor Hugo Oliveira, Kristel Díaz, Pep Munné
PRODUCTORA: Sogetel
GÉNERO Y CRÍTICA: Drama romántico
SINOPSIS: Una historia de amor apasionada y secreta, contada por cada uno de sus protagonistas, Ana y Otto, desde que tienen ocho años hasta los veinticinco. Todo comienza en 1980, a la salida de un colegio, cuando dos niños echan a correr por distintos motivos. Desde esa tarde en la que se les escapa el mundo, las vidas de Ana y Otto se trenzarán en un mísmo círculo, que comenzará a cerrarse diecisiete años más tarde, en Finlandia, en el mismo borde del Círculo Polar.

viernes, 23 de noviembre de 2007

Bajo las estrellas: Crítica

Hoy voy a hablaros sobre una de las películas con las que más he disfrutado en el cine este 2007, y esa es "Bajo las estrellas".

Salió como flamante ganadora en la última edición del Festival de Málaga con los premios de mejor película, director, actor (Alberto San Juan) y guión novel bajo el brazo. Bajo la tutela en la producción de uno de los grandes directores y productores españoles, Fernando Trueba, el principiante director Felix Viscarret, firma una de las mejores películas españolas vista en las salas en muchos años, y una de las grandes sorpresas (por lo menos para mi) de 2007.


Personalmente, creo que es una de las firmes candidatas a llevárselo todo en la próxima edición de los Premios Goya -con permiso de "El Orfanato"-, y si no es así es que el jurado del festival está ciego, o enmudecido a golpe de talonario por Del Toro y su orfanato (sin desprestigiar ni muchos menos el film de Bayona, puesto que me llevé una grata sorpresa).

Viendo "Bajo las estrellas", te das cuenta de que a lo mejor aún queda un resquicio de esperanza para salvar el actual cine español. La magia que transmite el personaje de Alberto San Juan (en su mejor papel hasta ahora), la frescura del montaje, esa hipnotizante banda sonora que te transporta al mismísimo pueblo navarro donde transcurre el film, y por supuesto esa insólita relación niño-adulto que se desarrolla a lo largo de la película y que evoluciona hasta límites insospechados para el espectador.


La tragicomedia (mejor forma de definir el largometraje) que nos regala Viscarret, tiene ese olor al buen cine español de antes, pero con la tecnología de ahora. Y es que no tienen porque estar reñidos clasicismo y actualidad si se firman trabajos como este. Viscarret sabe como insertar el humor en unos diálogos que aún haciéndote sonreír no te confunden y no caen en la risa fácil.

Es fascinante la magia que ha conseguido crear el director en su primer trabajo de largo, y que esa magia envuelva todo el metraje de la película sin descansar ni un solo fotograma.





Esa mezcla de simplicidad cotidiana y a la vez poesía fílmica que posee la obra hacen de esta película un portento cinematográfico. Una audaz, y valiente película que espero se convierta en una pieza clave del futuro del cine español.

Alberto San Juan está simplemente sublime (espero que consiga un merecidísimo "Goya al mejor actor"). Consigue transmitir todo aquello que se propone sin apenas actuar. Tiene esa capacidad innata de actuar de forma natural. A lo largo de todo el visionado parece una mera improvisación de teatro. Con un personaje perfectamente definido, San Juan sella la que es para mi, la mejor actuación de su carrera (superando incluso a su personaje de "Días de Fútbol", "Airbag" y "El otro lado de la cama" - "Los dos lados de la cama"). Tras un trabajo un tanto titubeante en "Días de Cine", San Juan nos regala una actuación estelar, una evolución trascendental de su personaje Benito a través de unos diálogos soberbios (genial también Viscarret escribiendo el guión adaptado de la novela de Fernando Aramburu) donde encuentra el tono perfecto siempre entre comedia y drama.

Emma Suárez por su parte está simplemente correcta. La verdad es que esperaba mucho más de ella en este papel, pero no consigue llenar su escena cada vez que aparece. En ocasiones, se le ve un poco acongojada y su interpretacion resulta por momentos tediosa y forzada; sobretodo en escenas de drama y en la relación mantenida con su hija.

La niña, Violeta Rodriguez, está realmente bien. Representa una introvertida criatura, por la falta de cariño y atención de una madre abandonada. Se nota que ha encajado a la perfección con San Juan, y en cada escena que tienen juntos rebosa la química entre ambos por todos lados. Los encuentros entre Benito y 'Puerquita' son los mejores del largometraje creandose entre ambos una amistad sutil para completarse en un amor mutuo. La evolución de su personaje, y la complicidad que este adquiere con Benito resulta de lo más natural, destacando la escena en la que ambos personajes en que se conocen. No necesitan hablarse para entenderse; el juego de miradas de los dos lo dice todo en ciertas secuencias. 'Puerquita', que así es como San Juan se refiere a la niña de forma cariñosa, encuentra en la figura de Benito el padre que tanto ha buscado en su infancia y que por fin ha encontrado.

Por último, Julián Villagrán, que hace de hermano de San Juan se reivindica como actor dejándonos un buen papel -un poco forzado en ciertas escenas- con un final un tanto estirado y metido con pinzas (su personaje es de lo poco que no me ha convencido, acabo sin creérmelo en algunos momentos). Aunque es cierto, que nos deja un papel muy conmovedor principalmente por su bonda e inocencia, complementandose a la perfeccion con su otra mitad, su hermano Benito.
La verdad es que sin quererlo, Alberto San Juan oscurece en cierta manera las interpretaciones de sus compañeros, cayendo sobre él todo el peso de la película y saliendo no solo airoso, sino aprobado con nota.

En lo referente al apartado de sonido, Mikel Salas sella un trabajo fenomenal digno del mismísimo Alberto Iglesias en cualquier pelicula de Julio Medem (salvo la fallida"Caótica Ana"). Una banda sonora escogida perfectamente, y que encaja en la pelicula cual engranaje en un reloj. A destacar, el comienzo y final del film, y la escena que da título a la película, en la que San Juan recorre el camino de vuelta al pueblo bajo un manto de estrellas. Excelente el trabajo musical y de fotografia en esa escena.

La pelicula de Viscarret, nos ofrece un viaje de vuelta a las raíces para, en una segunda oportunidad, encontrarse a uno mismo. En definitiva, una de las grandes apuestas españolas de este año, una película que invita a soñar; porque al fin y al cabo la vida son sueños, y en ocasiones (esta es una de ellas) el cine escenifica esos sueños como bien decía Luis Eduardo Aute, y Poncho K versioneaba:

"Cine, cine, cine, más cine por favor, que todo en la vida es cine y los sueños, cine son".

- Lo mejor: un insuperable Alberto San Juan
- Lo peor: que pueda (mal) considerarse demasiado pretenciosa





Valoración global: 8 sobre 10

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TITULO ORIGINAL: Bajo las estrellas
AÑO: 2007
DURACIÓN: 107 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Félix Viscarret
GUIÓN: Félix Viscarret (Novela: Fernando Aramburu)
MÚSICA: Mikel Salas
FOTOGRAFÍA: Álvaro Gutiérrez
GÉNERO: Drama - Comedia
REPARTO: Alberto San Juan, Emma Suárez, Julián Villagrán, Luz Valdenebro, Violeta Rodríguez, Amparo Valle
PRODUCTORA: Fernando Trueba P.C.
SINOPSIS: Benito Lacunza, trompetista de tres al cuarto, un personaje crápula y holgazán, incorrecto y desastrado, que va por la vida dando tumbos, vuelve a su pueblo natal en Navarra para asistir el entierro de su padre. Allí descubre que su bondadoso hermano Lalo, apodado "el Hierros" porque se dedica a hacer esculturas con chatarra, está a punto de casarse. Su novia es Nines, una mujer prematuramente castigada por la vida y madre soltera, a quien Benito conoce de sus juergas adolescentes. Benito se propone salvar a Lalo de Nines… pero no cuenta con Ainara, la hija de ella, una niña rebelde e introvertida con quien Benito acabará trabando una insólita amistad.

jueves, 22 de noviembre de 2007

Christian Bale en 'Terminator Salvation: The Future Begins'

No sé si estamos ante la noticia bomba de la semana, del mes o de lo que queda del año 2007 pero algunas páginas dan como oficial que Christian Bale podría encarnar a John Connor en 'Terminator Salvation: The Future Begins'. Esta nueva entrega de Terminator se construirá a partir de la base que dejó 'Terminator 3', con un John Connor treinteañero a la cabeza de la resistencia humana frente a las máquinas.


La historia estará dirigida por McG -director de las dos cintas de 'Los Angeles de Charlie' y contará en el guión con John Brancato y Michael Ferris y presumiblemente se estrenará en verano de 2009.

Pero antes de esta entrega llegará a la pequeña pantalla 'The Sarah Connor Chronicles' (Las Cronicas de Sarah Connor) que se basa en la historia que tiene lugar en la segunda y la tercera parte de "Terminator". Sarah Connor y su hijo John, el futuro salvador de la humanidad, tienen que luchar para mantenerse vivos en un mundo lleno de desafíos entre el presente y el futuro.

La serie tendrá entre su reparto a artistas como Lena Hedley, la reina en la película 300 y Thomas Dekker, el desaparecido amigo de Claire en Heroes, se estrenará en Enero del 2008, es decir, que será una serie de las llamadas de mid-season ya que la Fox ha encargado por ahora solo 13 capítulos, ampliables si la serie tiene éxito.

De momento aquí teneis los posters oficiales de

Primeras Imágenes de "Vicky Cristina Barcelona" de Woody Allen

Por fin, han aparecido las primeras imágenes oficiales del filme que de Woody Allen y que espera estrenar para el próximo 19 de Septiembre de 2008, "Vicky Cristina Barcelona".
La película se grabó el pasado verano en escenarios y diferentes localizaciones de Barcelona, Asturias y Nueva York.

Allen, reveló en Nueva York en marzo de 2007 que la película será "una película romántica seria con algunos momentos divertidos y sin sangre".


"Mi propósito es mostrar Barcelona igual que muestro Manhattan, muy a través de mis ojos", explicó el cineasta.


La cinta se centra en como dos turistas americanas llegan a Barcelona para visitar la ciudad y conocen a un pintor, que les hará de cicerón para aprovechar y seducir a ambas. La ex novia del pintor, celosa de las americanas, intentará ponerse en medio para alejarlas de él. En el reparto y como ya todo el mundo sabe estan Scarlett Johansson, Javier Bardem, Penelope Cruz, Rebecca Hall, Joel Joan, Lluís Homar y un largo etc.
"Vicky Cristina Barcelona", una producción de Gravier y Mediapro en colaboración con Antena 3 Films.

Ahora a disfrutar con las imágenes y esperemos que dentro de poco podamos ver algún avance en movimiento.
Esperemos a ver si se convierte en la próxima "Match Point" de Allen (para mi, la mejor película de Woody Allen en 15 años), ya que el estreno de "Scoop" y "Cassandra's Dream" no estuvieron a la altura de un cineasta de su categoría.

miércoles, 21 de noviembre de 2007

Los 10 mejores guiones de la historia

Hay escenas, personajes y diálogos que hacen memorable un guión. El público puede aplaudirlo, la crítica puede alabarlo, pero cuando son los propios compañeros de profesión quienes reconocen su valor, eso ya son palabras mayores... La Asociación de Escritores de Estados Unidos ha hecho pública una lista con los 101 mejores guiones de la historia del cine.
Y de los 101 mejores guiones, estos son los 10 primeros:

1. Casablanca (1942)
Escrito por: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch

El guión está basado en una obra de teatro. Cuando empezó el rodaje, el guión ni siquiera estaba terminado: nadie sabía todavía cómo terminaría la historia entre Rick e Ilsa.



2. El Padrino (1972)
Escrito por: Mario Puzo y Francis Ford Coppola

Todo empezó con la novela de Puzo, que fue un bestseller. Coppola y Puzo
la adaptaron al cine y crearon una de las pelis más taquilleras de la historia.

3. Chinatown (1974)
Escrito por: Robert Towne

Tenía que ser la primera parte de una trilogía sobre la corrupción en Los
Ángeles; la segunda se filmó, pero no la tercera. Towne tuvo que cambiar el final del guión, ya que no terminaba en Chinatown.


4. Ciudadano Kane (1941)
Escrito por: Herman J. Mankiewicz y Orson Welles

El protagonista se inspira en William Randolph Hearst, un magnate editorial
de la época. Cuando éste se enteró quiso boicotear la película pero no lo logró.


5. Eva al desnudo (1950)
Escrito por: Joseph L. Mankiewicz
Mankiewicz se basó en un relato breve publicado en una revista femenina
, y que se refería a una anécdota real sobre una actriz europea. Bette Davis dijo que era su mejor papel y que había resucitado su carrera.


6. Annie Hall (1977)
Escrito por: Woody Allen y Marshall Brickman
Al principio era un guión de misterio con subtrama amorosa, pero la historia de amor fue ganando
protagonismo. Diane Keaton inspiró al personaje de Annie.


7. El crepúsculo de los dioses (1950)
Escrito por: Charles Brackett, Billy Wilder y D.M. Marshman Jr.

Bracket y Wilder llevaban años trabajando juntos como coguionistas; ésta fue su última colaboración. La película empezó a rodarse antes de que el
guión definitivo estuviese listo.


8. Network (1976)
Escrito por: Paddy Chayefsky
Chayefsky trabajó durante años como guionista de TV y quiso describir aquel mundo que tan bien conocía. Muchos interpretaron su guión como una sátira, pero él lo definía como la pura realidad.


9. Con faldas y a lo loco (1959)
Escrito por: Billy Wilder y IAL Diamond

El guión no se terminó de escribir hasta cuatro días antes de terminar el rodaje. Y es que a Wilder le gustaba escribir sobre la marcha, incorporando las ideas que se le ocurrían mientras filmaba.


10. El Padrino II (1974)
Escrito por: Francis Ford Coppola y Mario Puzo
En este guión se utilizaron algunas secuencias que no aparecieron en la primera parte de la
saga pero sí figuraban en la novela de Puzo.



Personalmente, creo que "Con faldas y a lo loco" debería estar entre los cinco primeros, solo por el hecho de tener la frase más famosa de la historia del cine (Nadie es perfecto); con permiso de "Tócala otra vez, Sam" y "Pongo a Dios por testigo..."

martes, 20 de noviembre de 2007

Gone baby, gone: Crítica

Pues mi primera crítica oficial se la voy a dedicar al último largometraje que he ido a ver al cine. La película que hoy nos ocupa es Gone baby, gone o su traducción al castellano “Adiós pequeña, adiós”.

Voy a aclarar que no desvelaré tramas importantes que destripen la historia y/o finales de los films que analice (spoilers), si no que me centraré en un análisis superficial y totalmente subjetivo de la película, incluyendo interpretaciones, guión, montaje y fotografía entre otros. Tras el análisis valoraré la película con una puntuación numérica comprendida entre 1 y 10. Obviamente el 1 será la peor nota posible (ejemplo “Alone in the dark” o cualquier film de Uwe Boll) y el 10 estará considerada como obra maestra (ejemplo “Con faldas y a lo loco”).

Una vez aclarado esto nos metemos de lleno con la opera prima de Ben Affleck. De sobras conocemos todos al citado director, pero más bien (y por desgracia) en su faceta de actor. A nadie le sorprende la nula capacidad interpretativa de Ben Affleck (también es cierto que la calidad de los guiones que decidió aceptar fueron pésimos, salvo “El inolvidable Hill Hunting”, en la que ocupada el rol de co-guionista junto con su infatigable amigo Matt Damon). Pero la verdad, es que me he llevado una grata sorpresa en cuanto al trabajo como director de Affleck. Sin una excepcional labor de factura técnica, el film se mantiene más o menos entero buena parte de su duración.

Affleck, también ejerce aquí como co-guionista adaptando junto a Aaron Stockard una novela de Dennis Lehane. Si bien la materia prima de la que parten es indudablemente fantástica (no olvidemos que es el mismo autor de la novela en la que esta basada “Mystic River”), el resultado final se queda tambaleante. No entraré en comparaciones (no lo quiera Sr.Affleck), pero creo que el pulso narrativo que imprime Clint Eastwood no tiene nada que ver con el de Affleck.

En primer lugar, nos ocupan alrededor de 45 minutos, de ritmo pausado que adormecen al espectador hasta el coma. Por momentos piensas si no te has teletransportado de la sala de cine hasta la butaca de tu casa y estas viendo Antena3 o Telecinco a las 16:00, ya que la primera parte del largometraje recuerda más a un telefilm de dicha cadenas que a una (se supone) película en condiciones.
De repente, el ritmo de la película cambia por completo, la historia da un giro de 180º y te dices: ¿pero que está pasando ahora? ¿A donde nos quiere llevar señor Affleck? Pues al huerto, al mismísimo huerto.

En el tramo final, la película empieza a coger un poco de ritmo (pero sin exagerar), para regalarnos una resolución demasiado explicita. Affleck debió pensar que el espectador es medio tonto o que había escrito el guión de “Memento” porque sino no me explico su decisión de colocar imágenes pasadas mientras se describe la explicación final.

En cuanto a los protagonistas, no tengo más que notas positivas para Ed Harris (impecable como siempre) y el ¿cameo? de Morgan Freeman (3 escenas contadas). Cuando aparecen en pantalla no se necesita nada más, ellos solos llenan de contenido la escena.

Casey Affleck (el hermanísimo del director y protagonista) se limita a ir de arriba a abajo, a poner muecas de macarra y a bacilar a negros de 2 metros mientras le apuntan con una pistola a la cabeza. Me cuesta creerme el papel de su personaje. Un detectivillo privado de tres al cuarto yendo de ‘malote’ y con esa cara de pánfilo, sin ningún gesto, sin ninguna emocion. Tiene la misma capacidad interpretativa que un melón (o Sandra Bullock), solo que el melón no es el hermano del director. Michelle Monaghan está solo correcta. No es que tenga el papelón de su vida, pero tampoco se esfuerza demasiado en sus escenas. En fin, acaba estando un poco desaprovechada.

Técnicamente hablando, el montaje me ha parecido de lo más normalito. Decente para ser Ben Affleck, y ser su primer largometraje. Eso de poner un medio final a mitad de película esta cogido con pinzas.
La fotografía si que está más conseguida. Ambientes sucios en Boston, guettos callejeros con una sociedad de clase media-baja quedan perfectamente retratados a través de la cámara.
La banda sonora, simplemente correcta. Comienza estupendamente en el arranque del film con la voz en off del protagonista, pero poco a poco va perdiendo fuelle a medida que avanza el largometraje.

Por último, en la última parte del visionado se nos plantea el eje central de la película. La espina dorsal del film confluye en la moralidad del personaje y las decisiones de sus actos. El bien y el mal, el yin y el yang, lo correcto y lo incorrecto. Affleck, nos invita a empatizar de lleno con el protagonista, a preguntarnos que haríamos nosotros en su situación, a elegir entre lo racional y lo emocional. Los valores morales se vuelven los protagonistas en los minutos finales de la película, cargándola de tensión gracias a su planteamiento.
Y es aquí cuando el film consigue lo que propone. Indaga entre las fronteras del bien y del mal y consigue salir airoso en el intento (menos mal).

- Lo mejor: Ed Harris y un final arrollador
- Lo peor: Casey Affleck y el ritmo de telefilm del principio


Valoración global: 6 sobre 10
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TITULO ORIGINAL: Gone Baby Gone
AÑO: 2007
DURACIÓN: 114 min
PAÍS : USA
DIRECTOR: Ben Affleck
GUIÓN: Ben Affleck, Aaron Stockard (Novela: Dennis Lehane)
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: John Toll
REPARTO: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Morgan Freeman, Ed Harris, Karen Ahern, Carla Antonino, John Ashton, Amy Ryan, Amy Madigan
PRODUCTORA: Miramax Films / The Ladd Company / LivePlanet
GÉNERO: Intriga. Thriller
SINOPSIS: Basado en un best-seller del autor de "Mystic River", cuenta la historia de dos investigadores privados en busca de una niña de cuatro años que ha sido secuestrada en uno de los barrios más sórdidos de la ciudad de Boston.

lunes, 19 de noviembre de 2007

[REC] Trailer y Opinion

Quiero hacer los honores de mi primera entrada en mi recién estrenado blog con una película que llevo siguiendo alrededor de 4 o 5 meses. No es otra que [REC], el último largometraje del más que interesante Jaume Balagueró. En esta ocasión, Balagueró esta acompañado por un viejo amigo suyo; Paco Plaza. Los que me conocen, saben que tengo cierta predilección por Balagueró (el último maestro del actual cine de terror español).

Corría el año 99, cuando visioné la fantástica "Los Sin Nombre". Había llegado a mis manos no se ni como, y pronto se convirtió para mi en un referente del género de terror psicológico. De factura y ambientación impecable, no necesita de monstruos ni de continuos incrementos de volumen (sustos artificiales) para agilizar el ritmo y tensión del film. Con un final totalmente desesperenzador e inquietante y rodeado de una aterradora atmósfera, Balagueró firmó un más que notable estreno en el difícil mundo del largometraje (previamente había rodado los cortos, Alicia (1994) y Días sin luz (1995).
A partir de aquí, comencé a seguir la carrera de un futuro maestro del género.

Luego vinieron Darkess (2002) y Frágiles (2005) que continuaban la estela de "Los Sin Nombre" pero para mi, sin llegar a superarlas (si bien es cierto que Darkness se le acerca bastante). Había conseguido firmar dos buenas películas, pero de cierta manera parecía que lo que estabamos viendo ya lo habíamos visto antes, como un refrito de lo anterior. No consiguió impactar tanto como con su ópera prima, y eso que contó con un presupuesto 10 veces mayor que en "Los Sin Nombre"
.

En 2006, rodó un episodio ("Para entrar a vivir", mediometraje de 60 minutos) de los que componen el 'remake' de "Historias para no dormir" de Chicho Ibañez Serrador, con cierta solvencia pero a un nivel más bajo de lo que todos esperábamos (exigíamos) de Balagueró.

Y ahora en pleno otoño, llega a nuestras salas [REC]. Una de las grandes triunfadoras (con 5 galardones) de la última edición del Festival de Sitges. Mejor dirección, Mejor actriz (Manuela Velasco); Gran Premio del Público, Premio José Luis Guarner de la Crítica (por unanimidad) y Mención Especial Méliès d'Argent (que distingue a las mejores producciones de corte fantástico vistas en el certamen) son los premios otorgados al último largometraje de Balagueró y Plaza.

Pues bien, el 23 de Noviembre es la fecha elegida para su estreno en nuestro país. Así que ya solo faltan unos días para comprobar el trabajo de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
La crítica (muy dura generalmente con este tipo de género) se ha rendido a [REC]. Su peculiar estética de 'camara en mano' nos regala un docu-film de la forma más cercana posible a la realidad, involucrándonos al 100% con lo que esta pasando, con lo que se está rodando.

Se ha comentado, que los actores (la mayoría desconocidos) prácticamente no tenían un guion que seguir, dejándose ciertas partes del film a la plena improvisación y espontaneidad de estos.

Os dejo el trailer para que le vayais echando un vistazo, y un video rodado con una camara con inflarojos situada el día del prestreno en Sitges para observar las reacciones de la gente mientras veían la película. Así que, en teoría eso es lo que nos espera cuando vayamos a verla. Suerte!

TRAILER OFICIAL DE [REC]



REACCIONES DEL PUBLICO EN [REC]


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TITULO ORIGINAL: REC
AÑO: 2007
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Jaume Balagueró & Paco Plaza
GUIÓN: Jaume Balagueró, Paco Plaza, Luiso Berdejo
FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso
REPARTO: Manuela Velasco, Ferran Terraza, Jorge Serrano, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell, Carlos Vicente, María Teresa Ortega, Manuel Bronchud, Claudia Font
PRODUCTORA: Filmax
SINOPSIS: Cada noche, Ángela (Manuela Velasco), una joven reportera de una televisión local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su ”misión“ de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana semiinconsciente, rodeada por decenas de gatos. De pronto, la mujer se lanza sobre un bombero, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es sólo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje único en el mundo: cuando los otros bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior.

Bienvenida

Hoy empiezo una nueva andadura en esto de los blogs. En los últimos años, todos nosotros hemos visto como esta nueva herramienta de comunicación se ha ido abriendo paso a paso en el difícil mundo de internet, y en la actualidad se han convertido en una pieza clave de la comunicación on-line.

Como muchos otros, yo empecé utilizando "MSN Spaces", pero en mi opinión se ha quedado un poco obsoleto. Las opciones son mínimas en comparación con las que nos ofrece el servicio 'blogger' de Google (quien si no). Así que a partir de ahora, intentaré darle un nuevo enfoque al blog.

Desde siempre me ha interesado mucho el mundo del cine. Todo el mundo cuando le preguntan por sus aficiones siempre resalta el cine, la música y los libros, pero yo intento dar un paso más.

Desde que vi "La Naranja Mecánica", mi visión cinematográfica ha cambiado por completo.
Esa visión apocalíptica del futuro deslumbró mi mente, ese uso de la música (Beethoven) hipnotizó mis sentidos, esa descomunal primerísimo plano de 'Alex' mirándonos desafiante e invitándonos a una nueva ración de ultraviolencia es simplemente impresionante.

Me impactó tanto el visionado del largometraje de Kubrick, que mi concepción de lo que era el cine hasta ese momento se dividió en dos partes: antes y después de "La Naranja Mecánica".

Empecé a leer sobre cine, a ver los grandes clásicos, y sobretodo a empaparme del genero. Sé que todavía soy muy joven (22 años), y que me quedan infinidad de cosas por ver y aprender para poder hablar con propiedad sobre una película, pero creo que la intención es lo que verdaderamente cuenta.

Así que desde este blog, me implicaré de forma directa en el mundo del séptimo arte, analizando desde mi humilde opinión los últimos visionados que haga; así como novedades y noticias de actualidad referentes a este grandioso mundo que es el cine.

Supongo que no le dedicaré todo el tiempo que me gustaría al blog, pero haré lo que buenamente este en mi mano.

Sólo me queda decir: luces, cámara y acción.