Mis Fotogramas

Mi quiniela para los Oscar 2010

2010-02-04T21:01:00.000+01:00

Espero que "Avatar" no gane ninguna de las grandes categorías (película y director) Si la Academia es justa, "Avatar" debería arrasar en los premios técnicos y dejar los gordos a películas que lo merecen más como "The hurt locker" "Up in the air" "Precious" e incluso "Inglorious basterds"

Aún así, mi lado racional me dice que el film de Cameron va a llevarse "Mejor película" y "Mejor director" Ójala me equivoque. Ahí van mis apuestas.

Mejor Película

Avatar
The Blind Side
District 9
An Education
The Hurt Locker
Inglorious Basterds
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
A Serious Man
Up
Up in the Air

Tenía que decidir entre esta y "Up in the air" Cualquiera de las dos puede ganar. No descuidar a "Precious"

Mejor Dirección

James Cameron por Avatar
Kathryn Bigelow por The Hurt Locker
Quentin Tarantino por Inglorious Basterds
Lee Daniels por Precious
Jason Reitman por Up in the Air

Mejor Actor

Jeff Bridges por Corazón rebelde
George Clooney por Up in the Air
Colin Firth por A Single Man
Morgan Freeman por Invictus
Jeremy Renner por The Hurt Locker

Mejor Actor de Reparto

Matt Damon por Invictus
Woody Harrelson por The Messenger
Christopher Plummer por The Last Station
Stanley Tucci por The Lovely Bones
Christoph Waltz por Inglourious Basterds

El premio más claro de todos...

Mejor Actriz

Sandra Bullock por The Blind Side
Helen Mirren por The Last Station
Carey Mulligan por An Education
Gabourey Sidibe por Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
Meryl Streep por Julie & Julia

Mejor Actriz de Reparto

Penélope Cruz por Nine
Vera Farmiga por Up in the Air
Maggie Gyllenhaal por Crazy Heart
Anna Kendrick por Up in the Air
Mo’Nique por Precious

Me encantaría que se lo llevara "Anna Kendrick"

Mejor Película de Animación

Coraline
Fantastic Mr Fox
The Princess and the Frog
The Secret of Kells
Up

Mejor Dirección Artística

Avatar
El imaginario del Doctor Parnassus
Nine
Sherlock Holmes
La Reina Victoria

Mejor Fotografía

Avatar, Mauro Fiore
Harry Potter y el Misterio del Príncipe, Bruno Delbonnel
The Hurt Locker, Barry Ackroyd
Inglourious Basterds, Robert Richardson
La cinta blanca, Christian Berger

Siendo justos, debería ser para "La cinta blanca"

Mejor Guión Adaptado

District 9
An Education
In the loop
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire
Up In The Air

Mejor Guión Original

The Hurt Locker
Inglourious Basterds
The Messenger
A Serious Man
Up

"A serious man" no sería nada descabellado

Mejor Diseño de Vestuario

Bright Star
Coco: de la rebeldía a la leyenda de Chanel
El imaginario del Doctor Parnassus
Nine
La Reina Victoria

Mejor Montaje

Avatar
District 9
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Precious: Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire

Mejor Película en Lengua Extranjera

Ajami (Israel)
El secreto de sus ojos (Argentina)
La cinta blanca (Alemania)
La teta asustada (Perú)
Un profeta (Francia)

Si las tuvieras todas tan claras como esta...

Mejor Maquillaje

Il Divo
Star Trek
La Reina Victoria

Mejor Música Original

Avatar, James Horner
Fantastic Mr. Fox, Alexandre Desplat
En tierra hostil, Marco Beltrami y Buck Sanders
Sherlock Holmes, Hans Zimmer
Up, Michael Giacchino

Mejor Canción Original

‘Almost There’, de The Princess and the Frog, por Randy Newman
‘Down in New Orleans’ de The Princess and the Frog, por Randy Newman
‘Loin de Paname’, de Paris 36, música de Reinhardt Wagner, letra de Frank Thomas
‘Take It All’, de Nine, por Maury Yeston
‘The Weary Kind (Theme from Crazy Heart)’, de Crazy Heart, por Ryan Bingham y T Bone Burnett

Mejor Efectos de Sonido (Sound Editing)

Avatar
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Star Trek
Up

La cosa va a estar entre ésta y "Avatar"

Mejor Sonido (Sound Mixing)

Avatar
The Hurt Locker
Inglourious Basterds
Star Trek
Transformers: Revenge of the Fallen

Idem que el anterior

Mejores Efectos Visuales

Avatar
District 9
Star Trek

No admite discusión aunque atención a "District 9"

Mi quiniela para los Goya 2010

2010-02-02T21:30:00.005+01:00

Ahí van mis predicciones para los premios Goya de este año. Básicamente, creo que van a triunfar tanto Ágora como Celda 211. La cinta de Amenabar va a arrasar en los premios menores, mientras que Celda 211 pienso -y espero- que va a acaparar los grandes galardones (película, director y actor)

* Mejor película:

Agora
Celda 211
El baile de la Victoria
El secreto de sus ojos

* El corazón me dice que va a ganar "Celda 211", pero la razón me dice que lo hará "Agora". Ójala sea la primera.

Mejor dirección:

Alejandro Amenábar por Agora
Fernando Trueba por El baile de la Victoria
Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Daniel Monzón por Celda 211

Mejor actor:

Ricardo Darín por El secreto de sus ojos
Antonio de la Torre por Gordos
Jordi Mollá por El cónsul de Sodoma
Luis Tosar por Celda 211

Mejor actriz:

Lola Dueñas por Yo, también
Maribel Verdú por Tetro
Penélope Cruz por Los abrazos rotos
Rachel Weisz por Agora

Mejor actor de reparto:

Antonio Resines por Celda 211
Carlos Bardem por Celda 211
Raúl Arévalo por Gordos
Ricardo Darín por El baile de la Victoria

Mejor actriz de reparto:

Marta Etura por Celda 211
Pilar Castro por Gordos
Verónica Sánchez por Gordos
Vicky Peña por El cónsul de Sodoma

Mejor dirección novel:

Álvaro Pastor y Antonio Naharro por Yo, también
Borja Cobeaga por Pagafantas
David Planell por La vergüenza
Mar Coll por Tres días con la familia

Mejor actor revelación:

Alberto Ammann por Celda 211
Fernando Albizu por Gordos
Gorka Otxoa por Pagafantas
Pablo Pineda por Yo, también

Mejor actriz revelación:

Blanca Romero por After
Soledad Villamil por El secreto de sus ojos
Leticia Herrero por Gordos
Nausicaa Bonnin por Tres días con la familia

Mejor guión original:

Alberto Rodríguez Librero, Rafael Cobos por After
Alejandro Amenábar, Mateo Gil por Agora
Daniel Sánchez Arévalo por Gordos
Pedro Almodóvar por Los abrazos rotos

Mejor guión adaptado:

Antonio Skármeta, Fernando Trueba, Jonás Trueba por El baile de la Victoria
Daniel Monzón, Jorge Guerricaechevarría por Celda 211
Eduardo Sacheri, Juan José Campanella por El secreto de sus ojos
Jaoquin Górriz, Miguel Ángel Fernández, Miguel Dalmau, Sigfrid Monleon por El cónsul de Sodoma

Mejor música:

Alberto Iglesias por Los abrazos rotos
Dario Marianelli por Agora
Roque Baños López por Celda 211
Federico Jusid por El secreto de sus ojos

Mejor fotografía:

After
Ágora
Celda 211
El secreto de sus ojos

Mejor montaje:

El baile de la Victoria
Celda 211
Ágora
Gordos

Mejor sonido:

Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
Mapa de los sonidos de Tokio

Mejor dirección artística:

Ágora
Celda 211
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma

Mejor diseño de vestuario:

Ágora
El baile de la Victoria
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor maquillaje y peluquería:

Ágora
Celda 211
El cónsul de Sodoma
Los abrazos rotos

Mejor película europea:

Bienvenidos al norte
Déjame entrar
La clase
Slumdog Millionaire

Mejor dirección de producción:

El baile de la Victoria
Ágora
Celda 211
Che, Guerrilla

Mejores efectos especiales:

Ágora
Celda 211
Rec 2
Spanish Movie

Déjame Entrar

2009-10-10T17:45:00.007+02:00

Déjame Entrar: Tras casi un año sin escribir en el blog, hoy, después de ver los extras de la edición especial de "Déjame Entrar" y rescatar algo de tiempo para redactar algo interesante, me he decidido a volver a la carga. Eso si, vuelvo al 50%, pues entre Rankia, Twitter, idas y venidas Valencia-Barcelona y demás, me veo en la imposibilidad de escribir más allá de 4-5 posts mensuales. Dicho esto, empecemos.

Presentada en el Festival de Sitges del año pasado y en multitud de otros festivales a lo largo del globo y cosechando premios allá por donde pasaba, os presento la cinta de Tomas Alfredson, "Déjame Entrar". Puede resultar un poco atrevida esta afirmación, pero me atrevería a decir, que "Déjame Entrar" es la mejor cinta que he visto a lo largo del 2008 y 2009. Podemos (mal)encajarla como una película de género, pero "Déjame Entrar" es mucho más que una obra vampírica, de terror o fantástica. "Déjame Entrar" es puro cine de autor salpicado de una atmósfera helada que narra la historia de amor entre dos niños: él uno humano y la otra vampiresa; una pequeña draculina que se encuentra perdida en un mundo de adultos.

"Déjame Entrar" bebe -y mucho- del cine y la planificación clásica tal y como la entendemos. En sus primeros minutos ya nos damos cuenta de que no asistimos al cine palomitero propio de Hollywood. Su poderío visual destaca por encima de una cuidada fotografía gélida que muestra las penurias en los años 80 de un periférico barrio de Suecia. Y digo penurias, porque "Déjame Entrar" no habla solamente de vampiros. Habla de la sociedad y su patetismo natural, de la rutina y monoteidad de sus gentes, de una deprimente Suecia de tonos grises, del acoso escolar o bullying que tan presente está actualmente, del aislamiento paterno y del descubrimiento del primer amor. Sobretodo habla de esto último.

El gran poder que tiene "Déjame Entrar" está en su acertado casting. Cuenta el director, Tomas Alfredson, en los extras del DVD, que pasaron 12 meses hasta que dieron en el clavo y consiguieron encontrar a los actores que interpretarían finalmente a Oskar y Eli. Para mi, es con diferencia la labor más importante en esta obra, pues es sobre sus pequeñas espaldas donde recae todo el peso de la película. Sobran los detalles en el resultado final. Un imborrable Kåre Hedebrant como Oskar, ese niño de 12 años atormentado por los matones del colegio y una fantástica Lina Leandersson como Eli, la niña vampiresa que solo busca encajar con su extraña condición en el complicado mundo de los adultos y encontrar el amor que le falta. Ese amor lo encuentra en Oskar, y éste encuentra en Eli ese valor que le falta. Eli libera a Oskar y le da una nueva perspectiva.

Por supuesto, también sobran los detalles entre la química surgida entre ambos niños. Miradas, gestos y unos acertados diálogos, convierten a "Déjame Entrar" en una delicia para cualquier cinéfilo.

Visualmente, "Déjame Entrar" es muy poderosa. Es una película de silencios y gestos. Podríamos hablar (salvando las distancias) de casi una película muda, pues por encima de un sobrio argumento destacan una imágenes grandiosas, planos clásicos, una cuidada fotografía helada y sobretodo una planificación lenta, a la antigua usanza y muy milimétrica. En ocasiones, las imágenes aportan mucho más a la historia que cuando hablan los personajes. De hecho, podría entenderse casi sin problemas el hilo argumental y carga emocional de la cinta obviando los diálogos. El simple roce de una mano sujetando un cubo de Rubik, o el abrazo desnudo mientras duermes en la cama transmite más que cualquier ñoñería artificial con la que nos bombardean las comedias románticas americanas yankees.

Entre las mejores escenas de "Déjame Entrar" , a destacar sobretodo, como se conocen Eli y Oskar en el parque y el soberbio plano que acompaña esta escena. También es soberbio el ataque de los gatos y por supuesto el final en la piscina (una total declaración de amor), donde tarde o temprano se deberá enseñar como clase magistral en cualquier escuela de cine que se precie.

En definitiva, "Déjame Entrar" se convierte al instante en una sombría y a la vez elegante obra de culto cinematográfica que perdurará durante años en la retina del espectador. Un magnífico cuento de hadas bañado por las gélidas temperaturas nórdicas, atormentado y onírico que debería mantenerse inalterable con el paso del tiempo. Una hipnótica maravilla para los sentidos no apta para un público generalista alimentado por el cine comercial y hollywoodiense. Yo solo puedo recomendarla. Puntuación: 10 de 10.

PD. Se prepara remake americano. Echar a temblar...

Camino

2008-11-03T22:07:00.003+01:00

Camino: último largometraje de Javier Fesser y cambio radical en su estilo de dirección. Tras las surrealistas -y personalmente nada acertadas- El milagro de P.Tinto y La gran aventura de Mortadelo y Filemón; Fesser se adentra en una vertiente dramática y no exenta de polémica que hace tambalear los cimientos del fundamentalismo religioso más retrógrado y extremista. Con Camino, Javier Fesser nos ofrece su mejor película hasta la fecha y una de las grandes apuesta en la próxima edición de los premios Goya. Camino destila belleza e inteligencia de una manera apabullante.

Poco hay que contar de la sinopsis de Camino, pues se ha hablado y mucho en todos lo medios. La cinta de Fesser está inspirada en la historia de la hija menor de una familia perteneciente al Opus Dei, que falleció en 1985 a los 14 años de edad, y que actualmente está en proceso de canonización. Pero Camino es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden en vano sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.

Contada a modo de flahsback, y tras una pequeña introducción de 5 minutos desgarradora y que nos avisa de la que se nos viene encima, Camino es una fabula de color donde la brutal historia se intercala con los sueños -y pesadillas- de la niña, una encantadora y debutante Nerea Camacho, de la que resulta muy difícil no quedarse prendado y enamorado de ella al instante. Camino resulta de una lucidez brillante, capaz de mezclar el amor y la muerte de manera exquisita, jugar con lo metafórico y sobretodo con la dualidad del personaje de Jesús -niño- (lo mejor de toda la cinta). Javier Fesser logra imprimir su sello más personal e intimista, su gusto por lo fantástico entremezclado con lo real consiguiendo una estética visual impactante y brillante.

Comprendo que Camino no haya sentado nada bien en el seno de las instituciones religiosas, ya que lanza dardos envenenados regularmente durante todo el metraje de la cinta. Desde la manipulación sufrida por los niños en la escuela, hasta el fanatismo más radical de la propia madre de Camino, pasando por el recluismo entre hombres y mujeres en las residencias del Opus Dei y hasta las aportaciones económicas de todos sus miembros; quedan reflejados a la perfección por Javier Fesser.

Visualmente, Camino es una obra maestra, tanto a nivel de historia como a nivel de sueños. Autentica poesía fílmica y cinematográfica es lo que derrocha Camino cuando se adentra en la mente de la niña. La inclusión onírica de estos sueños me parece una de las cosas más acertadas del film de Fesser. Si algo debo echarle algo en cara es la excesiva concentración de estos en la primera hora de la cinta, dejando un poco vacía el resto. Aunque comprendo que las directrices temporales son distintas, y su vertiente dramática recae sobretodo en el último tramo de Camino.

En cuanto al nivel interpretativo de Camino hay poco que decir. Sublime. El trío protagonista se merienda la pantalla y con sus actuaciones, demuestran el porqué de su elección para la cinta de Javier Fesser. La niña debutante, Nerea Camacho, hace una de las mejores actuaciones infantiles que un servidor recuerda. Con esos ojazos verdes que inundan la pantalla grande enamora al público que la está viendo. Natural, simpática, agradable y nada repelente, Nerea Camacho sella la mejor actuación de Camino con permiso de sus padres ficticios. Personalmente, espero verla subiendo a recoger el premio a Mejor actriz revelación en la próxima edición de los Goya; y a ser posible con ese vestido rojo que luce en los momentos finales de Camino. Maravillosa escena y emotivo final.

Por su parte, los padres de Camino también cierran unas actuaciones memorables. Carmen Elías dota a su personaje de toda la vena religiosa y fundamentalista que requiere el papel con una desgarradora interpretación muy sobresaliente. Abnegada ante la enfermedad de su hija, no ve más allá de los límites religiosos y solamente por unos segundos, veremos su lado más humano en una escena estremecedora junto a Mariano Venancio. Es muy probable -casi seguro- que veamos a Carmen Elías nominada a Mejor actriz en los próximos Goya, junto a un merecidísimo también Mariano Venancio (que repite con Fesser tras Mortadelo y Filemón) como Mejor actor, quien parece el único sensato en toda la historia de Camino y que aguanta sin derrumbarse junto a su hija. Junto a Nerea Camacho, a nivel personal es la mejor actuación de Camino.

Por último, una correcta Manuela Vellés, quien cambia radicalmente de papel desde que la vimos en la fallida Caótica Ana de Julio Medem. Lo más destacable de su personaje, es el tremendo parecido físico que tiene con la protagonista, Camino.

En definitiva, Camino es una conmovedora y a la vez demoledora historia de amor y muerte, mezclada con un puntito de brillante poesía cinematográfica que no dejará indiferente a nadie. Cine español bien hecho, y la mejor cinta nacional (y de las mejores internacionales) en lo que llevamos de 2008. Resalta las ganas de vivir por encima de todo, y lo hace rompiendo todas las reglas, y arrastrando al espectador durante dos horas y media visualmente espectaculares. Sobresaliente el trabajo de Fesser tanto en la dirección como en el guión que sorprende a todos con un brutal cuento de hadas lleno de magnetismo. Una apuesta clara para la Academia en los Goya de dentro de unos meses. Puntuación: 9 sobre 10.

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Los extraños

2008-09-29T18:02:00.009+02:00

Los extraños: la verdad es que tenía grandes esperanzas en esta cinta del debutante en el largometraje Bryan Bertino, pero tras una correcta primera parte, todas mis expectativas se diluyen cual pastilla efervescente en un vaso de agua. De momento, el 2008 no es un gran año para el cine de terror (no olvidemos que REC data de 2007), pues todo lo que aparece en nuestras carteleras esta mil veces visto y ocasiona un refrito en nuestros cerebros. Pero cuando vi el trailer de Los extraños pensé, anda mira, pero si puede estar bien y todo pese a la copia del saco en la cabeza a lo Tomás de El Orfanato. Pero no. Obviamente el género de terror no pasa por un buen momento, y con Los extraños, al menos no parece que vaya a cambiar la situación.

Los extraños me ha parecido una propuesta más bien mediocre, que si bien no tiene una mala introducción, de hecho me resulta brillante por momentos, termina cometiendo los mismos errores que cualquier telefilme de tres al cuarto, con todos los tópicos y situaciones del genero; y lo que es peor, provocando el tedio y la agonía en el espectador, con personajes que no tienen el más mínimo interés y con un final de risa.

Lo mejor de Los extraños es su trailer comercial sin lugar a dudas. Una vez visto el trailer no necesitas ver más. Te ahorraras unos minutos de constante monotonía, explotando el aburrimiento hasta la máxima exponencia. El montador del trailer se merece todos mis respetos y mi enhorabuena, pues ha conseguido resumir en poco menos de 2 minutos todo lo interesante de una cinta de 80 (plano vistoso incluido).

Con los personajes de Los extraños no sabes muy bien que está pasando. Tanto una sosa Liv Tyler como un -no menos soso- aunque voluntarioso Scott Speedman acaban siendo planos y sin ningún interés para el público. Su introducción a trozos tampoco me ha convencido demasiado, generando confusión y desorden en una cinta que no lo requiere. Se comportan eso si con todos los clichés de una "buena" cinta de terror, además de pasearse durante todo el metraje de arriba a abajo con la misma cara y actitud. Mal, mal y mal !! Por lo demás creo que ya está todo dicho. Previsible en todo momento, con situaciones que van desde un Funny Games muy descafeinado, hasta una cinta francesa poco conocido aquí en nuestro país como es Ils; pasando por una escena plagiada de A l'interieur (eso si es cine de terror) y que se ve venir incluso desde los créditos iniciales .

A favor de Los extraños nombraré la atmósfera aterradora de los primeros minutos de tensión, su ausencia de banda sonora y efectos sonoros subidos de volumen y que tanto abundan en las películas de terror preadolescente que tenemos que soportar hoy en día, su magistral plano (lo mejor de toda la cinta y que también sale en el trailer) con "el extraño" al fondo, su propuesta de hacer cine de terror sin recurrir a lo truculento y visceral (muy a lo Haneke) y su corta duración (gracias Brian por ahorrarnos el suplicio de alargar la cosa).

En resumen, Bryan Bertino quiere con Los extraños a hacer cine de terror de la vieja escuela, pero se queda simplemente en una mediocre propuesta de poco menos de hora y media de duración. Bien por su planteamiento, mal por su ejecución y resolución. Puntuación: 5 sobre 10.

Leer critica de Los Extraños en Muchocine.net

Festival de Sitges 2008. Mi Top 10

2008-09-15T18:46:00.004+02:00

En primer lugar me gustaría hacer mención al hecho de que por fin he rebasado la barrera psicológica de las 10.000 visitas con el blog. Quisiera darle las gracias a todos los que me visitan con cierta regularidad, así como también a quien lo hace esporádicamente. Este blog es una simple afición de un enamorado del cine y sin vuestras visitas, hace ya mucho tiempo que lo habría abandonado. Todavía no hace un año que lo empecé a escribir y era un reto para mi el que la gente lo leyese, pero jamás me habría imaginado (sin actualizar diariamente) que llegaría a las 10.000 visitas en menos de un año. Por todo ello, muchas gracias.

Ahora sigamos con lo que verdaderamente importa. Después de muchas lecturas de sinopsis e información sobre las cintas que se van a proyectar en poco menos de 3 semanas en Sitges, estoy en disposición de hacer un listado con las 10 cintas que he encontrado más interesantes dentro del Festival y de las que únicamente podré elegir tres para ver. El orden va de mayor a menor preferencia, por lo que las tres primeras serán con bastante probabilidad las verdaderas elegidas (a falta de consensuar con mi chica que evidentemente será mi acompañante de lujo).

1. Mirrors, de Alexander Aja
Un guardia de seguridad de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos.

2. Martyrs, de Pascal Laugier
Una noche a comienzos de 1970 en Francia, Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

3. Eden Lake, de James Watkins
Una pareja se escapa de fin de semana romántico. El chico, Steve, propone pedir matrimonio a Jenny en un sitio idílico: un lago remoto en medio de un bosque aparentemente desierto. La tranquilidad de la pareja se verá interrumpida cuando una banda de chicos jóvenes haga camping en el lugar.

4. Blindness, de Fernando Meirelles
Adaptación de "Ensayo sobre la ceguera" del Premio Nobel portugués José Saramago. Una epidemia de ceguera se extiende por una desconocida gran ciudad contemporánea llevándola al borde de la crisis.

5. RocknRolla, de Guy Ritchie
Cuando un mafioso ruso organiza un acuerdo de compraventa ilegal de terrenos, hay millones de dólares en juego, y todo el mundo de la delincuencia londinense quiere participar. Un peligroso señor del crimen, una sexy contable, un político corrupto y unos ladrones de poca monta conspiran, se alían y se enfrentan entre ellos con la intención de hacerse ricos rápidamente.

6. Transsiberian, de Brad Anderson
Roy y Jessie deciden viajar hasta Moscú en el mítico ferrocarril Transiberiano. Aunque la gente que viaja en el gigantesco y algo tétrico tren es bastante extraña, la pareja no tarda en entablar relación con sus compañeros de compartimiento, Ian y Abby. Sus caminos se cruzarán con el del inspector Grinko, que investiga el asesinato de un narcotraficante.

7. Synecdoche, New York, de Charlie Kaufman
Hoffman interpreta a Caden Cotard, un director teatral que intenta representar una obra creando una réplica de Nueva York a tamaño natural dentro de un almacén. (Trailer no disponible)

8. Surveillance, de Jennifer Chambers Lynch
La historia trata sobre dos policías que intentan detener a un asesino en serie, para lo que cuentan con las declaraciones de varios testigos: una familia, una pareja de jóvenes y un par de policías, cuyas versiones difieren a la hora de explicar su encuentro con el psicópata.

9. Vinyan, de Fabrice Du Welz
Cuenta la historia de una pareja aquejada por fenómenos paranormales tras la trágica muerte de su hijo. Además como telón de fondo está la tragedia del devastador tsunami que asoló parte del suresta asiático en diciembre de 2004.

10. The Informers, de Gregor Jordan
Drama basado en relatos cortos de Bret Easton Ellis. Siete historias entrelazadas y ambientadas en Los Ángeles, protagonizadas por un ejecutivo de Hollywood, su esposa, su amante, una estrella de rock, un vampiro y un secuestrador.

Festival de Cine de Sitges 2008

2008-09-09T11:02:00.004+02:00

El Festival de Cine de Sitges es el primer festival de cine fantástico del mundo, y constituye, al mismo tiempo, la manifestación cultural con más impacto mediático de Catalunya. Con una sólida trayectoria, el Festival de Sitges constituye un estimulante universo de encuentro, exhibición, presentación y proyección del cine fantástico de todo el mundo.

Por fin y tras muchos años de espera queriendo ir, va a ser en 2008 cuando asista de una vez por todas al mayor festival de cine dedicado principalmente al género fantástico y de terror. Tan sólo faltan tres semanas para su comienzo y todavía no hay publicada una programación oficial del festival, pero si que nos podemos ir haciendo una idea de las películas que se van a proyectar en esta edición. La 41ª edición, que se celebrará del 2 al 12 de octubre, estará dedicada al 40 aniversario de 2001: Una Odisea del Espacio, de Stanley Kubrick. Además, el Festival dedicará una retrospectiva reflexiva sobre el papel de la ciencia-ficción en la historia del cine contemporáneo, destacando títulos como El Planeta de los Simios, Planeta Prohibido, La fuga de Logan o Encuentros en la Tercera Fase entre otros.

Como plato fuerte en la apertura del festival, este año se contará con la presencia del realizador francés Alexandre Aja, que presentará su último largometraje, Mirrors. Thriller cargado de una atmósfera fantástica, Mirrors es un remake de Into the mirror, film surcoreano que se presentó en el Festival en la edición de 2003 y que llamó la atención del público. El cineasta francés es un viejo conocido del Festival, ya que también en 2003 se hizo con el premio al Mejor Director con la película que aterrorizó a medio mundo y lo convirtió en director de culto, Alta tensión, el cual recomiendo su visionado encarezidamente. Alexandre Aja, afincado en Hollywood desde que realizara el remake de Las colinas tienen ojos, sigue su carrera en Estados Unidos con este film, Mirrors, que representa el mejor cine de terror made in USA.

Mirrors inaugurará Sitges '08 el día 2 de octubre. Una pena porque yo llegaré a Barcelona el día 3.

Entre las películas destacadas para la edición del festival de este año, y a falta como ya he dicho de la programación oficial, encontramos algunas propuestas interesantes de renombre como Blindness, la adaptación de la novela de José Saramago en manos de Fernando Meirelles; Synecdoche, New York, del siempre inclasificable Charlie Kaufman; Transsiberian, de Brad Anderson, presentando un thriller oscuro y neogótico que transcurre en el mítico ferrocarril Repo! The Genetic Opera, una ópera rock dirigida por Darren Lynn Bousman en clave de cine de terror futurista que se podría convertir en la película de culto de este año; y The Informers, adaptación del best seller de Bret Easton Ellis (autor de American Psycho) dirigida por Gregor Jordan con estrellas como Kim Basinger y Mickey Rourke.

También son reseñables las propuestas -mis preferidas- que vienen cargadas de terror, casquería y litros y litros de hemoglobina como por ejemplo Martyrs, de Pascal Laugier, que se ha convertido en el “shock” del año, siendo considerada para muchos como la película más extrema nunca realizada; Vinyan, de Fabrice Du Welz, uno de los jóvenes más prometedores del género que destacó con Calvaire; Eden Lake, un Funny Games británico de James Watkins; y Surveillance, un American Gothic contemporáneo de la mano de Jennifer Chambers Lynch, hija de David Lynch.

Todo esto y mucho más nos espera a los afortunados que vayamos a esta 41º Edición del Festival de Cine de Sitges. Intentaré escribir una reseña sobre mis impresiones en el Festival, ambiente, rostros conocidos etc. si el tiempo y el trabajo me lo permiten.

Beautiful girls

2008-09-08T13:31:00.000+02:00

Beautiful girls: prodigiosa cinta del fallecido Ted Demme y sin duda la mejor obra del realizador junto a Blow de su -por desgracia- corta filmografía. Beautiful girls habla de muchas cosas, pero sobre todo es una declaración de intención al sentido más intenso de la amistad. Amistad entendida como forma de vida y compromisos. Habla de la amistad pero de una forma inteligente, habla sobre las relaciones pasadas y presentes de los amigos de la infancia, aquellos amigos de los que perdiste el rastro hace años.

Beautiful girls tiene un generoso reparto encabezado por Matt Dillon. Junto a él aparecen intérpretes de renombre como por ejemplo Uma Thurman, Mira Sorvino o una jovencísima y encantadora Natalie Portman. Su personaje destila dulzura en cantidades industriales y nos encandila a la vez que nos deja una sensación de amargura y nostalgia. Me ha recordado enormemente al personaje que interpreta otra deslumbrante chica, Ellen page, en Juno. Las dos tienen ese toque de ironía y mordacidad en los adolescentes que tan pocas veces se ve en la pantalla grande. Completan el reparto, Timothy Hutton, David Arquette , Lauren Holly y Michael Rapaport.

A parte del completo reparto que acompaña Beautiful girls, destaca sobretodo unos exquisitos diálogos nada exagerados y estupendamente resueltos por el reparto. El guión es de una calidad que asusta, carece de los tópicos de las películas tragicómicas de los 90 y está resuelto al milímetro. Beautiful girls tiene también un humor rebosante de tristeza, con lo que se consigue pasar de la risa al llanto en cuestión de segundos. La música también ha sido una gran elección con ese toque de folk americano que tan bien se acopla al tono melancólico de la obra.

Concluyendo, Beautiful girls es una de las mejores 50 cintas de los años 90. Todo un alegato a la inmadurez personal y al cambio de vida. Un película exquisita llena de personajes entrañables y una historia que en ningún momento cae en la cursilería. Gran obra de Ted Demme. Como ya dije con Blow, bravo Ted. Puntuación: 8 sobre 10.

Leer crítica de Beautiful girls en Muchocine.net

Luis Buñuel, genio y figura

2008-07-29T09:36:00.004+02:00

Hoy, 29 de Julio de 2008, hace 25 años que murió el mayor cineasta que ha dado la historia de este país; Luis Buñuel Portolés.

Luis Buñuel, nacido el 22 de febrero de 1900 en Calanda (Teruel, España) y fallecido el 29 de julio de 1983 en la Ciudad de México, fue un director de cine español naturalizado mexicano, considerado uno de los más importantes y originales en la historia del cine mundial. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia.

Gran amigo de artistas consagrados como Salvador Dalí (co-guionista de su primer corto, Un perro andaluz), Federico García Lorca, Rafael Alberti y Juan Ramon Jimenez entre otros, Luis Buñuel destacó por ser un controvertido realizador, rompedor de todos los esquemas fílmicos y que le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida.

Desde aquí me gustaría rendirle un pequeño homenaje mostrando los primeros fotogramas que rodó en Un perro andaluz, su primera y surrealista obra; todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.

Atención a las imágenes y en la controversia que generaron estas en un año como 1929. Cientos de denuncias fueron recibidas contra su exposición tachándola de obscena y cruel. Para mi, una obra de arte. El cortometraje entero en YouTube; sus primeros comienzos detrás de la cámara, aquí.

El incidente (The Happening)

2008-07-22T09:01:00.000+02:00

El incidente: tras el varapalo sufrido por su última producción, La joven del agua, el realizador M. Night Shyamalan vuelve por los derroteros que tanto éxito le produjeron cintas como El sexo sentido o Señales. Shyamalan retoma el género de lo fantástico y la intriga con una historia de pulso firme pero tremendamente plana y aderezada con unos protagonista de actitudes y recursos más bien limitados. Todo esto, unido a una historia de amor más bien boba y sin ningún interés para el espectador, hacen que Shyamalan vuelve a fracasar con un producto normalito, donde una vez más, lo mejor está en el trailer. Mi más sincero reconocimiento para el encargado de montar el trailer; pues, repito, una vez más me ha engañado.

Nadie duda que el mayor éxito de Shyamalan ha sido (y a este paso, será) El sexto sentido. Tras ella, y de forma totalmente subjetiva me quedo con Señales, El bosque, la muy sobrevalorada El protegido y por último La joven del agua. Con El incidente, Shyamalan quería volver a ser el que era, a tocar temas misteriosos sin que sepas muy bien que está pasando, pero sintiéndolo mucho creo que le ha salido el tiro por la culata.

Estamos ante un thriller de impactante comienzo, pero de desarrollo poco ágil y con un ritmo a golpes. Efectivamente, lo mejor de El incidente sucede en los diez primeros minutos. Estamos ante una cinta desigual, con algunos momentos brillantes como los obreros cayendo del edificio, o cualquiera de los suicidios perpetrados por las personas "contaminadas". Pero al igual que El incidente tiene momentos brillantes, la cinta esta repleta de diálogos flojos y risibles, situaciones y reacciones tremendamente discutibles, y por último un desenlace acorde a todo lo expuesto anteriormente: flojo. Shyamalan decide terminar la historia de la forma más previsible y fácil posible. No se arriesga en absoluto recurriendo al bonito final pero con la efectiva forma de dar pie a una segunda entrega (lo dudo y espero que no se lleve a cabo).

Técnicamente, El incidente es sobresaliente y me atrevería a decir que es su mejor obra. Desde la puesta en escena hasta la mística y emocional envoltura que da forma al film, observamos la capacidad de Shyamalan de crear atmósferas atractivas visualmente. A todo ello se une la estupenda banda sonora de desarrollo ascendente que va in-crescendo a medida que avanza la cinta.

Del reparto de actores mejor ni hablamos. Mark Wahlberg está desastroso. Es incapaz de llevar a buen puerto su personaje. Repite muescas hasta la saciedad y parece interpretar de igual forma cuando está en clase que cuando están huyendo del "viento". Parece que solamente el bueno de Martin Scorsese ha sido el único realizador capaz de sacarle el jugo interpretativo en Infiltrados. Zooey Deschanel está simplemente normal. No aporta mucho a un personaje que podría haber dado mucho más juego del que en realidad aporta finalmente. La resolución de la historia de amor entre ambos resulta hueca y estúpida. Por último, el mejor personaje de largo de todo el film es la anciana del final, con un papel muy similar al que nos brindó Kathy Bates en la impactante Misery de los 90.

En definitiva, El incidente es una propuesta menor en comparación con El sexto sentido o Señales. Buenas intenciones, excelente comienzo pero un desarrollo y una resolución espantosa. Ritmo mal llevado y unos actores que no están a altura de un proyecto quizá demasiado ambicioso en su contenido. Puntuación: 5 sobre 10.

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The Spirit, trailer de lo nuevo de Frank Miller

2008-07-18T09:04:00.001+02:00

Si el primer teaser que disfrutamos de The Spirit era muy conceptual y de apenas un minuto de duración, aquí tenemos el segundo teaser-trailer un poco más largo y tirando más hacia lo onírico que hacia la acción que todos esperábamos.

Tras su colaboración en Sin City y 300, ahora Frank Miller se pone a los mandos de la dirección en este nuevo proyecto que lleva por nombre The Spirit. The Spirit es un personaje ficticio de cómic creado por Will Eisner en 1940. El cómic narra las aventuras de un justiciero enmascarado, Denny Colt, que lucha contra el crimen bajo el alias The Spirit con el apoyo del jefe de policía local.

El 19 de julio de 2006 The Hollywood Reporter confirmó que Frank Miller dirigiría la adaptación al cine de The Spirit, un proyecto que ya llevaba en marcha desde 2004. La película tendrá a Gabriel Macht como Spirit. También contará como secundarios a un nutrido reparto de estrellas populares tales como a mi adorada Scarlett Johansson, la sensual Eva Mendes, la española Paz Vega y el siempre genial Samuel L. Jackson como Octopus.

El estreno está previsto para el 25 de Diciembre -justo en Navidad- en USA y el 20 de Marzo de 2009 aquí en España (según IMDB), aunque los admins de tublogdecine.es apuestan por que el estreno nacional sea también el 25 de Diciembre de este mismo año. Habrá que esperar una fecha más concreta y veraz. Mientras tanto, aquí tenéis el teaser-trailer para ir abriendo boca. Lo próximo de Frank Miller, la esperada secuela de la fantástica Sin City, junto con Robert Rodriguez a la dirección. Fecha prevista, 2009.

Largo domingo de noviazgo

2008-07-15T14:50:00.001+02:00

Largo domingo de noviazgo: ¿que nos podía ofrecer Jean-Pierre Jeunet, el director de la fantástica y genuina Amelie? Pues una obra muy en su línea, llena de estilo propio y que rebosa toda la personalidad y el cine más personal del mismísimo Jeunet. Se podría definir como una continuación de Amelie en el pasado; como una segunda parte de la vida y amores de Amelie reflejada en el contexto histórico que tiene lugar en la vieja Europa de la I Guerra Mundial. Largo domingo de noviazgo está basada en la novela de Sebastien Japrisot, titulada de igual manera que la cinta de Jeunet.

Es una historia de ficción sobre la desesperada búsqueda que emprende una joven para encontrar a su novio que podría haber muerto en el campo de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Narrada de forma no lineal y con abundantes flashbacks, cosa normal en el cine de Jeunet, Largo domingo de noviazgo es una completísima obra de amor con ciertos matices de comedia y drama. Jean-Pierre Jeunet puede presumir de ser uno de los pocos directores mundiales capaz de dotar a todas sus obras de ese sello distintivo que las caracteriza y que permite identificarlas al instante. Una vez más, Jeunet demuestra todo su poderío visual en Largo domingo de noviazgo, llenado todos los fotogramas con la más absoluta perfección e innovación fílmica.

Resulta todo un reto llevar a buen una cinta de estas características, saber encontrar el equilibrio preciso de contar una historia de amor en plena Guerra Mundial mediante la incurso de cientos de flashbacks que mezclan pasado y presente no sólo de la vida de su amado Manech, sino la de los otros cuatro soldados sentenciados a la pena de muerte. Y es que aquí es donde encuentro el mayor fallo de Largo domingo de noviazgo, en el confuso entramado de investigación que teje Mathilde para encontrar a su novio. Llega un momento en que resulta casi imposible no perderse entre la multitud de nombres, datos, fechas, sucesos y demás que se narran en las dos horas que dura la cinta. Pese a todo y con un poco de paciencia y atención, se puede seguir el hilo de Largo domingo de noviazgo sin demasiados problemas. Aunque un segundo visionado no estaría de más, para comprender mejor esta preciosa historia y comprender verdaderamente todo su potencial fílmico y artístico.

Jean-Pierre Jeunet ha sido ambicioso en su -hasta ahora- último largometraje, pues ha sabido componer y mezclar el mundo real de una gran guerra como su capacidad imaginativa y creativa llena de referencias personales. Sabe manipular las realidades a su antojo, dotándolas de una estética impresionante llena de ingenio y finiquitándola de forma sobresaliente.

Del reparto de Largo domingo de noviazgo podemos destacar a una omnipresente Audrey Tatou como Mathilde. Es inevitable sacar comparaciones con su tierna y dulce Amelie, por eso no lo haré, ya que dejaría a Mathilde -su personaje en esta obra- casi a la altura del betún en comparación con Amelie. Parece que Jeunet ha encontrado su musa artística con Audrey Tatou, y hoy por hoy, parece casi imposible imaginar a Amelie sin su cara, o en este caso a Mathilde sin su personalidad e inocencia. Completan el reparto Gaspard Ulliel como Manech, Jean-Pierre Becker, Dominique Bettenfeld, la reciente ganadora del Oscar Marion Cotillard y una fugaz aparición estelar de Jodie Foster en una de las mini-historias más bonitas del film.

Del apartado técnico de Largo domingo de noviazgo, destacar como no una preciosista fotografía a cargo de Bruno Delbonnel, capaz de jugar con los ambientes grises y fúnebres de las trincheras francesas, hasta los tonos dorados y cálidos de campiña francesa donde reside Mathilde. Y por supuesto nombrar a un grande de la música como es Angelo Badalamenti (compositor habitual de David Lynch) que logra crear una serie de temas que enfatizan el tono romántico que emana Largo domingo de noviazgo.

Resumiendo, no se puede decir que Largo domingo de noviazgo alcance el nivel de Amelie ni mucho menos, pero es reseñable el notable trabajo alcanzado por Jean-Pierre Jeunet, siempre fiel a su estilo personal. Es innegable la calidad que destila cada fotograma de la obra, y tratar la dualidad narrativa del amor y la guerra mediante flashbacks merece mi reconocimiento. Completa obra con el sello característico de Jeunet llena de magia y romance y con la que Audrey Tatou inunda la pantalla. Puntuación: 8 sobre 10.

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El increíble Hulk (Hulk 2)

2008-07-09T08:55:00.002+02:00

El increíble Hulk: pues la verdad es que poco que decir sobre la nueva adaptación del cómic de la Marvel. El "bicho verde" vuelve a lo grande tras las numerosas críticas recibidas por parte de los incombustibles fans de la masa a la primera entrega realizada por el director Ang Lee. A ver, yo entiendo que la inmensa mayoría de seguidores de Hulk se llevaran una tremenda decepción con la intimista adaptación que hizo Lee de Hulk para la pantalla grande. El primer Hulk de Lee se abordó como una visión personal del personaje, relevando la acción y la espectacularidad de las imágenes a un segundo plano. Se le concedió más importancia a la vida de Bruce Banner, su infancia y juventud, sus primeras investigaciones y su relación con la doctora Betty Ross. Ang Lee traza una delgada línea que separa al superhéroe del monstruo y la ejecuta con maestría y mucha sobriedad. La casi ausencia de acción en las mas de dos horas del film, y el hecho de que Hulk no aparezca hasta pasados los 40 primeros minutos de metraje hizo poner en pie a toda la masa de fans del cómic original que se sintieron estafados al no encontrar todos los FX deseados. Sinceramente no lo entiendo. La primera parte de Hulk es una muy buena propuesta, diferente y mucho más intimista y completa que la mayoría de películas de superhéroes que se adaptan al mundo del celuloide. Podemos compararla al Batman que creó Christopher Nolan (Batman Begins). ¿Acaso alguien critica al Batman de Nolan? Muy poca gente. Me parece una injusticia toda esa cruzada levantada contra Ang Lee y su inteligente y diferente versión de Hulk.

En cuanto a esta nueva revisión del superhéroe de la Marvel, El increíble Hulk dirigida por Louis Leterrier (saga Transporter) es puro cine de acción y entretenimiento; justo lo que buscaba toda esa legión de fans que echaban chispas por la entrega anterior. El principal cambio que veo positivo con respecto a la versión de Lee es el de Eric Bana por un estupendo Edward Norton. El Bruce Banner de Eric Bana estaba totalmente carente de expresividad y con la misma cara de alcachofa (igualito que Nicolas Cage) en una escena dramática que en una de emoción.

Edward Norton da un giro de 180 grados al personaje dotándolo de mayor profundidad -si bien es cierto que no lo requiere mucho-. Norton se mueve con soltura durante toda la cinta e incluso el papel de Banner se le queda un poco pequeño dado el potencial que todos conocemos de él. Un cambio que me ha parecido patético ha sido el de la doctora Betty Ross. Cambiar a Jennifer Connelly por Liv Tyler me parece una aberración. Podemos decir que la química Norton-Tyler más o menos funciona, pero me hubiera encantado más la combinación Norton-Conelly en la pantalla grande. De Liv Tyler destacaría sus enormes ojos azules y poco más. Se mueve sin saber muy bien que está pasando, si salir corriendo cuando ve a Hulk o echarse en sus brazos. Y esa relación de amor-odio-amor con su padre, el general Thaddeus Ross (William Hurt) no me acaba de convencer. Por último, la incursión en esta nueva entrega del personaje de Tim Roth es todo un acierto. Roth está estupendo como villano -una vez más- y es el enemigo perfecto (tanto humano como el monstruo Abominación) al que puede enfrentarse Norton en la cinta.

Por lo demás, El increíble Hulk es la típica película de superhéroes, con su acción, sus efectos digitales, sus increíbles efectos sonoros, su guión para niños, el típico cameo de Stan Lee en las adaptaciones Marvel y poco más. Todo muy previsible. Más que correctos efectos con una impresionante lucha final (Hulk vs Abominación) de 20 minutos en la ciudad de Nueva York donde todo acaba siendo destruido. Por último, destacar la intervención al final de la cinta de Tony Stark (Robert Downey Jr) en una conversación con el general Ross, que da pie a la más que probable entrega de Los vengadores, donde de momento unirán fuerzas Iron Man y Hulk. Puntuación: 6 sobre 10.

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Sexo en Nueva York

2008-07-06T10:38:00.002+02:00

Sexo en Nueva York: vuelve el sexo, vuelve Nueva York y vuelven las cuatro chicas más elitistas de toda la historia de la televisión pero esta vez en la gran pantalla. Carrie (Sarah Jessica Parker), Miranda (Cynthia Nixon), Charlotte (Kristin Davis) y Samantha (Kim Cattrall) vuelven a juntarse cuatro años después del final de la sexta temporada para grabar un larguísimo episodio de casi dos horas y media estrenado hace unas semanas en nuestras carteleras y con una impresionante cifra de taquilla. Y es que cualquier excusa es buena para nuestras cuatro protagonistas para dar otra vuelta de tuerca más a la serie creada por Darren Star y Michael Patrick King.

Sexo en Nueva York es un conjunto vacío como película pero repleto de escaparates, desfiles, vestidos, zapatos, publicidad, desdichas amorosas, topicazos del género Made in USA y almíbar; almíbar en exceso para tratarse de Sexo en Nueva York. ¿Qué ha pasado con Carrie? Esa mujer soltera, independiente, liberal y abierta a todo (sin doble sentido). Todos esos valores de su personaje se pierden en cuanto deja atrás a su serie fetiche y comienza la película de Sexo en Nueva York. Ahora es todo demasiado bonito, demasiado artificial. No me lo creo. Además se hecha en falta un mayor protagonismo del sector masculino (véase novios de las chicas) que era mucho más patente en el formato televisivo. Únicamente se le da un poco de importancia a Mr.Big (Chris Noth) y a Steve (David Eigenberg) por los motivos que todos conocemos gracias al destripa-trailer.

No voy a negarlo. Me gusta Sexo en Nueva York, la serie, que no la película. He visto las seis temporadas y reconozco que tiene sus puntos buenos. No soy ningún fan empedernido (al contrario que con mi adorada Friends) pero reconozco todo su potencial. Pero toda esa chispa, ingenio y frescura que desprenden las chicas en la serie parece que se ha evaporado tras dar el salto a la pantalla grande. Nos encontramos ante un desfile de irritantes propuestas y peores resoluciones. Tras una hiperrápida introducción en la que se pone en antecedentes a quienes desconozcan la existencia de esta serie (tampoco entiendo quien va a verla sin haber visto la televisiva serie) y tras el preciosista discurso de una cambiada Carrie Bradshaw, comienza lo bueno. Asistiremos durante más de dos horas a todo tipo de discusiones, enfados, rupturas y sus posteriores reconciliaciones. Todo ello aderezado del humor sexual que caracterizaba a la serie, eso si, rebajado hasta su versión más light y descafeinada.

La primera hora de Sexo en Nueva York se aguanta con soltura, pero a partir de aquí el ritmo decae por momentos y únicamente es salvado por las contadas intervenciones de una inspirada Samantha. Del resto mejor ni hablamos. Cuando llevas dos horas te das cuenta de todo el relleno que han tenido que meter tanto a la historia como al metraje para hacer cabida a todas las firmas y marcas que quería aparecer en la película previo paso por caja. Y es que parece más un desfile de firmas que una película. Y algo peor aún, el personaje de Nueva York desaparece por completo en todo el metraje. Se le releva a una segunda posición como si de un secundario se tratase generando un garrafal fallo y más aún cuando el nombre de este es el que da título a la obra.

Por lo demás, Sexo en Nueva York es una salvable cinta que se mantiene a flote por el tirón que ha tenido la serie al hablar antes que nadie sobre el mundo de las mujeres y el sexo. Podemos resumir su visionado como un episodio hinchadísimo de la serie. Por mi parte consigue el aprobado justito por el personaje de Samantha y la hija chinita de Charlotte que consiguió dibujarme una sonrisa en la cara. El resto más que pasable, poco y malo humor (caca-culo-pedo-pis en México) más propio de una cinta de Apatow que de Sexo en Nueva York. Todo resulta de lo más previsible y ñoño, y asistiremos a una de las versiones más irritantes e histéricas de Carrie Bradshaw. Con su calificación de Mayores de 13 años se pierde una gran baza a su favor que si se disfruto en la serie, y que era dar cabida a lo políticamente incorrecto. Fuera de toda duda, solamente es recomendable para fans o simples aficionados a la serie original o al canal de pago Cosmopolitan. Su tufillo semi-moral al final de la cinta, donde prevalece el amor por encima de todo y de todos se contradice hasta el infinito con el verdadero mensaje que la serie transmitía hace casi una década. Puntuación: 5 sobre 10.

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La torre de Suso

2008-07-03T11:44:00.001+02:00

La torre de Suso: correcta cinta del debutante Tom Fernández en el largometraje y una sorpresa en la última gala de los Premios Goya con tres nominaciones de las cuales finalmente no recibió ninguna. La torre de Suso bebe mucho del lenguaje fílmico de la televisión, y por momentos parece que asistimos a un capitulo de 90 minutos de cualquier serie nacional. ¿Será Javier Cámara el responsable de dicha similitud? Pues recordemos que en Fuera de carta ocurre exactamente lo mismo. Puede que si y puede que no, pero desde luego, Hable con ella no tenia montaje ni estética de serie nacional, sino de una muy buena cinta de Almodóvar.

Cundo (Javier Cámara) regresa a su tierra después de diez años de ausencia. El motivo es la muerte de su mejor amigo, Suso. Los planes de Cundo son emborracharse con el resto de sus viejos amigos a la salud de Suso, aparentar que todo le va de maravilla y salir corriendo de allí otra vez. Pero ni las cosas le van tan bien, ni Suso se va a conformar con una borrachera... Esta es la sinopsis que tiene La torre de Suso, un film en el que aboga toda su fuerza en la amistad y en un trabajado guión. Se nota la excelente labor tanto de casting como de guión que se ha llevado a cabo en La torre de Suso. Los diálogos están perfectamente cuadrados, y fluyen como el viento que da vida a las tierras asturianas donde sucede la acción. Ni salidas de tono ni recursos fáciles abundan en la cinta del principiante Tom Fernández, sino un sencillo trabajo lleno de humildad y buen hacer.

Gran parte de esta buena acogida se la lleva evidentemente el peso pesado de la película, Javier Cámara. Él solo se merienda a todo el reparto de La torre de Suso y una vez más demuestra las grandes dotes de actor que tiene. Magistral en todos los minutos del film y perfectamente completado con el personaje de Malena Alterio, otra que sobresale con nota de La torre de Suso. Asistimos al reencuentro de Cundo con él mismo, sus raíces y todo lo que dejó atrás en su juventud. Un canto a la amistad más olvidada, a los orígenes de uno mismo y al afán de superación humana. Completan el reparto, Gonzalo de Castro, César Vea, José Luís Alcobendas, Mariana Cordero y Emilio Gutiérrez Caba, pero ninguno de sus personajes alcanza las cotas de Javier Cámara y Malena Alterio. Quizá la ternura de Mariana Cordero como madre de Cundo, está a la altura del citado dúo de actores.

Resumiendo, La torre de Suso es una buena opción como cinta española. Te aporta más de lo que te imaginas en un principio, y en esencia es una película llena de emotividad y melancolía. Con una fotografía de lujo de todo el paisaje asturiano, La torre de Suso se convierte en una alternativa al cine efectista americano, una propuesta nacional, sencilla que huye de pretensiones y que aguarda una gran sonrisa tras su visionado. Pocas cintas son capaces de cambiar de la risa al llanto en cuestión de segundos y verdaderamente La torre de Suso lo consigue. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Shaun of the dead (Zombies party)

2008-06-23T12:35:00.002+02:00

Shaun of the dead: pues si, he tenido que verla por segunda vez para captar todo el potencial cómico que emana la cinta de Edward Wright, ya que en su primer visionado no me convenció del todo, y me parecía infinitamente superior Hot Fuzz. Tras verla, debo decir que me sigue pareciendo mejor Hot Fuzz, pero Shaun of the dead ha ganado enteros. Y es que antes de la estupenda Hot Fuzz (aquí en España la conocemos por el nefasto título de Arma fatal, que parece que en cualquier momento pueden aparecer Mel Gibson y Danny Glover en escena), el director británico ya hizo sus incursiones en el mundo de la comedia gamberra, rodando una especie de parodia sobre el género zombie que fue todo un éxito en Inglaterra. Particularmente, no veo a Shaun of the dead como una película de zombies, sino más bien como una historia de amor, de desamor y de reconciliamiento, con zombies de por medio que retrasan a que el protagonista reconquiste a su amada. Podemos decir que es una comedia romántica zombie. La comedia romántica definitiva, llena de mala leche e irreverente gamberrismo.

Evidentemente, y como sucedió después con Hot Fuzz, a España no vino con el título de Shaun of the dead (parodia-tributo a la estupenda Dawn of the dead o Amanecer de los muertos) sino con uno más vistoso y horrendo como es Zombies Party. Títulos a parte, Shaun of the dead resulta una hilarante producción inglesa repleta -como cabría esperar- de humor inglés. Excelente de principio a fin, desde el guión, los gags, los personajes etc. Llena de momentos memorables como el primer contacto con los zombies, los paseos a la tienda de 24 horas o la antológica escena del ataque mientras suena la música de Queen de fondo, perfectamente cuadrada con la acción del momento; hacen de Shaun of the dead un título indispensable para pasar un buen rato. Atención también al tronchante desenlace final con el posible adisestramiento e incorporación del zombie al mundo laboral. Impagable.

Todo el humor que destila Shaun of the dead es de lo más sutil, huyendo de estupideces Made in USA o lenguaje soez Made in Spain. Se trata el humor de forma inteligente y totalmente cotidiano, con multitud de guiños y referencias al cine de Romero y demás genero de terror-zombie. Se recurre una y otra vez al humor aparatoso, ciertamente muy inglés, y propiciado por los métodos poco ortodoxos y la forma insensata en que los protagonistas hacen frente a la amenaza que se les viene encima. El patetismo que emanan los dos personajes principales se hace nuestro. También resulta cómico, la poca importancia que a veces parecen dar al hecho de que la humanidad se desmorone, enfrascándose más en su propia rutina diaria y preocupaciones que en el fin del mundo. El ser devorado por un zombie pasa en este caso a un segundo plano, dejando como principal motor de la acción a los propios personajes, lo cual me parece un verdadero acierto dar prioridad a estos personajes que a la situación que los rodea y relegándola como a algo de lo más normal.

Simon Pegg y Nick Frost repitieron tras Shaun of the dead a las órdenes de Edward Wright en Hot Fuzz. Simon Pegg, como Shaun, es el líder y protagonista absoluto de la historia, y al igual que en Hot Fuzz está acompañado de un Nick Frost un poco menos tonto que el de Hot Fuzz.

Shaun of the dead tiene un montaje y dirección que si permiten decirlo, me recuerda levemente al de Guy Ritchie y por momentos al del mejor Scorsese. No sabría explicar el porqué, pero al verla me viene a la mente Lock & Stock, Snatch y un poco de Casino e Infiltrados. Aunque parezca un sacrilegio, me recuerda.

En definitiva, Shaun of the Dead es una muy recomendable cinta que integra toques de terror y gore en su peculiar estilo de humor desternillante. Una hilarante propuesta muy inglesa repleta de escenas impagables, que hará las delicias de todos los fans del género zombie y el humor absurdo y elegante a la vez. Personalmente y aunque por poco, me sigo quedando con Hot Fuzz, pero es innegable todo el potencial humorístico que desprende el film de Edward Wright. Zombie, acción..., ¿cual será el próximo género elegido por Wright para parodiar? ¿El western...? Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Trailer oficial y poster de Vicky Cristina Barcelona

2008-06-20T12:01:00.002+02:00

Por fin y tras un semi-fake envuelto en forma de trailer y vendido como primicia, hoy tenemos de una vez por todas, el trailer original y tan esperado del último trabajo del realizador neoyorkino Woody Allen. Me refiero evidentemente a la ya famosa Vicky Cristina Barcelona. En este trailer -ya en condiciones y de montaje correcto-, veremos a Javier Bardem rodeado de las bellezas Penélope Cruz, Rebecca Hall y por supuestísimo Scarlett Johansson.
Por si todavía alguien no se ha enterado, Vicky Cristina Barcelona es una película escrita y dirigida por Woody Allen. El inicio del rodaje fue en junio de 2007 en España, y terminó a finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz, así como por la estadounidense Scarlett Johansson. La cinta fue filmada y se encuentra ambientada principalmente en Barcelona.

En Vicky Cristina Barcelona, dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

En el trailer observamos las claramente diferenciadas personalidades de Vicky y Cristina. Por un lado Vicky busca una estabilidad emocional; casarse con un buen hombre y formar una familia. Por el contrario, Cristina es impulsiva, muy sexual y con ganas de pasar un buen rato con los españoles (ayyyyy si fuera esto cierto en la vida real...)

Tras su paso por Cannes y su correcta acogida, Vicky Cristina Barcelona llegará a los cines antes en EEUU (alguien lo dudaba) y más tarde a España. Concretamente las fechas de estreno son el 5 de Septiembre en USA y 17 de Septiembre en España. Hasta la fecha, os dejo con el trailer original y auténtico y con el póster de la cinta.

Tu vida en 65 minutos

2008-06-18T10:27:00.002+02:00

Tu vida en 65 minutos: hacía tiempo que no veía una película tan bonita como lo ha sido para mí Tu vida en 65 minutos. Creo que desde la maravillosa Bajo las estrellas no veía en la pantalla grande (bueno... TV) algo tan emotivo como la cinta de María Ripoll. Desgraciadamente, Tu vida en 65 minutos no disfrutó en su día de una buena distribución y escasa gente conoce de la existencia de tan preciada joya del cine español. El film de María Ripoll bebe mucho de Los amantes del círculo polar de Medem (salvando las distancias claro), cuando aborda temas existenciales entre el amor y la muerte, y sobretodo de las casualidades de la vida. Como cabría esperar, no supera ni mucho menos a Los amantes del circulo polar, pero si que es cierto que se le acerca bastante, tanto por su puesta en escena como su excelente final. Escrita por Albert Espinosa (bravo por su labor y capacidad de emocionarnos al mismo tiempo que nos dibuja sonrisas en la cara), Tu vida en 65 minutos es una grata experiencia cinematográfica, una hermosa cinta que contradictoriamente está llena de dolor y tristeza.

La propuesta inicial de Tu vida en 65 minutos parte de una narración de un domingo cualquiera. Un domingo cualquiera, tres jóvenes amigos leen la esquela de quien suponen es un compañero del colegio al que hace tiempo perdieron la pista. Acuden al tanatorio y se dan cuenta de que se han equivocado: aquel entierro no es el de su compañero de escuela. A partir de aquí la confusión y el azar tejen una historia de amistad, de amor y de muerte. Narrada de forma brillante, Tu vida en 65 minutos, supone un viaje a través de la vida y la juventud, con multitud de intercalaciones narrativas y referencias que transforman algo cotidiano en algo precioso en forma de poesía natural y callejera que rebosa en sus ricos diálogos.

La directora de Tu vida en 65 minutos, María Ripoll, respaldada por el excelente guión de Albert Espinosa, nos ofrece una bellísima y elegante historia en la que se mezclan con soltura temas tan variados como el amor, la amistad y la muerte; sobre la cual gira toda la película. Es una de esas películas que cuando la ves, resulta imposible no pararse a pensar en la propia vida que llevamos, si es como la imaginamos, y que podemos hacer para mejorarla. Tu vida en 65 minutos no deja indiferente a nadie: o te encanta o la detestas, o la encuentras hermosa o te parece una cursilada infumable. Particularmente, quiero verla como una correctísima película llena de imágenes bonitas y momentos inolvidables. Muchas veces, una propuesta sencilla y fresca, se transforma en una obra de arte.

Si tengo que destacar algo de la cinta de María Ripoll (aparte del cuidado y elegante guión citado lleno de diálogos costumbristas muy bien resueltos) sería sin lugar a dudas la maravillosa banda sonora que acompaña durante toda la película. Simplemente es brillante y muy acertada, sobretodo en el tramo inicial a ritmo de los Cure (que gran canción abre la cinta). Otro punto a favor de Tu vida en 65 minutos reside en la dirección de actores y el trabajo de estos, destacando sobretodo la labor de Javier Pereira y Tamara Arias, llena de química y miradas que dicen más que las palabras, llenando de magnetismo sus interpretaciones.

Tu vida en 65 minutos destila humildad y buen hacer a raudales, vives las experiencias junto al protagonista, las haces tuyas y cuando acaba la película, te las llevas contigo para siempre. Pocas producciones pueden presumir de conseguir tanta eficacia en apenas 90 minutos. En resumen, Tu vida en 65 minutos es una historia llena de casualidades, de sentimientos reales y reflexiones, situada en un domingo cualquiera en la ciudad de Barcelona, un precioso escenario, para esta comedia urbana. El guión, de Albert Espinosa es más que aceptable, con grandes momentos, como las reflexiones del protagonista en la -excesiva por momentos- voz en off. Pese a todo, una película imprescindible dentro del panorama nacional, intimista y muy personal obra de arte de María Ripoll. Puntuación: 9 sobre 10.

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MIRRORS, trailer de lo último de Alexandre Aja

2008-06-15T11:05:00.016+02:00

Mirrors es lo último que tiene entre manos Alexandre Aja, director de grandes e impactantes cintas como son Alta tensión o Las colinas tienen ojos. En esta ocasión, el realizador retoma la senda de los remakes con un título coreano de 2003 llamado Geoul Sokeuro y dirigido por Sung-ho Kim. La sinopsis resumida de Mirrors trata sobre un ex-policía metido a guardia de seguridad de unos grandes almacenes y que comienza a investigar una serie de misteriosos asesinatos que ocurren frente a los escaparates de las tiendas. FInalmente, intentará descubrir el origen de todo el mal.

En Mirrors, para el papel del guardia, Aja ha confiado en las tablas de Kiefer Sutherland, quien sigue intentando no encasillarse con su papel en la serie 24. Junto a Kiefer Sutherland, estarán Paula Patton, Amy Smart y Cameron Boyce entre otros.
Mirrors es un thriller sobrenatural con toques de terror, y su rodaje comenzó el pasado mes de mayo en Rumanía. El propio Aja ha escrito el guión y su distribución correrá a cargo de la 20th Century Fox.

La fecha de estreno de Mirrors esta planeada para el 15 de Agosto del 2008 en EEUU, mientras que aquí en España tendremos que esperar hasta el 3 de Octubre para verla en nuestras carteleras. Hasta el momento, os dejo con el teaser trailer y unas cuantas imágenes impactantes de Mirrors, último trabajo del siempre interesante Alexandre Aja.
Yo ya me estoy frotando las manos, pues Aja nunca me defrauda. Con que siga el nivel mostrado en Alta tensión me conformo, aunque por lo visto en el trailer, el elemento sobrenatural es el predominante en esta ocasión y no se hasta que punto puede beneficiar eso a la cinta. A mi me ha recordado en algunos momentos a Darkness (Jaume Balagueró), pero veremos en que se queda toda esta propuesta.

Frontiere(S)

2008-06-13T12:10:00.001+02:00

Frontiere(S): otra joyita para el últimamente (Alta tensión, A l'interieur, Ils, Malefique) tan de moda cine slasher francés. Bueno, quizá con el adjetivo de joyita soy demasiado generoso, así que vamos a dejarlo en una simple y correcta adaptación francesa a la idea de Hostel. Digo idea de Hostel, porque el planteamiento de Frontiere(S) bebe mucho de la cinta de Eli Roth. Digamos que está a medio camino entre Hostel y La matanza de Texas. Con más "miga" que Hostel, pero como una burda imitación de La matanza de Texas y clásico por excelencia del cine de terror dirigido por Tobe Hooper.

Frontiere(S) comienza de una forma y acaba de otra totalmente diferente. Parte de una secuencia de acción rodada a ritmo videoclipero al más puro estilo Michael Bay; es decir, prácticamente no ves nada gracias a un aberrante montaje y a una horrorosa cámara en mano que parece movida por un epiléptico. En sus 10 primeros minutos parece que estemos viendo la tercera parte de Bad Boys (dios no lo quiera). Tras la fallida presentación de los personajes, comienza el verdadero meollo de la cinta. Cuatro jóvenes deciden huir de los disturbios parisinos para refugiarse en la muy liberal Amsterdam, pero claro, de noche harán la típica y errónea parada en el no menos típico lúgubre ¿hotel? del que estás seguro no va a pasar nada bueno.

Evidentemente, y como cabía esperar, nada agradable ocurre en el citado ¿hotel? de Frontiere(S), pues la ¿familia? que lo regenta es una psicótica y disparatada mezcla de personajes nazis a cada cual más raro. Tras unas cuantas peleas, llegamos al verdadero porqué de la cinta, pues no hacen "cosas malas" por gusto, sino por ¿necesidad?: la familia pro-nazi quiere engendrar un hijo con la chica del film para mantener el legado familiar hitleriano intacto, y procrear así una nueva raza de "sangre pura" (pese a que la prota es más morena que yo), ya que los hasta ahora fetos nacían deformes, y claro esto no se puede permitir en ninguna familia nazi que se precie. En fin, como podéis leer, el argumento de Frontiere(S) no tiene ni pies ni cabeza, pero señores, estamos ante un slasher film y la verdad es que poco importa. Aquí hemos venido a ver hemoglobina a raudales, y si bien está no es derrochada en abundancia como en A l'interieur, de sus compatriotas franceses, las escenas gore están bastante bien resueltas.

El responsable de Frontiere(S) se llama Xavier Gens y a algunos os sonará por ser el responsable de la vergonzante Hitman, la cual no le pienso dedicar ni una mínima reseña. Otra adaptación de un videojuego que es destrozada en la pantalla grande (véase, Street Figther, Mario Bros, Tomb Raider, Alone in the Dark, Doom etc.). Por lo menos, aquí en Frontiere(S), Xavier Gens cumple; justito pero cumple. Del apartado técnico destacar unos correctos efectos visuales, así como unas buenas cantidades de sangre y casquería, sobretodo en el tramo final de la cinta. Los efectos están bien conseguidos, pero de debía dedicar más tiempo a indagar un poco más en las torturas. En los protagonistas, sobresale una muy creíble Karina Testa, como victima de la "familia Hitler".

En resumen, salvo el fallido y efectista inicio de la cinta, y un pobre trabajo de guión y escritura de personajes, Frontiere(S) es una salvable cinta solamente recomendable para los amantes del género. Una vez más, el cine francés demuestra que no se corta un pelo a la hora de rodar cintas desagradables, donde el color rojo predomina por encima de todo y de todos. Ni muchísimo menos llega al nivel ejecutado en A l'interieur y Alta Tensión de Alexander Aja pero aún así resulta entretenida. Lo mejor, la salvaje escena final. Puntuación: 6,5 sobre 10.

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La niebla de Stephen King

2008-06-10T11:37:00.004+02:00

La niebla de Stephen King: el realizador francoamericano, Frank Darabont, vuelve a adaptar una vez más –y ya van cuatro- al maestro del terror Stephen King, aunque en esta ocasión, y al contrario que en Cadena perpetua o La milla verde, Darabont aborda un relato de terror con toques de thriller sobrenatural y ciencia ficción. La niebla de Stephen King es una más que correcta adaptación cinematográfica al conocido libro de King, que Darabont pudo llevar a cabo, gracias en buena parte a la negativa de Steven Spielberg para que este escribiera el guión de la ya archiconocida por todos Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. De esta forma, el realizador Frank Darabont regresa una vez más a su inspirador autor del que ha conocido sus mayores glorias profesionales, en una propuesta tremendamente efectiva.

La premisa de La niebla de Stephen King es sencilla pero muy sugerente. En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Después de una fuerte tormenta, los habitantes de un pequeño pueblo observan cómo una extraña neblina desciende de las montañas. Varios de estos ciudadanos acuden a hacer sus compras al supermercado del lugar, viéndose de repente rodeados por tan inesperada bruma. Pronto se percatan de que no se trata de un fenómeno meteorológico normal, sino que tras ese blanco manto se ocultan unos temibles seres a las que habrán de enfrentarse. Con este preciso y directo comienzo (el cual se permite el lujo de incluir un guiño hacia el excepcional largometraje de Carpenter, La cosa) empieza una historia que desembocará en el caos total y tocando temas como el miedo a lo desconocido o la propia desconfianza humana.

La niebla de Stephen King está concebida como un relato de terror humano más que sobrenatural, pues los mayores miedos que se ven en la pantalla son al propio desmoronamiento moral de las personas, a la desconfianza, al fanatismo religioso y a la presión psicológica en las débiles mentes de los vecinos del pueblo. La invasión sobrenatural y los “bichos” no son más que un ingrediente más en la obra, un acompañamiento y un claro homenaje a los clichés y cintas del género de serie B. El resultado es un cinta asfixiante, claustrofóbica y muy estimulante; no llega al nivel de sus obras anteriores –ni lo pretende- pero resulta un verdadero acierto hacer una buena película de miedo tocando materiales y temas más complejos.

A modo de reparto coral, la acción en La niebla de Stephen King transcurre principalmente en el típico supermercado de pueblo americano, donde todos los vecinos se conocen y todos desconfían de todos. Se dibuja una paleta de personajes a cada cual más extraño, que si bien al principio todos parecen unidos, al final veremos como la personalidad humana es mucho más compleja que la propia unión y no se observa ningún atisbo de esperanza en el propio comportamiento humano de los personajes. Es una cinta de terror como las de antaño pero con las técnicas digitales de ahora (aunque no destaquen por su brillantez resolutiva), sin efectismos, sustos fáciles ni incrementos de volumen para ensordecer al público. Como ya he dicho, los monstruos no son más que un telón de fondo y el verdadero terror va calando en los personajes de la cinta, llenos de odio y miedo y que genera una terrible visión del comportamiento humano en situaciones límites, capaz de derrumbar todas las bases de raciocinio y civilización.

Como todo reparto coral que se precie, tendremos todos los arquetipos personificados habidos y por haber (lo cual no siempre es malo), desde el padre-héroe (Thomas Jane) capaz de hacer frente a la invasión desde la razón, hasta la chica en forma de profesora novata, pasando por el niño (esta vez no es repelente y actúa correctamente frente a la tensión), los soldados yanquis, el mecánico de la América profunda que no se cree nada y hasta una fanática religiosa estupendamente interpretada por Marcia Gay Harden y que se convierte, sin lugar a dudas, en el pilar fundamental de La niebla de Stephen King. Su actuación se merienda al resto del reparto –héroe incluido- y ella solita es capaz de poner al borde de la histeria a cualquier espectador. Sorprendente e inconmensurable trabajo el de actriz como perfecta, sobria y hasta elegante fanática religiosa. Del resto no destacaría a nadie más, el padre pasa sin pena ni gloria, la chica –una vez más- hace de mujer florero sin mayor profundidad, y bueno, el niño por lo menos esta vez es salvable y no repelente.

Del apartado técnico de la cinta sobresalen, pero para mal, unos muy pobres efectos digitales y visuales que llegan muy justitos con el nivel global mostrado en la cinta. Si están concebidos así para mantener la idea de serie B me parece de lo más acertado. Si por el contrario buscaban deslumbrar o impactar, desgraciadamente no lo ha conseguido. Otro de los puntos negativos que le encuentro a la factura es el constante abuso de esos zooms aleatorios y sin ningún sentido, así como los interminables fundidos negros que echan por tierra todo el trabajo realizado, pecando incluso de tener ciertas similitudes de telefilme. La fotografía, oscura y sobria, correcta sin más.

En resumen, La niebla de Stephen King es una grata sorpresa que renueva y actualiza los cimientos del cine de terror más clásico y de serie B, huyendo de efectismos y trucos facilones. Peca de excesivo metraje en una obra que se podía haber finiquitado en 90 minutos, pero lo compensa con ese desgarrador y desalentador final que muy pocas veces vemos en la pantalla grande. Se abandonan los cánones del happy end, se rompen las clasistas reglas morales, se juega con los sentimientos del público y finalmente asistimos a un desesperanzador desenlace irónico y de lo más vengativo. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

2008-06-07T12:41:00.000+02:00

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal: pues casi 20 años han tenido que pasar desde la última entrega (La última cruzada) de la famosa saga creada por el tándem generador de taquilla y dólares, Steven Spielberg en los mandos de la dirección y George Lucas a cargo de la historia y la producción. Nadie puede negar la innata capacidad, tanto de Spielberg como de Lucas, para concebir y crear productos de entretenimiento que colmaran las expectativas de grandes y pequeños. Hace 25 años eran los reyes de Midas de Hollywood, y ciertamente hoy en día lo siguen siendo. Siguen siendo unos genios en fabricar entretenimiento sano a base de mezclar aventuras, acción y amor; todo ello aderezado de notables guiones que convertían todas y cada una de sus respectivas producciones en taquillazos sin paliativos. El resultado final con esta cuarta entrega de Indy y el reino de la calavera de cristal es un aceptable producto de agradables aventuras, lleno de acción, emoción, misterio, humor y romance. Donde cojea un poco quizá es en la historia, muy por debajo de sus tres antecesoras, pero aun así es una propuesta muy digna y salvable en buena manera gracias a la implicación total que ejerce Harrison Ford en Indiana Jones y el reino de la calavera.

La historia se centra en 1957, en plena guerra fría que enfrenta a los dos países más importantes del planeta, EEUU y URSS. Una vez más –y ya van cuatro- Harrison Ford se enfunda el sombrero y el látigo que tanto le caracterizan, para dar vida a Indy, uno de los personajes más míticos de toda su filmografía junto a Han Solo de Star Wars. En esta ocasión, nuestro querido Indy, estará acompañado por el joven Mutt (Shia LaBeouf) quien le pide ayuda para encontrar al profesor Oxley (John Hurt), viejo conocido de Indy. Las pistas que tienen son una carta de Oxley para Indy, y como no, una vieja leyenda sobre la calavera de cristal. Tan preciado tesoro, también es buscado por Irina Spalko (Cate Blanchett), la malvada capitana soviética que conoce de sobra a Indy y todas sus triquiñuelas.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal funciona perfectamente durante todo el metraje. Pese a las dos horas de duración el ritmo de la proyección no decae en ningún momento gracias a las espectaculares escenas de acción, rodadas con pulso firme a cargo del maestro del espectáculo, Steven Spielberg, y a las salidas humorístico-sarcásticas de nuestro héroe Indy. Y es que al fin y al cabo, Indy es el mismo de hace 20 años. Harrison Ford está cambiado, con más canas y más arrugas en la cara (y eso que el photoshop hace maravillas), pero su personaje permanece inalterable al paso del tiempo, destilando carisma y portento a raudales. A su lado y en contraposición a la experiencia de Indy tenemos a Mutt, un joven rebelde que a priori no tiene nada de parecido con Indy, pero que finalmente acabará como mero aprendiz del maestro que es Indiana Jones (efectivamente y al igual que en Star Wars, Lucas nos cuela la relación, jedi-padawan o maestro-aprendiz).

Uno de los personajes que más me han gustado de esta entrega de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, es el de Marion Ravenwood, madre del joven Mutt y que finalmente se ve involucrada en la historia. Su personaje aporta otras buenas dosis de humor, muy en consonancia con el de Indy, y es que Marion es de las pocas mujeres capaces de emocionar a Indiana Jones, y la única de la que nuestro héroe se enamoró.

Y por último –que no menos importante- encontramos a Irina Spalko, la villana de esta tercera secuela perfectamente interpretada por Cate Blanchett. Quizá a todo un portento de actriz como es Blanchett, su personaje de enemiga de Indy se le queda un poco pequeño, pero queda resulto de forma brillante es las secuencias en las que aparece. Si algo se le puede echar en cara es ese aspecto totalmente irreal y manido de ucraniana de los años 50, con ese pelo casi humorístico que para nada ayuda a la confección del personaje. Por último, y fallo garrafal de la dirección artística y de actores es el nulo movimiento en la peluca de Irina durante las escenas de acción de la cinta. Error gravísimo.

En resumen, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal es una correcta producción en consonancia con lo visto en las anteriores sagas. Continúa en la estela ofrecida 25 años atrás pero mejorándola evidentemente en los aspectos visuales y digitales. Es 100% cine de entretenimiento, y como tal lo verdaderamente importante es su objetivo, el cual consigue cumplir satisfactoriamente. No busquen realismo, ni guión, ni fotografía, solamente ganas de disfrutar en la butaca como un enano viendo a Indy saltar, correr, escapar y luchar contra las malvadas tropas soviéticas. Entretenida cinta de acción con las dosis justas de emoción, humor y romance. Puntuación: 7 sobre 10.

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Mataharis

2008-06-06T10:35:00.002+02:00

Mataharis: excelente película de Iciar Bollain, una de las pocas directoras de cine que tenemos en nuestro país. Una vez más, Iciar Bollain demuestra el talento que tiene en la construcción de historias y personajes con una magnifica cinta sobre el papel que desempeñan los detectives privados. Mataharis es una inteligente propuesta llena de sentimientos, miedos y emociones. Cine social en estado puro lleno de intimismo, realidad y rebosante de una sencillez innata que se proclama a los cuatro vientos. Magnifica película en la que se combina la faceta laboral como detectives de tres mujeres con sus historias de amor particulares. La decisión de contarle a tu pareja un secreto inconfesable, la incomunicación existente en una relación ahogada en el tedio y el miedo de tener que elegir entre la profesionalidad de tu trabajo o el enamoramiento surgido.

Es una película de detalles, tanto técnicos como interpretativos. Tras ella se esconde un talento en forma de mujer. Iciar Bollain deja patente una vez más (al igual que hizo con Te doy mis ojos) que es una maestra de la narración. Controla los tempos y las pausas de una forma casi exquisita. Es cierto que en algunos momentos el ritmo de Mataharis cae, pero simplemente no te importa nada porque sabes que tarde o temprano acabará arreglándolo. Y así es. Construye un inspirador relato sobre mujeres en forma de espías, lleno de emociones y sensibilidad.

Mataharis está estupendamente interpretada por un colosal reparto, sobresalen a mi gusto una grandiosa Najwa Nimri -como siempre- y una muy sorprendente María Vázquez. Najwa Nimri está soberbia, y una vez más demuestra su poder camaleónico para adaptar y enfocar sus personajes. Destila sensualidad en cada escena que aparece en pantalla gracias a una irrepetible voz (como me encandila su voz). Maria Vázquez brilla con luz propia pese a la complejidad de su papel y Nuria González logra componer también un grandísimo personaje a base de realidad.

Del reparto masculino de Mataharis destacar a un perfecto Tristán Ulloa, que por primera vez me ha convencido en el papel que hace, e incluso he llegado a considerarlo como un gran actor. A su lado aparecen un normalito Diego Martín demostrando que puede solventar el genero del drama con mayor o menos acierto, Fernando Cayo, como jefe sin escrúpulos bastante creíble y un poco sobreactuado y un evolucionadísimo Antonio de la Torre (gran carrera le espera).

Resumiendo, Mataharis es una profunda reflexión de las relaciones amorosas con un crecimiento narrativo explosivo, logrando el clímax final en el momento oportuno. Una historia de lo cotidiano lleno de grandes dosis de realidad. Sencilla obra triste y emotiva que colmó mis expectativas. Puntuación: 8 sobre 10.

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La habitación de Fermat

2008-06-03T12:01:00.001+02:00

La habitación de Fermat: cuatro matemáticos, que no se conocen entre sí, son invitados por un misterioso anfitrión con el pretexto de resolver un gran enigma. Pero descubren que la sala en la que se encuentran resulta ser un cuarto menguante... que les aplastará si no descubren a tiempo qué les une y por qué alguien quiere asesinarles. Dirigida por los noveles directores Luís Piedrahita y Rodrigo Sopeña.

Esta es la premisa de la que parte La habitación de Fermat, un ejercicio matemático de interesante propuesta inicial que se va desinflado poco a poco a medida que avanza en el tiempo. Es inevitable sacar paralelismos con la genuina Cube; mientras que algunos matices (como el estar encerrados en una habitación) son calcados a Saw (primera entrega).

El ritmo de La habitación de Fermat es dinámico, implicando directamente al propio espectador en la resolución de los diferentes enigmas que se les van planteando a los inquilinos del cuarto. Su narración es totalmente acertada en la primera parte de la cinta, manteniendo el misterio y marcando los tiempos con un perfecto y sobrio equilibrio. Pero hacia la segunda parte comienza a hacer aguas, transformando una buena premisa en un clímax narrativo y pulso dramático irreal y cogido con pinzas. El final de la cinta es el peor que se podía haber elegido, resultando monótono y previsible. Una vez más el happy end nos inunda -por desgracia- en la pantalla.

Gran parte del elenco esta formado por actores meramente televisivos (véase Alejo Sauras y Elena Ballesteros) los cuales en ningún momentos llegan a ser creíbles al 100%. Únicamente destacan unos correctos Santi Millán y Lluis Homar, así como un siempre perfecto Federico Luppi (otra muestra del poderío interpretativo del actor argentino).

Resumiendo y para no alargar la crítica mucho más de lo que merece el film, La habitación de Fermat es una simpática propuesta nacional en forma de enigma y de atmósfera opresiva. Por decirlo de alguna forma, una especie de Cube a la española, rodada en su mayor parte con un pulso narrativo que mantiene la tensión (aunque esta sea mínima) en el público durante gran parte de su corto metraje (punto a favor). Únicamente, se entiende como propuesta de entretenimiento y que hará las delicias de matemáticos y aficionados a los enigmas con números. Puntuación: 6 sobre 10.

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El hijo del mal (Joshua)

2008-05-28T10:17:00.000+02:00

El hijo del mal: y aquí tenemos una muestra más de porqué no se deben traducir las propuestas que nos llegan de los USA y respetar el título original de la cinta (Joshua). El director de El hijo del mal, George Ratliff, no debía tener muy claro que hacer con su obra creo yo. Pues más que nada se ha limitado a copiar grandes clásicos como La profecía de Richard Donner o la obra maestra La semilla del diablo de Roman Polanski. Ha querido hacer un batiburrillo de cintas con niños malos y le ha salido el tiro por la culata, pues el resultado final es un film insulso, con interpretaciones planas y carentes de tensión e inquietud narrativa.

La premisa de la que parte El hijo del mal no es mala -valga la redundancia- pero a medida que avanza, se va diluyendo y nadie es capaz de sacarla a flote. Narra la historia de Brad y Abby Cairn, aparentemente los padres perfectos, y que están celebrando el nacimiento de su segundo retoño, Lily. Su primer hijo, Joshua, no es un niño corriente. Tiene una inteligencia excepcional, buena educación y una precocidad que asusta. Y ahora, parece cada vez más infeliz con su nueva vida, en la que sus padres adoran a Lily mientras que él, callado, toca el piano en un rincón.

Tampoco puedo evitar sacar paralelismos con una cinta olvidada del más olvidado aún Macaulay Culkin, El buen hijo. De hecho, los parecidos con esta son más que notables en comparación con las obras clásicas mencionadas anteriormente. Pues tanto La profecía como La semilla del diablo nos remitían directamente a contexto demoníacos y satánicos, donde el diablo hacia de las suyas. En cambio, las referencias con El buen hijo son muy visibles, pues se nos presenta la maldad hecha niño, sin ningún atisbo de implicación satánica. Pura perversión engendrada gracias a los celos que siente, en este caso a su hermana.

Y es como ya he comentado, la cinta parte de una premisa más que aceptable, generando en el espectador esa sensación de curiosidad por ver como actuará el niño frente a la intromisión de su hermana en su vida. Pero a medida que avanza, observamos que esa curiosidad se convierte en tedio, y el ritmo de la cinta resulta plano y aburrido. En mi caso, no consiguió conectar conmigo en ningún momento, salvo en los minutos iniciales; el resto me dejó completamente indiferente. El hijo del mal no aporta nada nuevo al género, y muestra una vez la carencia de ideas creativas en el mundo de Hollywood, cayendo una y otra vez en la reiteración y plagio de los elementos clásicos del género.

En cuanto a las interpretaciones, únicamente se salva un predispuesto y correcto Sam Rockwell, ya que tanto la madre, Vera Farmiga, como el repelente niño Jacob Kogan están para mandarlos a la quema de actores. La madre tiene un pase, pues con su sobreactuadísima actuación intenta transmitir esa desesperación y locura que siente su personaje. Pero al niño no hay por donde cogerlo. Resulta carente de expresividad y de lo más repelente. Se pasa toda la película con la misma cara de pánfilo. No refleja ninguna emoción ni implicación con su personaje, acabando siendo plano y dándote ganas de cogerle y darle un buen par de leches. El crío quiere ser el nuevo Damien (sacrilegio, pues Damien siempre será Harvey Stephens), pero desgraciadamente se queda en un pequeño angelito, eso si, con ganas de tocar un poco los cojones a su padre.

En resumen, una mediocre propuesta que se queda simplemente en una buena premisa, siendo incapaz de avanzar en una historia más o menos interesante y que inquiete al público. Se hecha en falta un poco más de tensión en algunos momentos demasiado blandos. A medio camino entre La profecía y La semilla del diablo (pero sin las connotaciones diabólicas), El hijo del mal se convierte en la cinta perfecta para un domingo por la tarde. Indaga más en el drama familiar psicológico que en su lado más oscuro o terrorífico, siendo este su mayor pecado. No pretendan buscar mucho más en ella. Puntuación: 5,5 sobre 10.

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Supersalidos

2008-05-25T17:21:00.000+02:00

Supersalidos: no hay que dejarse engañar por el banal titulo de esta película, puesto que en su mayor parte sorprende y para bien. Hará cosa de unos cuantos meses cuando se estreno en cartelera, me llamó la atención las grandes críticas cosechas por el mundo cinematográfico hacia una cinta que llevaba por titulo Supersalidos, y por lo que se adivinaba de ella era como una nueva revisión de American pie. Una nueva revisión de la típica comedia adolescente americana llena de lenguaje soez, desnudos gratuitos y sin ningún fondo que sacar en claro. A ver, no os voy a negar lo del lenguaje soez, que lo tiene y mucho, pero a grandes rasgos la cinta de Greg Mottola es un soplo de aire fresco para los anticuados y chabacanos enfoques que había adoptado la comedia juvenil en la última década.

En Supersalidos se da una vuelta de tuerca de más al género de la alocada comedia americana, destilando sencillez y naturalidad a partes iguales. Mottola ha creado una hilarante propuesta muy en consonancia con la famosa cinta de Judd Apatow, Virgen a los 40, y su más reciente aunque de menor calidad -para mi gusto-, Lío embarazoso.

Todos y cada uno de los personajes que dan forma a Supersalidos son unos meros arquetipos de perdedores. Destaco, como no, a McLovin como el superhéroe de la cinta. McLovin es el indescriptible y desternillante personaje de Supersalidos (pese a aparecer en un segundo plano). Recuerden a McLovin porque marcará un antes y un después en este tipo de comedias. Sobre él se suceden las secuencias más divertidas y gamberras. Junto a McLovin, están un muy divertido también Michael Cera (al que ya vimos en la maravillosa Juno) y Jonah Hill como amigo inseparable de Cera. Mención aparte merecen también la pareja de polis mega-excéntricos, irreverentes y surrealistas. Que gran composición de personaje se ha conseguido en Supersalidos, gracias al trabajo de Seth Rogen y Evan Goldberg, basado principalmente en experiencias autobiográficas.

Tres personajes y tres formas distintas de ver al sexo opuesto. Tres perdedores de la vida, pero cada uno con su estilo, que hacen de su personaje un entrañable recuerdo. En esta comedia no salen supuestos adolescentes de 20 muchos años sodomizando tartas de manzana. Es una película que habla sobre la amistad y también sobre el sexo y como influye en el comportamiento de los adolescentes.

En resumen, es una buena joya de la comedia contemporánea y una gran entretenimiento con su puntito nostálgico y melancólico de cara al ultimo tercio de la cinta. De esta manera el visionado puede suponer un carrusel de emociones, un viaje desde la sonrisa y la carcajada a la melancolía y tristeza. De aquí a unos años me gustaría recordar a Supersalidos como un bello retrato de amistad más que como una simple película divertida. Atención a los títulos de créditos finales. Todavía me estoy riendo... Puntuación: 7 sobre 10.

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Trailer de Vicky Cristina Barcelona

2008-05-22T11:24:00.001+02:00

Aunque no se trate del trailer original (espero porque es bastante flojo) de la nueva película de Woody Allen, el primer metraje difundido de Vicky Cristina Barcelona ha dado la vuelta al mundo en menos de un día. En él podemos comprobar, como el afortunado Javier Bardem se hincha a dar besos y a retozar con las dos inmensas bellezas que encabezan el reparto del próximo estreno de Woody Allen. Efectivamente me estoy refiriendo a la guapísima Scarlett Johansson y a la sensual Penélope Cruz.

De fondo suena una de las canciones de la banda sonora, interpretada por Giulia y los Tellarini. Mientras, se ven imágenes de la Ciudad Condal y del actor echándose en brazos de las chicas; Scarlett Johansson, Rebecca Hall y algún roce con Penélope Cruz. Pero también, y por primera vez, se han podido ver las imágenes de la parte asturiana del rodaje de Woody Allen, que se pasó rodando toda una semana en julio por Oviedo, Avilés y Siero.

En Vicky Cristina Barcelona y a caballo entre Asturias y Barcelona, Allen se trajo a su musa, Scarlett Johansson y la puso al lado de los actores españoles que más pegan en Hollywood: Penélope Cruz y Javier Bardem.

Vicky Cristina Barcelona se presentó en el Festival de Cannes el sábado pasado fuera de concurso con Woody Allen acompañado de su trío de actores; y sólo unos pocos afortunados podrán ver por fin esta esperada cinta. El filme cuenta la historia de un pintor (Bardem) que conoce a dos turistas norteamericanas (Hall y Johansson). Su vida se complicará cuando aparezca su celosa ex novia (Cruz), que traerá de cabeza al artista.

Vicky Cristina Barcelona se estrenará en España el próximo 19 de Septiembre de 2008. Hasta entonces, os dejo con el trailer.

Elegy

2008-05-19T14:55:00.003+02:00

Elegy: indiferencia es el mejor adjetivo que he encontrado para resumir la última cinta de Isabel Coixet. Tras los dramones -y buenas obras- Made in Coixet como Cosas que nunca te dije, Mi vida sin mí o La vida secreta de las palabras, decidí ir a ver Elegy, segunda película española que iba a ver al cine tras la fallida y algo decepcionante, Cobardes. Desde mi humilde punto de vista, Elegy no llega a las cotas alcanzadas con producciones como Mi vida sin mí o La vida secreta de las palabras, resultando una obra por momentos vacía y carente de emociones. Isabel Coixet se ha preocupado más en rellenar su obra con multitud de citas filosóficas y llenas de trascendental sentido -para ella- pero vulgares en el fondo. Ha adornado su obra con un exceso de almíbar e imágenes bellas, pero irónicamente sosa en cuanto a trasfondo y conclusiones.

Que vaya por delante, que Isabel Coixet es una directora que me gusta, y que considero a Mi vida sin mi su mejor cinta hasta le fecha y una de las mejores de 2003. Pero con Elegy se ha derrumbado estrepitosamente. Visualmente perfecta y con una banda sonora impecable, Elegy en conjunto está vacía. No aporta ningún sentimiento ni emoción (pecado en la Coixet) y abusa de una formula llena de tópicos repetitivos y con cierto regustillo a poesía pseudointelectual y fondo filosófico que tanto gustará a los críticos gafapasta.

Su principal error radica en una puesta en escena artificiosa y totalmente buscada para generar una falta empatía con el espectador. Mientras que en sus dos obras anteriormente citadas, el dolor interior, sufrido en silencio y soledad, lograba generar un clímax de intimismo y emoción surgido en base a la naturalidad y sinceridad, en Elegy estos sentimientos son buscados directamente, abandonando toda sugerencia y buscando un ambiente dramático que tan bien funciona entre el público.

Isabel Coixet ha adaptado la obra de Philip Roth, El animal moribundo, en Elegy. Pero la ha adaptado de una fría y distante que no respira el mismo aire fresco ni la misma intensidad emocional que las anteriores. Ha construido su obra con unas piezas prefabricadas sustentadas en una obra totalmente artificial, y aderezadas con una repetitiva e insoportable voz en off de su protagonista, David Kepesh (Ben Kingsley).

Consigue un aprobado alto gracias en buena parte el completo reparto que tiene, con un magnifico y poderoso Ben Kingsley, una perturbadora Penélope Cruz y un completo -como siempre- y algo distante en la obra, Dennis Hopper. Pese a las buenas interpretaciones que tiene Elegy, ninguno de los personajes consigue llenar ese vacío de emociones tan propio del cine de Isabel Coixet. Pese a todo, la difícil búsqueda de química entre Kingsley y Cruz se hace llevadera gracias a las estupendas actuaciones de ambos, creíbles en todo momento.

Visualmente me ha encantado Elegy. Con una fotografía de lo más cuidada, busca siempre el interiorismo asfixiante de los apartamentos, simulando la angustiosa vida de ambos protagonistas. Con unos magistrales primerísimos planos, sencillos y a la vez elegantes, la cámara se mueve de forma majestuosa durante todo su metraje (atención al plano en el desnudo de Pe). Todo ese poderío visual se complementa a la perfección con una bellísima y elegante música, la cual redondea el aspecto técnico de la obra, y ensalza el apelativo de drama romántico a la cinta.

Elegy acaba siendo una obra quizá demasiado pretenciosa y vacua para el tema que trata, el ser humano y su incapaz de madurar y crecer. Como ya he comentado, abusa en exceso del recurso voz en off y sus reflexiones filosóficas son del todo artificiosas y demasiado burguesas. Destaca su portentoso apartado técnico y unas notables actuaciones. Puntuación: 6 sobre 10.

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Casual day

2008-05-15T17:13:00.002+02:00

Casual day: ¿quien dice que en España no se hacen buenas producciones? ¿Quien dice que no se puede comparar el cine nacional con el cine yanqui? ¿Quien dice que en el cine español está todo inventado? La verdad es que no entiendo a toda esa panda de detractores del cine español en favor de un cine efectista y repetitivo hasta la saciedad como el americano. Tanto aquí como allí hay de todo, igual que en Francia, Italia o Gran Bretaña. Mientras allí se dedican a hacer Scary movie, Date movie o Casi 300; aquí tenemos Torrente, Isi/Disi o Los managers. Lo único que hace falta para hacer una buena película en España es una buena idea, darle forma con un notable guión, escoger un reparto acorde y lo más importante: ponerle ilusión y ganas de sacar adelante el proyecto. Y eso es lo que precisamente le ocurre a Casual day.

¿Que es el "Casual day"? El "Casual Day" es una práctica empresarial importada de Estados Unidos. Algunas empresas aprovechan el viernes para hacer un viaje al campo y realizar distintas actividades que fomenten las relaciones personales de sus trabajadores, reduzcan el stress y mejoren la actividad empresarial. Pues precisamente de esta idea, una gran idea, parte la cinta del (casi)debutante Max Lemcke. Un soplo de aire fresco para el cine nacional, y la mejor producción española desde Bajo las estrellas.

Con un entorno y enfoque relativamente parecido a otras obras nacionales y de excelente calidad fílmica como Smoking room, El principio de Arquímedes o El método, Casual day en este caso centra toda su atención en las relaciones personales ajenas al entorno laboral (están en el campo) entre empleados y jefes, entre presas y cazadores; y en concreto en el funcionamiento y gestión de grandes multinacionales en favor de que fluya el flujo de dinero y en detrenimiento del propio empleado. Al fin y al cabo, Casual day habla sobre lo que hoy en día todos sabemos y conocemos, los ámbitos humanos en la realidad pura y dura del mundo laboral. La cinta de Max Lemcke es una ácida radiografía coral humana llena altas cotas de ironía y mucha mala leche dirigida a un publico sobrio y muy concreto.

En el apartado técnico destaca una fotografía oscura de apabullante calidad que juega con unos tonos apagados muy elegantes y buscando siempre los primeros planos en el elenco de actores y actrices (muy al estilo de Smoking room). Me ha encantado la elegancia del movimiento de cámara, la búsqueda del contrapicado en la figura de Juan Diego y un par de planos que son para enmarcar. Con una ausencia musical durante su visionado, me parece un acierto dotar únicamente con el poder de la palabra a sus personajes, huyendo de efectismos y demás recursos artificiales.

Otro de los puntos fuertes de Casual day recaer en el reparto coral que da forma a la cinta. Un excelente mosaico que recoge todas las personalidades posibles en el entorno laboral: el jefazo, el trepa amigo del jefazo, el pelota, el enchufado, el psicólogo, la inocente, el gracioso, el sindicalista... Todos y cada uno de ellos están perfectos, pero por encima de todos destaca un inmenso Juan Diego que se merienda el guión y al resto del reparto. Es impresionante la capacidad que tiene este hombre de absorber a un personaje y dotarlo de la personalidad que exige el guión. Me faltan adjetivos para describir el fantástico papel que lleva a cabo en Casual day, capaz de reflejar esa falta de escrúpulos en un personaje complejo de darle vida en la pantalla. Le otorga toda la bis cómica que necesita y a la vez esa mala lecha que tanto aflora. Impagable la escena de la presentación de su personaje, explicándole a su yerno el porqué tiene un Audi A8 y no un A3, un A4 y un A6. Destacar también las apariciones del siempre sobrio y efectivo Luis Tosar (perfecto como siempre), unos correctos Javier Ríos y Alex Angulo, un simpático Arturo Valls, una elegante Estíbaliz Gabilondo, un extraño Alberto San Juan como psicologo, unas fugaces apariciones de Marta Etura y Malena Alterio y un sorprendente Secun de la Rosa (cada vez me gusta más este actor, capaz de hacer de inocente estudiante de derecho, de gay o de empleado de una gran multinacional).

En resumen, Casual day es una hilarante propuesta sin salidas de tono y carente de lenguaje soez y vacío, con unos diálogos en forma de dardos envenenados. Coral retrato humano sobre el ambicioso y duro entorno laboral que aboga todo su potencial en la sencillez y humildad huyendo de un artificioso efectismo y centrando toda su calidad en un milimétrico guión, bien escrito y mejormente resuelto e interpretado. El tiempo y las escenas están calculados a la perfección. Tiene un ritmo alto que no llega a decaer en ningún momento, y su excelente uso de la ironía en un tono tragicómico hace de Casual day una cinta casi perfecta. Con una fuerte critica social al mundo laboral y a las relaciones humanas que en él se producen, la obra de Max Lemcke es de largo, la mejor cinta que ha pasado por nuestra cartelera en los 5 meses que llevamos de 2008, creo que sin lugar a dudas será el referente en la cartelera nacional de este año. Esperemos que la Academia no se olvide de ella y se lleve su tan merecida recompensa en la próxima edición de los premios Goya. Casual day es una elegante propuesta nacional y todo un gusto para los sentidos. Puntuación: 8,5 sobre 10.

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Gordos, nuevo proyecto de Daniel Sánchez Arévalo

2008-05-12T14:42:00.002+02:00

El director Daniel Sánchez Arévalo, que trabaja estos días en Cantabria en el rodaje de su segunda película, Gordos, hace en esta ocasión una apuesta bastante más arriesgada, más dramática y a la vez con más comedia, en la que asume también nuevos retos, después del éxito cosechado con AzulOscuroCasiNegro.

Y es que tras AzulOscuroCasiNegro, su ópera prima, el director y guionista madrileño Daniel Sánchez Arévalo volverá a formar equipo con la productora Tesela para sacar adelante su siguiente película, una comedia dramática coral que llevará por título Gordos y en la que contará con la presencia destacada de Antonio de la Torre, quien ganó uno de los tres Goyas que se llevó su anterior trabajo, Raúl Arévalo y Verónica Sánchez.

El presupuesto de Gordos rondará los 7 millones de Euros, y el rodaje se extenderá durante dos semanas en Santander, para luego desplazarse a Madrid otras cinco semanas más de rodaje.

Gordos gira en torno a una terapia de grupo de gente con problemas relacionados con la obesidad y se presenta como una comedia sobre los excesos y las carencias de la vida, sobre los complejos, fobias, obsesiones, traumas, deseos, ilusiones y retos, en definitiva, sobre la supervivencia en el más amplio sentido de la palabra.

Repite además con algunos actores, como Raúl Arévalo o Antonio de la Torre con quienes ya trabajó en su anterior cinta, AzulOscuroCasiNegro. En el caso de este último, el director lo considera su "muso", su "fetiche" porque, según dijo, tienen sensibilidades "parecidas" y el actor es como su "alter ego".

Daniel Sánchez Arévalo aseguró que escribió el personaje para De la Torre, como ya hizo en AzulOscuroCasiNegro, y en el caso de Verónica Sánchez, tuvo claro que tenía que ser ella nada más tener el guión, porque necesitaba una actriz "muy valiente y arriesgada", dispuesta a engordar entre 10 y 15 kilos porque interpreta a una embarazada.

Esos cambios que deben sufrir los actores -Antonio de la Torre gana 30 kilos para la película- marcan el rodaje de la película, que será largo. Comenzó en diciembre y esperan terminarlo hacia finales de octubre de este año.

La película, cuyo reparto completan Roberto Enríquez, Pilar Castro, Fernando Albizu, María Morales, Adam Jezierski, Roberto Alamo y Leticia Herrero, llegará a los cines "como pronto en primavera y como tarde en otoño" de 2009, apuntó el director.

Personalmente, como profundo admirador y enamorado (con permiso de mi chica) de Verónica Sánchez espero que el estreno sea más temprano que tarde, y pueda disfrutar otra vez con Verónica en la pantalla grande. AzulOscuroCasiNegro me gustó mucho, así que espero que esta nueva cinta de Sánchez Arévalo colme mis expectativas. Veremos..., aunque con la sola presencia de Verónica Sánchez -aunque salga embarazada- a mi me sobra y me basta.

Cobardes

2008-05-09T11:34:00.003+02:00

Cobardes: tras Tapas, el magnífico debut en la dirección cinematográfica por parte del televisivo José Corbacho y su amigo Juan Cruz, esperaba con Cobardes un paso adelante en cuanto a la carrera fílmica de este dúo, pues iban a cambiar del tono tragicómico visto en Tapas a un registro mucho más dramático, exigente y de candente actualidad. Pero desgraciadamente, el tandem Corbacho&Cruz parece que no llega a funcionar en su máximo esplendor como lo hizo en Tapas y se diluye en forma de una obra menor a la que nos esperábamos.

Con unos originales títulos de crédito iniciales, mezclados a la par con un frenético montaje en forma de persecución callejera (abusivas, pues las veremos hasta tres veces en los escasos 90 minutos de cinta), Cobardes mantiene una estética bastante normalita y nada virtuosa, lo cual va en consonancia con el contexto del film y su entorno de grabación.

En primer lugar hablaremos de los puntos a favor que le encuentro a la obra de Corbacho&Cruz. Se nota que el guión está bastante trabajado y dirigido a un público adulta y con la cabeza bien amueblada (pese a la constante e irritante BSO). Me gusta la forma que C&C han adoptado para narrar la historia de Cobardes, con esa doble perspectiva que se da entre el acosador y el acosado. Hubiera sido muy fácil centrarse única y exclusivamente en lo mal que lo pasa el acosado, pero resulta todo un acierto intentar demostrar el porqué el acosador actúa de esa manera. A partir de aquí se construye un relato bien definido y con una realidad bastante evidente (salvando las distancias). Muy correcta veo la actitud tomada por C&C al no querer adoctrinar a su publico ni imponer ningún tufillo moral sobre el bien y el mal. Se posicionan, pero sin juzgar y sin caer en la evidencia, juegan con esa dualidad moral que pondrá en entredicho al espectador. Por último, decir que el plano final que cierra la cinta de Cobardes me parece el mejor de toda la película. En ese plano queda patente toda la filosofía expuesta y me parece que es el mejor final que podía tener.

Destacar también la labor en las actuaciones del reparto adulto de Cobardes. En especial de una correcta y sobria Elvira Mínguez, perfecta al igual que en su anterior colaboración en Tapas. Un jocoso Lluis Homar es también de lo mejorcito de la cinta en cuanto a reparto. Y por supuesto, una sorprendente Paz Padilla cambiando de registro y adquiriendo tintes dramáticos. Pese a que encuentro totalmente vacío y mal dibujado su personaje, es de agradecer su nuevo registro en el género del drama.

Ahora vayamos a los puntos débiles de Cobardes. Primero esa estética y montaje costumbrista, más propia de telefilme televisivo financiado por cualquier cadena privada que de una obra cinematográfica. Está bien que no quieran rodar una megaproducción, pero es de juzgado de guardia ver en el cine, algo que podría haber sido un capitulo largo de Hospital central o El comisario.

Por otro lado, no me ha gustado la escritura y construcción de los personajes. Me resultan vacíos y carentes de personalidad, sin llegar a profundizar lo más mínimo (ni siquiera en el protagonista). Son todos en su mayoría meros arquetipo preconstruidos (el niño bueno pero raro, el niño cabrón y malo, el padre despreocupado, la madre concienciada, el "amigo" regala-consejos ajeno a la familia, la chica que ayuda al niño bueno etc.

En contraposición a su reflejo de la realidad del mundo del acoso escolar o bullying quedan patentas algunas reacción totalmente falsas a lo largo de su visionado, como por ejemplo la actitud de acercamiento que tiene la chica hacia el chaval acosado, la cual no le importa relacionarse y salir con él, cosa que me parece de lo más irreal conociendo la personalidad de la chavalería actual. Ninguna chica de 15 años se dejaría ver con el apestado del instituto.

Y por último resaltar la nefasta actuación interpretativa de todo el elenco de adolescentes que completan el reparto de Cobardes. Me parece un pecado imperdonable la elección del personaje de Gaby (Eduardo Garé) y protagonista absoluto de la historia. Es vergonzante la interpretación que realiza, carente de implicación, emoción y sensibilidad. Cierto es que todavía es muy joven, pero seguramente habrían más chavales capaces de hacerlo mucho mejor, con mayor naturalidad y expresividad. Maneja los silencios con bastante acierto, pero cada vez que abre la boca para soltar alguna frase, la caga y mucho. El personaje femenino que le acompaña tampoco es que lo haga mucho mejor, pero a su favor está en que simplemente es un secundario, y no recae sobre ella el peso global de la cinta. Desde mi punto de vista, creo que el único que se salva es el acosador (Eduardo Espinilla), cerrando una actuación mínimamente aceptable y aprobada por los pelos.

Cobardes parte de una buena idea inicial pero se esperaba mucho más de ella. No es una continuación dramática de Tapas ni mucho menos y el elenco adolescente deja mucho que desear. Podrían haberse sacado mejores resultados de ella. Aceptable pero obra menor a su antecesora, Tapas. Puntuación: 6 sobre 10.

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A l'interieur

2008-05-06T11:48:00.002+02:00

A l'interieur: aquí vemos una vez más el problema que tienen algunas producciones pequeñas en cuanto a dinero y distribución a la hora de llegar a todos los países. Y es que yo entiendo que es difícil que a nuestro país lleguen todas las cintas que se producen en Europa y los USA, pero creo que es un pecado que obras de la calidad de A l'interieur se queden sin una distribución y promoción adecuadas a la brillantez fílmica de la cinta que nos propone nuestro país vecino. Es de sobra conocido por todos la novedosa vertiente de cine de terror de calidad que nos vienen invadiendo los últimos años desde Francia, donde producciones con escasa promoción internacional se están haciendo un hueco cada vez mayor entre los amantes de dicho género, gracias en buena parte a los distintos festivales organizados tipo Sitges, que sirven como único trampolín y oportunidad para dar el salto internacional. Y eso es precisamente lo que le ocurre a A l'interieur.

A l'interieur es una obra firmada por los realizadores franceses Alexandre Bustillo y Julien Maury (que bien se lo debieron pasar durante el rodaje) de indudable perversidad que hará las delicias de todos los que nos consideramos goremaníacos. Llevaba ya tiempo esperando que la edición en DVD llegara a nuestro país, pero tras meses de esperar decidí abandonar mis esperanzas y hacerme con una versión original con subtítulos en castellano para poder disfrutar de la última joya del cine de terror francés. Tenía unas expectativas elevadísimas con este film y para ser sincero no me ha defraudado en absoluto. Tampoco es que las haya sobrepasado, sino que simplemente me ha aportado todo aquello que me había generado. Y es que como me ocurrió tras ver la impresionante Alta tensión del genio Aja, confirmo que me encandila la forma en que los franceses dan forma al terror y a todo lo que él genera -véase litros y litros de hemoglobina-.

A l'interieur es muy clara en su planteamiento. 80 minutos escasos de una tensión desbordante. 80 minutos de una perturbadora y opresiva puesta en escena. 80 minutos de duelo interpretativo entre dos féminas que lo bordan (atención a una perfecta Béatrice Dalle). 80 minutos de una angustiosa ambientación y entorno. Y lo que es más importante, 80 minutos de autentica masacre visceral, sanguinaria y perfectamente visual carnicería humana no apta para estómagos delicados. Y es que si por algo destaca A l'interieur no es precisamente por una genuina historia, sino por una brutal y explícita violencia poco -y mal- vista en el cine USA y perfectamente retratada en el terror gabacho. Para alguien como yo, amante y cinéfilo asiduo al género gore, slasher o de terror simplemente, resulta muy complicado que una obra de estas características te deslumbre o te impacte mínimamente, pero es que la experiencia que tengo con A l'interieur (y tuve en su día con Alta tensión) es de lo más satisfactoria. Si les impactó la presentación del asesino en Alta tensión, prepárense porque llega A l'interieur.

Pero hablemos claro, A l'interieur empieza mal, pese a unos originales y viscosos títulos de crédito. Empieza lenta, sin saber muy bien que está pasando, y a los 2 minutos de película, con el accidente de coche, ya sabes como va a acabar todo resultando previsible al 100% (aunque acertadamente al final no resulta así del todo). Pero que quieren que les diga, me importa poco su previsibilidad y su desarrollo inicial, pues a partir del minuto 30 es cuando empieza lo bueno, dando un giro argumental y narrativo de 180º y entrando de lleno en el cine slasher.

La gran baza de A l'interieur recae en su técnica y estética visual. Pocas veces hemos visto una sangre tan real en la pantalla, manchándolo y salpicándolo todo y a todos (atención a como es el baño al principio y como queda al final). Tiene unos efectos visuales y de casquería muy conseguidos con una densidad hemoglobínica logradísima y chorreante. La atmósfera que envuelve la casa es lúgubre y la fotografía gélida por momentos y cálida en otros, buscando siempre el impacto de la sangre en la pantalla y generando el contraste de esta (tonos calidos) en contraposición a decorados donde predominan los tonos fríos.

A destacar como he dicho -entre otras muchas cosas- la interpretación del reparto femenino, brillante en algunos momentos y sobreactuado en otros (en particular la versión malvada del personaje de Béatrice Dalle), y con algunos momentos irracionales como el cambio de personalidad en la heroína, embarazada, herida y con lanza en mano. No hay quien se lo crea. Reseñable también es la presentación de la agresora en la acción, la acertadísima banda sonora, estruendosa por momentos, pero en líneas generales muy bien escogida. Y por supuesto, un perfecto final que da cierre a la obra en oposición al clasista happy end que abunda tanto en el género.

Resumiendo, A l'interieur es la salvajada hecha cine. Dura y dificil de ver, pocas veces una cinta puede herir tanto la sensibilidad del espectador menos acostumbrado a este tipo de obras. Recomendable al 100% para amantes del terror y gore francés, A l'interieur es una sanguinaria propuesta que revolverá los estómagos de todo el que la vea. Impactante, transgresora y brutal. Puntuación: 8 sobre 10.

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Voces inocentes

2008-04-28T10:33:00.000+02:00

Voces Inocentes: narra la historia de Chava (Carlos Padilla), un niño de 11 años que vive en un pequeño poblado en medio de los dos bandos enfrentados en la guerra civil de El Salvador durante la década de los años 80. En los 12 años que duró dicha guerra, el ejército reclutaba a los niños cuando cumplían la temprana edad de 12 años para servir al frente en la lucha contra la guerrilla formada. Chava tiene 11 años, y tristemente ve que más temprano que tarde acabará reclutado como sus amigos, teniendo que abandonar a su familia, compuesta por su madre, y sus encantadores hermanos. El amor fraternal y maternal queda patente en toda la cinta gracias a unas interpretaciones brillantes, y a una deliciosa ambientación y recreación de todo el conflicto armado, dotado de una espectacular puesta en escena pese a tratarse de una producción mexicana con no demasiado presupuesto.

Desgraciadamente, Voces Inocentes es una de esas películas que llegan a nuestro país con un considerable retraso y que tristemente no cuentan con el apoyo de una promoción adecuada capaz de acercar la cinta al público, ni con una distribución suficiente pese a que ha sido galardonada en numerosos festivales, incluyendo entre ellos el de Berlín. En concreto, la cinta de Mandoki llega a España con casi tres años de retraso, una escasa distribución de copias en nuestra cartelera y con apenas unas semanas en los cines; cines de barrio y familiares claro, olvidándose por completo de esas macrosalas destinadas al espectador meramente comercial y que tanto daño le están haciendo al cine más tradicional y lleno de encanto.

Voces Inocentes es de esas cintas que se hallan espontáneamente, sin buscarla; ya sea en un videoclub o bien mirando por Internet, pero en mayor o menor medida, el público se llevará una grata sorpresa, pues nos encontramos antes un drama demoledor. Habla sobre la guerra y la miseria vista desde los ojos de unos pobres niños, sobre la intención sobrehumana de sus personajes en seguir adelante aún con las imposibles adversidades. Puede ser tachada del típico dramón de lágrima fácil (cosa que no dudo), pero el mexicano Luis Mandoki ha conseguido filmar una película fuerte y dura de ver, con una evidente y tremenda propuesta de denuncia social, en la que quedan clarísimas las nocivas consecuencias de la guerra y el conflicto bélico sobre una sociedad pobre pero llevadera, las increíbles fuerzas y ganas de vivir de un niño de apenas 12 años, un niño al que la guerra le arrebata esa inocencia innata y acelera su maduración personal para convertirse en -como citan en la película- el hombre de la casa.

Mandoki, sorprende a todos con una puesta en escena espectacular, y unas escenas de guerra estremecedoras. Escenas durísimas, como la del reclutamiento de niños en un colegio, las ejecuciones infantiles o los tiroteos que sacuden las casas de la población más pobre son dignísimas del cine más hollywoodiense pero con la esencia del cine clásico. Más aún es a destacar la perfecta armonía de las escenas de acción con el escaso presupuesto que tiene la cinta de Mandoki, que pese a todo, a conseguido sacar a la luz una más que respetable obra.

En favor de Voces inocentes, están las estupendas interpretaciones de todos los niños del reparto, donde destaca un sobrio y conmovedor Carlos Padilla como el niño protagonista, así como su hermano pequeño Alejandro Felipe (más conocido como Frijolito) que pese a su escaso dialogo, dota de una gracia especial a su personaje. Todas las actuaciones infantiles están bordadas e interpretadas con una naturalidad apabullante. También cabe destacar la estupenda fotografía que nos acompaña durante todo el visionado, con un brillante uso del primer plano para reflejar emociones y la majestuosidad de los paisajes salvadoreños.

En su contra juega el repetitivo y tono final de mostrar la vida cochambrosa de los habitantes y más concrétamente la de la familia protagonista, así como una cansina reiteración de la estructura narrativa de la cinta. Mandoki aborda una y otra vez el sufrimiento de un niño en la guerra, y la falta de trama que adolece la película nos hace pensar que Mandoki sólo se preocupó de transmitir de la forma más evidente el horror de la violencia en El Salvador, olvidándose por completo de una historia completa que contar. Asimismo, la voz en off de Chava resulta un recurso manido que lo único que intenta es despertar en el espectador la mayor emotividad posible sin conseguir plenamente este objetivo.

Definitivamente, Voces inocentes es una importante producción mexicana de imponente fotografía, puesta en escena y realización, con un claro mensaje de denuncia social a los conflictos olvidados, y al hecho de recordar a nuestras adormecidas conciencias la cantidad de niños obligados a luchar en guerras. Todo un crudo relato duro de ver, una lucha por sobrevivir, por escapar de un sistema abrumador y autoritario, donde los niños son despojados de sus infancias, de su inocencia, de sus familias... Emotiva y conmovedora historia de salvación y redención infantil con un desolador mensaje pero que peca de melodramática en demasiadas ocasiones. Aún así, recomendable. Puntuación: 6 sobre 10.

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Fuera de carta

2008-04-24T11:03:00.004+02:00

Fuera de carta: ¿que haces un sábado por la tarde del mes de Abril? Pues que mejor que irte al cine con tu pareja a evadirte un poco de la realidad, a relajar la mente y de paso todo sea dicho, a zamparte un cubo de palomitas y coca-cola grande. 17:30 horas. Ahí estábamos mi novia y yo, perplejos frente a las taquillas de los cines viendo como se nos iban por tierra nuestras esperanzas de ver Elegy, lo último de la Coixet. Bueno, no pasa nada, veremos Rebobine por favor del rompedor Michel Gondry. Meeeeeck! Tampoco estaba en cartelera. Y es que desgraciadamente el cine más comercial se está imponiendo en favor del cine independiente o con menor distribución, relegando a títulos como Elegy o Rebobine por favor a escasos cines de barrio. Y ahí estábamos los dos, hundidos y viéndonos dentro de 20 minutos en alguna macrosala visionando algún producto megacomercial. Me niego, me niego a dar un euro más a la industria americana de los FX y el estruendo. Antes barro para casa y vemos Fuera de carta, que Javier Cámara no suele defraudar y además le han dado el premio a Mejor actor en la última edición del Festival de Málaga. Total que al poco tiempo estábamos sacando las entradas y de alguna forma, potenciando el cine nacional que tanta falta le hace, mientras algunos pequeños y medianos adolescentes (todos iguales eso si) se debatían entre ir a ver Casi 300, Retratos del más allá, 10.000 o Jumper por citar sólo unas pocas. En fin..., todos hemos sido adolescentes.

Bueno y tras este ladrillo comentaré a grandes rasgos lo que me ha parecido la cinta del novato realizador y ex-guionista de 7 Vidas y Aída, Nacho G. Velilla. Pues me ha parecido eso, un capitulo largo de Aída o 7 vidas visto en pantalla grande. Aunque a grandes rasgos destaco la soltura con la que se mueve el novel director dentro del mundo del celuloide. Tras ver el trailer de Fuera de carta en ¿Juno? creo, no me esperaba gran cosa de esta producción española con cierto regusto a las comedias del destape de los 70 y 80, y pensaba que la mayoría de los mejores gags o chistes estarían incluidos en dicho trailer (como el del enfermero mariquita que es despedido del banco de semen; si queréis saber porque ir a verla o seguir leyendo). Pero cual fue mi sorpresa que esto no sucede así del todo; es decir, gran parte de la simpatía y mala leche de la película se conserva durante todo el visionado de esta gracias a la inclusión de chistes y gracietas bien resueltas que mantienen un tono visual rápido y fresco.

La principal baza de Fuera de carta recae en el trato de la homosexualidad desde una perspectiva desenfada de la comedia con resultados de sensibilidad, humanismo y una ironía que pueden hacer sonreír a todo el mundo. Aunque parezca increíble la película no peca de frívola y superficial. El uso de palabras malsonantes es moderado, y tampoco hay un abuso de chistes de risa fácil. Se mueve más en el terreno del humor sutil y la ironía, dotándola de cierta elegancia, en un marco agradable y fácil de ver.

En cuanto al trabajo de los actores de Fuera de carta, recalcar que están sencillamente perfectos. Por encima de todos ellos destaca un inmenso Javier Cámara, resultando ingenioso y oportuno a partes iguales. Me ha encantado su papel de gay moderno que lleva un restaurante de alta cocina y que no se entiende con sus hijos, los cuales tiene que cuidar por obligación. Una vez más, Javier Cámara demuestra que se mueve como pez en el agua provocando la risa de la gente, y dominando como pocos el género de la comedia.
El que me ha sorprendido bastante y gratamente ha sido Fernando Tejero, quien, aunque todavía no consigue desprenderse de su personaje como portero de Aquí no hay quien viva, mantiene una gracia natural en su papel en Fuera de carta, el cual interpreta prácticamente desde la innata naturalidad que emana el actor. Por fin vemos al Tejero gracioso que vimos en Días de fútbol y no al estereotipo de El penalti más largo del mundo o Días de cine.
Destacar también el sonoro y sorprendente cambio de registro que adopta la actriz Lola Dueñas como mujer fatal, histérica, desinhibida y loca por los hombres. Aunque no me terminó de convencer su personaje, me gustaron algunas de sus divertidas apariciones llenas de enredos y salidas de tono brillantes.

En resumen, Fuera de carta es la típica comedia española (bastante superior a la media) bien resuelta con la que echar carcajadas durante poco más de 90 minutos. Con la estética de serie nacional, el director Nacho García Velilla nos muestra una comedia coral que tiene como tema central la homosexualidad. Ante todo, Fuera de carta es una crítica social que se mueve entre la ironía y la comedia. El resultado final es una comedia costumbrista y de la calle. Diálogos cercanos con ingeniosas frases, bromas verbales y gags acompañados por situaciones ridículas arrancan más de una carcajada. A pesar de su previsible trama argumental, con su final feliz y todo, el film no llega a decaer en ningún momento. Puntuación: 6,5 sobre 10.

Por cierto, al enfermero gay que trabajaba en el banco de semen lo despidieron por beber en el trabajo ;)

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La soledad

2008-04-21T10:01:00.003+02:00

La soledad: boquiabierto y maravillado estaba ya a los 20 minutos de ponerme a ver esta genuina obra de mi tocayo Jaime Rosales. Y es que, creo que es la primera película que veo en la que no existen movimientos de cámara. En los 125 minutos de metraje que tiene La soledad, el plano permanece inalterable, sin ningún tipo de movimiento o leve travelling. El movimiento de cámara es nulo, pues está rodada de forma estática y toda la acción se desarrolla con infinidad de planos fijos. La soledad utiliza un lenguaje muy concreto, basado en la transmisión de emociones y sentimientos de forma codificada, utilizando el pasado como referente y no como mera copia, como se hace actualmente. Es apabullante la calidad fílmica que rebosa está cinta de Jaime Rosales. Desde luego no es una obra apta para todo tipo de público ni mucho menos; de hecho la gran masa de espectadores la rechazará al poco tiempo de estar viéndola.

Es una película para sentir y para ver; más que ver, para observar detenidamente y captar la esencia del director, pues es una película de detalles. Es un cine al que no estamos acostumbrados, por lo menos un servidor, y que rompe todos los esquemas del lenguaje fílmico y clímax narrativo. Utilizando el ya archiconocido por todos concepto de polivisión, el realizador sella una intimista obra llena de una labor técnica impecable. Y es que Jaime Rosales es un tipo corriente y buena muestra de ello lo demostró recogiendo el premio de Mejor director en la última gala de los premios Goya. Rosales defiende un tipo de cine muy concreto del que se considera un mero artista independiente, huyendo de millonarios presupuestos, estrenos multitudinarios en la Gran Vía de Madrid y de caras famosas.

Gracias a él, muchos director se reinvidicarán a la industria, productores y distribuidores; trabajando activamente al margen del sistema y buscando sus objetivos cinematográficos. El cine tan personal de Jaime Rosales nos debería cambia nuestra forma de ver el cine, de entenderlo, de amarlo y de sentirlo. Orgullosos tendríamos que estar de tener en nuestras filas un director como él, reivindicativo y con un gran talento. No puedo evitar sacar paralelismos con el mismísimo Michael Haneke, Lars Von Trier o David Lynch. Todos ellos son rompedores en la época en la que hacen cine y generalmente nulamente aceptados por el borreguismo de este país. Y es que el tedio y la rutina que pueda generar La soledad es algo muy difícil de digerir para el espectador medio o gran público, excesivamente adoctrinado en las pautas de introducción-nudo-desenlace y que rechaza cualquier cosa que rompa estos esquemas; sus esquemas.

La soledad destaca principalmente por tres cosas: la apabullante hiperrealidad que refleja, la grandiosa actuación de todo el reparto y el concepto de polivisión. Pero vayamos por partes. Hablar de realidad en el cine de hoy en día es muy difícil, pues estamos acostumbrados a un tipo de cine muy concreto, efectista y engañoso. Un cine repetitivo, manido e imitativo hasta la máxima potencia. Pero en La soledad asistiremos y compartiremos la vida de dos mujeres, dos mujeres de barrio, con sus respectivas familias y problemas. Más que realidad, podríamos hablar de situaciones cotidianas, conversaciones banales y la vida del día a día. Estamos hablando de un costumbrismo hiperrealista capaz de narrar con interés unas existencias tan corrientes como las de cualquiera de nosotros.

Del reparto de La soledad sobran las palabras. Destacar la excelente labor de casting y dirección de actores que se ha llevado a cabo en La soledad. Tanto Sonia Almarcha como Petra Martínez bordan sus difíciles y complejos papeles, regalándonos ambas unas de las mejores interpretaciones de 2007 (con permiso de mi querido Alberto San Juan en Bajo las estrellas). Lo que no termino de entender muy bien es el premio de Mejor actor revelación para José Luis Torrijo en la última edición de los premios Goya. Confirmo que desde luego resuelve notablemente su trabajo en la cinta de Rosales, pero me parece insuficiente el papel que desempeña en dicha cinta, llegando a cubrir apenas una hoja de guión.

Por último me gustaría hablar un poco del concepto de la famosa polivisión de Rosales. Personalmente, es la primera vez que observo este recurso en el mundo del celuloide, y me parece todo un acierto el haberlo utilizado en esta obra. La polivisión es una llamativa división de la pantalla que muestra dos puntos distintos de cada escena de forma simultánea. A veces se trata de dos ángulos sobre un mismo espacio (por ejemplo la cocina de una casa vista desde dos posiciones distintas). Otras, una visión simultánea sobre dos fragmentos de un espacio escénico más amplio (por ejemplo, el comedor y el salón de un apartamento sobre el que los personajes vienen y van). Con esta técnica, el realizador consigue introducir al espectador plenamente consciente en la intimidad de los personajes, sensación aún más acentuada cuando el espectáculo que ofrece es visualmente tan parecido a la vida real. Este mecanismo de hiperrealidad se incrementa aún más si cabe con la ausencia de banda sonora, siendo los únicos efectos sonoros que escucharemos el tráfico de Madrid, la lluvia, voces de la calle o los pájaros del parque.

En definitiva, La soledad sobresale con la nota de obra maestra frente a la media de productos nacionales que se hacen hoy por hoy en España. En un futuro no muy lejano, Jaime Rosales se convertirá en todo un referente del cine europeo a poco que consiga realizar otra obra como su último trabajo. La soledad habla de muchas cosas, pero sobretodo habla de realidad con emoción y mucha inteligencia. Y por fin esta inteligencia fue premiada en la gala de los premios Goya. Por fin el cine ganó a la industria. Por fin las ideas creativas ganaron al dinero. La Academia cinematográfica eligió como ganadora un tipo de cine distinto, una alternativa a la imitación, a lo repetitivo y a la no reflexión. Me gusta estar del lado de La soledad, del lado de los que amamos el cine y su concepción como obra de arte, y en contra de la gran mayoría, pues una vez más La soledad demuestra que la mayoría, en general, siempre se equivoca. Puntuación: 8 sobre 10.

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Star Wars: Clone Wars. Trailer.

2008-04-17T11:18:00.007+02:00

Star Wars: Clone Wars es la primera en casi todo. Es la primera secuela en estrenarse desde el 2005 tras el ‘Episodio III’, es el primer film en animación de la saga, es la primera en no ser distribuida por la Fox (esta vez será la Warner), y es la primera en no estrenarse un mes de Mayo: lo hará el 15 de Agosto en los USA.

En tecnología 3D, y muy alejada del tratamiento que Genndy Tartakovski (Samurai Jack) le dio a la serie de la Cartoon Network hace 4 años, la película sitúa las aventuras de Anakin y Obi-Wan entre el ‘Episodio II’ y el ‘Episodio III’, con la aparición de Ahsoka Tano, la primera aprendiz femenina de Anakin, y el rescate del hijo de Jabba el Hutt.

El film, que se estrenará el 29 de Agosto en España, dará paso a la serie que la Cartoon Network prepara para el otoño del 2008. De momento para los fans de la saga el trailer los deja con la miel en los labios.

Personalmente creo que no está mal, aunque se podría haber mejorado la calidad de los dibujos. Parecen demasiado infantiles.

Star Wars The Clone Wars - Trailer

Fuente: TuBlogDeCine

Quarantine, trailer y preview del remake de REC

2008-04-16T18:02:00.007+02:00

Ya podemos ver aquí el primer trailer de Quarantine, el remake americano de nuestra querida [REC], la brillante película de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Resulta sorprendente el mero calco que han hecho de la versión española, pues las escenas son exactamente igual, fotograma por fotograma, y prácticamente no existe ni la más mínima variación sobre el material original. Incluso, atención, se permiten el lujo de incluir EN EL MISMO TRAILER la última escena y que da el cierre a la cinta, destrozando cualquier tipo de emoción o sorpresa final. Me parece lamentable que esta secuencia se incluya en el trailer final de Quarantine.

En Quarantine se cambia L'Eixample barcelonés por unos apartamentos de Los Ángeles, el cuerpo nacional de bomberos y la policía local por los marines yankees. El resto es una mera copia plano por plano de la original (por lo menos en lo visto en el trailer) como ya hiciera en su día Gus Van Sant con Psycho; estrepitoso fracaso en el remake de Psicosis del maestro Hitchcock.

Quarantine Trailer

Ahora sólo falta que Quarantine se convirtiese en un bombazo taquillero que hiciera olvidar al film original. El remake ha sido dirigido por el desconocido hasta ahora John Erick Dowdle, y en el papel de la reportera de televisión han puesto a Jennifer Carpenter, la cual ha obtenido cierta fama por dar vida a la hermana de Dexter (serie de televisión sobre un asesino en serie). Además de la reportera, completan el reparto Columbus Short, Jay Hernandez y Johnathon Schaech.

Quarantine se estrenará en los USA el próximo 17 de Octubre.

Si alguien tiene problemas para ver el video aquí tenéis un enlace alternativo.

La vida de los otros

2008-04-14T11:45:00.001+02:00

La vida de los otros: excelente film alemán que recrea a la perfección una parte muy importante y todavía viva para algunos de la historia contemporánea de Alemania. La vida de los otros supuso el debut como guionista y director de Florian Henckel von Donnersmarck, y se convirtió en la ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera en 2007. Además del reconocimiento en los premios de cine americanos, fue galardonada con siete premios Deutscher Filmpreis (Premios del cine alemán) y fue candidata para los Globos de Oro en la Categoría de Película extranjera.

La vida de los otros narra la historia de Gerd Wiesler, un capitán de la Stasi, la policía secreta de la RDA (Republica Democrática Alemana). Un buen día, recibe la misión de espiar y observar a un matrimonio joven con diversas sospechas de posibles traidores a la patria.

Brillantemente narrada, La vida de los otros supone un fascinante y cautivador relato de la difícil misión del capitán Wiesler, que poco a poco verá afectada su vida y sus ideales de una forma verdaderamente drástica, llegando a cuestionarse muchas cosas sobre su organización. Con un guión sólido que no cojea en ningún momento, se convierte en una de las mejores apuestas de 2006, y en una película donde todos los elementos expuestos funcionan como el engranaje de un reloj, tocando momentos de tensión, romance, suspense e incluso comedia. Sabe elegir el tono perfecto en cada secuencia; resultando todo un logro para un director novel.

El pulso narrativo que se imprime en La vida de los otros es calculador y sobrecogedor, jugando con la doble moral del personaje hasta límites insospechados, llegando a causar un dilema moral no sólo en el capitán Wiesler (traición o corazón), sino en el propio espectador. El guión se escribe de forma matemática, donde cada cosa llega a su debido tiempo, sin precipitarse en ningún momento, de forma sutil y a la vez realmente efectiva; nada se provoca apresuradamente ni de forma artificiosa. Nos encontramos ante una cinta visualmente bellísima, a pesar de la oscura y apagada fotografía que se aprecia durante todo su visionado, logrando equilibrar los tonos con la emoción del fotograma.

En cuanto a los personajes, destacar un perfecto y sobrio Ulrich Mühe que no brinda una estelar actuación como capitán de la Stasi llena de infinita sutileza y virtuosismo. Transmite todo lo que tiene que transmitir, ese ahogamiento y desasosiego de su personaje queda reflejado de forma brillante en su perdida mirada y austera figura. Ulrich Mühe cierra una interpretación extremadamente difícil dada la complejidad del personaje, destacando la contención de emociones en diversas escenas. Su silencio resulta de lo más abrumador, e irónicamente charlatán, ya que transmite emociones por doquier.

A destacar el excelente final que da cierre a la cinta, y que de forma implícita está lleno se sentimientos. Personalmente me ha encantado, y menos mal que no acabó como todo el mundo creía cayendo en la lágrima fácil. La belleza y emotividad del rostro y de las palabras de la última escena es innegable e impagable.

En resumen, brillante producción alemana que se sustenta principalmente en un perfecto y calculado guión y en la potente y virtuosa interpretación de su personaje principal. Inteligente, honesta, y sencillamente soberbia, La vida de los otros se convertirá con el paso del tiempo en un film clave en nuestra particular videoteca -si no lo es ya. Puntuación: 8 sobre 10.

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El caníbal de Rothenburg

2008-04-10T11:38:00.002+02:00

El caníbal de Rothenburg: lo cierto es que no esperaba mucho de esta producción alemana con cierto regustillo a telefilme de Antena 3 los sábados por la tarde, pero que menos que un mínimo de estructura narrativa sólida acompañada de una lograda estética. Pues ni eso señores, ya que resulta una vergonzante propuesta con su -eso si- previo calificativo de "Basado en hechos reales", cosa que no dudo ya que realmente la historia que cuenta ocurrió en Alemania hace unos años. Aunque eso si, la coletilla anteriormente citada, da cierta solidez a los hechos narrados, creando una sensación de realidad aceptable e implicándote mínimamente con la cinta y sus personajes.

Pues bien, la sinopsis creo que es de sobra conocida por todos. Una universitaria alemana a punto de graduarse investiga para un trabajo el célebre caso del caníbal de Rothenburg, Oliver Hartwin, que asombró y horripiló a la opinión pública del mundo entero. Hartwin puso un anuncio en internet, por medio del cual conoció a un hombre, Simon Grombeck, que libremente quiso ser devorado por Hartwin. Poco a poco, la investigación de la joven se convierte en una peligrosa obsesión. Está inspirada en un caso real: el de Armin Meiwes quien fue condenado en enero de 2004 a ocho años y medio de prisión por la Audiencia Provincial de Kassel por homicidio, tras confesar haber matado al berlinés Bernd Jürgen Brandes, de 43 años.

Hasta aquí partimos de una premisa interesante, cosa que me impulso a ver esta cinta prohibida en Alemania pocos días antes de su estreno. Desgraciadamente se queda en eso, en una simple intención muy mal resulta por parte de su director Martin Weisz, especialista en rodajes de videoclips MTV'eros. Quiero creer que el realizador iba encaminado a rodar un truculento film sobre uno de los criminales más patológicos de la historia, pero finalmente acabó resultando un quiero y no puedo.

Para empezar podemos distinguir dos partes claramente diferenciadas en la película. Durante los primeros 40 asistiremos al festival de los flashbacks (a razón de 3 cada 10 minutos), cosa que me parecería aceptable siempre y cuando aporten un mínimo de interés o sentido a la historia. De alguna forma, la misión de introducir estos flashbacks es crear una especie de justificación a los actos del caníbal; pues vemos la traumática y perturbadora infancia sufrida por dicho caníbal. Otro de los objetivos de estos flashbacks sería el mostrar como transforma su personalidad de niño a adulto y como le resulta imposible aceptar nunca la muerte de su madre. Total, que ni por un lado ni por otro encuentro interesante esta primera parte de la cinta, pues cae reiteradamente en un aburrimiento total muy difícilmente soportable. Además, comentar lo vergonzante de las escenas en la infancia de ambos protagonistas, con ese filtro de película envejecida y en tonos sepia, que resulta un insulto para cualquier director de fotografía con una mínima experiencia en su campo. Insultante de todas todas.

En la segunda parte de la película, se nos muestra la vida adulta del caníbal, su vida profesional (haciendo él mismo la comida de una jornada laboral con por supuesto carne humana) y ¿su vida personal? por llamarlo de alguna forma. A partir de aquí comienza digamos, la parte menos mala de la cinta, tanto por la relación que mantienen asesino y victima como por la más o menos lograda estética lúgubre y aústera. El modo en que el director cuenta la historia y la atmósfera general que envuelve el filme está bien resuelto, resultando húmeda y opresiva.

En teoría, es una película de terror aunque supuestamente inspirada en un acto de amor. Un acto de amor y de mutua acuerdo entre los dos protagonistas, en el que uno quiere comer y el otro quiere ser comido. Quiere resultar un thriller psicológico planteando una angustia terrible al espectador y se queda en un mero telefilme donde lo único reseñable es su corta duración.

Me permito el lujo de avisar a aquellos que, como yo, esperen un festival gore que se abstengan de ver esta cinta, pues a parte de que prácticamente no hay violencia -hasta los últimos 10 minutos- la violencia que se muestra es implícita; es decir, no se muestra abiertamente. Esto puede ser muy peligroso porque puede salirte bien (Hard Candy) o puede salirte muy mal (El caníbal de Rothenburg).

Pese a todo, esta película debió gustar bastante (y no me explico el porqué) puesto que fue bien recibida en varios festivales de cine y que cuenta en su haber particular con varios premios entre los que destacan los de mejor actor, mejor fotografía y mejor dirección en el Festival de Sitges.

En resumen, El caníbal de Rothenburg me ha parecido realmente aberrante. Lenta, aburrida y de una factura muy irregular. Lo mejor son sus escasos 85 minutos de duración (menos mal) y su estética de cara al final de la cinta. Los actores justitos, cumplen con su papel pero sin sobresalir. Se podía haber logrado mucho más con este planteamiento. Una lástima. Mi recomendación es alejarse de ella salvo problemas de insomnio. Puntuación: 2 sobre 10.

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Monsieur Verdoux

2008-04-07T12:07:00.001+02:00

Monsieur Verdoux: una de las películas más atípicas de la obra chapliniana es sin duda la que hoy nos ocupa. Y es que resulta cuanto menos inquietante ver a Charles Chaplin haciendo las veces de asesino en serie de maduras señoras adineradas. El gran logro de Chaplin en Monsieur Verdoux reside en dotar a su personaje de esa malvada actitud y al mismo tiempo conseguir que se marque una sonrisa en el rostro del espectador. Una vez más, Charles Chaplin muestra como un actor de comedia, puede interpretar a un delincuente que guarda el carisma y simpatía que siempre ha caracterizado al inmortal personaje de Charlot.

En esta obra de humor negrísimo y muy adelantada a la época en que se realizó, Chaplin aborda el tema de la muerte y los asesinatos desde un punto de vista cómico, sutil y mordaz, pero que la gente de 1948 no estaba preparada para asumir. Aún así, el mismo Chaplin, consideraba Monsieur Verdoux como el film más brillante de su carrera. Esta cinta de Chaplin está basada en el personaje real, Henry Landrú (1869-1922), condenado a la guillotina por el asesinato de diez mujeres. Esta idea surgió del joven talentoso Orson Welles para un documental novelado, pero más tarde, Chaplin la usaría en la que hoy conocemos como Monsieur Verdoux incluyendo el nombre de Orson Welles en los títulos de crédito.

En la película, Henri Verdoux (Charles Chaplin) está casado y con un hijo, pero para mantenerlos, posee una doble vida y se dedica a casarse bajo identidades falsas con viudas ricas, de las que se deshace para apoderarse de toda su fortuna, y con este dinero viven él y su familia hasta que se agota y vuelve a la búsqueda de otra víctima.

Charles Chaplin dio un giro total con respecto a las comedias alegres y sentimentales que le caracterizaban a él y a su cine, y rodó esta sublime comedia negra. Su personaje es una mezcla paradójica entre la bondad y lo despiadado, pues en una escena, un hombre está podando sus rosales y evita pisar una oruga, mientras al fondo del jardín está incinerando en un horno los trozos de una de sus víctimas. El argumento está lleno de humor diabólico, una amarga sátira y una violenta crítica social. Se palpa durante toda la cinta esa doble dualidad moral que pondrá en entredicho al espectador.

Lo que más sorprende de Monsieur Verdoux respecto a las cintas anteriores de la filmografía de Chaplin, es que la factura ya no procede básicamente del cine mudo. Es la continuación de la estructura narrativa expuesta en El gran dictador, donde existía una alternancia entre discursos y escenas mudas. En Monsieur Verdoux se procede a una conversión total hacia la película sonora y hablada, abandonando completamente los orígenes del cine de Chaplin.

Desgraciadamente, Monsieur Verdoux supuso el inicio de la última y más triste etapa de Chaplin en EEUU, país que abandonaría en 1952. Chaplin no era un enemigo acérrimo de EEUU, pero en el papel de Monsieur Verdoux (hablando él mismo en boca de su personaje, Henri Verdoux) fue indudablemente un crítico... en una sociedad que no aceptaba ninguna crítica.

En su comedia negrísima, trata el tema de la muerte como algo natural, e incluso hilarante. Monsieur Verdoux pasó sin pena ni gloria por las taquillas americanas, aunque más tarde se le concedería el reconocimiento que bien merece esta obra chapliniana; un clásico muy especial. Pero el público de 1948 no estaba preparado para contemplar la muerte cara a cara y salir del cine airoso y con una mueca en el rostro. Hoy en día, sin embargo, Monsieur Verdoux está consideraba como una comedia negra genial y figura entre los mejores trabajos de Chaplin, pese a la ausencia de su emblemático personaje, Charlot.

Y es que hay muy poco del inmortal Charlot en Monsier Verdoux, pero eso no quita que se mantengan inalterables algunos de sus tics, costumbres y movimientos tan característicos, dotando al personaje principal, Henri Verdoux, de toda la comicidad y bondad que emana el carismático Charlot. Estos tics están presentes en la escena de la barca con Anabelle y mientras se esconde en su propia boda. Personalmente, creo que en el fondo Charles Chaplin nunca consiguió desprenderse del todo de su Charlot, ni en Monsieur Verdoux ni en cintas posteriores. Siempre quedará algo de Charlot en Chaplin, pues es algo innato y fabuloso de su personalidad. Puntuación: 8 sobre 10.

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Blow

2008-04-04T10:55:00.002+02:00

Blow: desde que vi Blow quedé cautivado. Cautivado y embaucado por la estremecedora historia real de George Jung, un hombre que lo tenía todo y al mismo tiempo no tenía nada, un hombre en medio de una espiral de poder, dinero, mujeres, traición y oro blanco, mucho oro blanco.

Hace ya tiempo que vengo queriendo escribir una crítica de la que ha sido durante mucho tiempo una de mis películas preferidas y que sin duda está dentro de mi Top 5 de favoritas (que no obras maestras) junto a La Naranja Mecánica (esta si que es obra maestra), Amanecer de los muertos, Los amantes del circulo polar y El club de la lucha. Por cierto, hay que ver lo difícil que es hacer un Top 5 de películas favoritas madre mía, no quiero imaginar tener que hacer un Top 3. Aclarar que son mis preferidas y en ningún caso las considero obras maestras salvo la cinta de Kubrick. Si tuviera que hacer un Top 5 de obras maestras supongo que elegiría: Casablanca, Con faldas y a lo loco, Los 400 golpes, Tiempos modernos y Vértigo.

Pero volvamos a lo que nos ocupa, esto es, la obra del fallecido misteriosamente Ted Demme, Blow. Desde luego para mi, es una cinta como la copa de un pino a la que no le falta ni sobra ni un detalle. Y es que desde el primer fotograma nos damos cuenta de que estamos ante un film diferente, un film con "algo", un film especial que injustamente está muy olvidado en la mente de muchos cinéfilos, pero que con el tiempo -como el buen vino- alcanzará cotas muy elevadas de calidad, y por supuesto la mención que se merece dentro del séptimo arte.

Blow es una cinta que bebe mucho del mundo de Scorsese, con unas directrices muy claras y explicitas influencias del cine del bueno de Martin. Dirigida por Ted Demme, autor de la fantástica Bautiful girls, y escrita por el titubeante Nick Cassavetes y David MacKenna (guionista de American History X), Blow está basada en una historia real y cuenta la historia de George Jung, Pablo Escobar, Carlos Lehder y el Cartel de Medellín de Colombia (organización delictiva más importante dedicada al tráfico de cocaína). Los guionistas crearon el guión para la película a partir del libro publicado en 1993 por Bruce Porter llamado "Blow: How a Small-Town Boy Made $100 Million With the Medellin Cocaine Cartel and Lost It All" (Esnifa: De como un pequeño muchacho de pueblo hizo $100 millones con el Cartel de Medellín y de como lo perdió todo).

Blow nos desvela la estremecedora historia real de George Jung, el primer americano en crear un modelo de negocio de importación de cocaína a gran escala, su ascenso, propiciado por la avaricia y persecución del sueño americano; y su caída, desencadenada por múltiples errores y traiciones de amigos y familiares (vaya zorra la madre). La historia de un hombre, un tipo corriente, que invirtió todo su ingenio, ambición y pericia en un empeño que finalmente perdió por su codicia materialista.

El filme expone el lado más oscuro del glamour de los años 70 y 80, donde no todo era dinero, mujeres y poder. A través de un meticuloso examen de ese mundo de contrabando, de negociaciones implacables, de ejecuciones brutales, de grandes operaciones de blanqueo de dinero, Blow nos propone un viaje al lado de Jung, donde asistiremos impasibles a toda la desdicha de su personaje, a sus alegrías y tristezas, a sus esperanzas y miedos, a su ascenso al poder y su posterior e inevitable descenso a los infiernos. Porque al fin y al cabo, George Jung fue -y sigue siendo- un hombre leal, un hombre consecuente con sus ideales, capaz de luchar con todo para salvar aquello que mas quería, su familia; pero que acabó en una encrucijada formada por el dinero y el preciado polvo blanco.

Blow es de desarrollo ágil, rápido y eficaz. El pulso narrativo es el correcto, acelerado para no caer en la rutina y el aburrimiento. La presentación de los -múltiples- personajes está acorde con el ritmo y la veracidad de los hechos (pues no veremos a Pe hasta pasada casi una hora de metraje). Ted Demme no juzga ni analiza, simplemente desnuda la historia de Jung. No está aquí para dar discursos sobre las drogas (y menos él que murió en extrañas circunstancias) sino más bien para retratar en forma de fotograma el sueño americano. El realizador destripa todo los entresijos de una vida donde las traiciones y el miedo están a la orden del día, y los falsos sentimientos juegan un papel importante en todo esto.

La construcción de los personajes en Blow resulta magistral. Todos están perfectamente retratados e hilvanados, conformando una conjunto coral con multitud de personalidades. Tenemos pues el carácter fiel de su amigo, el contacto afeminado con el que empieza en el mundo de la hierba, la bondad de su primera esposa, el padre trabajador y honrado capaz de perdonar a su hijo en infinidad de ocasiones, la madre egoísta que sólo le importa la opinión del vecindario, su compañero de celda que más tarde le traicionaría, el capo Escobar sin escrúpulos, su actual mujer enganchada al poder y a la cocaína, su inocente hija que únicamente busca el consuelo y el amor de un padre etc.

Y por encima de todos ellos destaca un soberbio Johnny Depp. Un Depp que compone un sobresaliente personaje lleno de matices y personalidad. Un Depp capaz de insinuar con una mirada toda la profundidad de un personaje tan complejo y ambiguo como lo es George Jung. Junto a Johnny Depp destaca un impresionante Jordi Mollá como Delgado. Resulta apabullante la interpretación de un Mollá en estado de gracia, quizá un poco sobreactuado, pero que dota de toda la fuerza e intensidad necesaria a su personaje (impresionante la escena donde Depp descubre la traición de Mollá en la isla). Jordi Mollá retrata un personaje delirante, lleno de altibajos y donde gran parte de su eficacia reside en la expresividad de sus ojos. Ambos construyen una realidad interpretativa impagable, donde el duelo se resuelve en favor de un Depp soberbio. Por su parte, Penélope Cruz está carente de emotividad. Construye un personaje demasiado artificial y neurótico, lleno de gritos e histeria. Se dedica a vagar por arriba y abajo dando muestras de su escasa convicción en el trabajo y estropeando lo que podría haber sido una de sus mejores papeles como actriz. No me convence en absoluto; de hecho es la nota más negativa para un film redondo. Sus ganas de dar el gran salto en Hollywood la llevan a interpretar de una manera tosca y engañosa.

Por lo que respecta al apartado técnico destaca una potente banda sonora que sin duda es el complemente ideal para este tipo de cintas. La gran elección de la música que acompaña al film es una de las bazas más importantes que tiene Blow en su haber. Mención especial merece la dirección artística, de vestuario y maquillaje, pues vemos como durante dos décadas, Depp se marca diferentes modelitos horteras y que tan bien quedan en cintas de estas características (véase, Scarface o Casino).

Resumiendo, Blow es una gran película injustamente olvidada por la crítica y el gran publico. No llego a entender como una cinta con tantísimas cosas buenas haya pasado casi desapercibida. Tal vez nunca se convertirá en Uno de los nuestros o Scarface, pero creo que merece un mayor reconocimiento cinematográfico. Puntuación: 9 sobre 10.

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Una historia verdadera

2008-04-01T13:34:00.000+02:00

Una historia verdadera: cuanto menos, el adjetivo diferente es el que mejor define la cinta de David Lynch. Con esta película, Lynch nos descubre su lado menos turbulento y obsesivo, pues tenemos delante una obra sencilla, bien narrada y sin enredos que te atrapa desde el primer fotograma. Y es que en Una historia verdadera asistimos a una visión de Lynch totalmente distinta de las que nos tiene acostumbrados, asistimos a un Lynch "normal" y "ordenado" pues su película es una extravagancia en su filmografía y todo un homenaje al cine más clásico de John Ford.

Resulta complicado resaltar una cinta de Lynch en la que se nos plantee la estructura narrativa básica; esto es planteamiento, nudo y desenlace. Pues contra todo pronóstico, David Lynch firmó en 1999 su obra más coherente y racional. Toda una declaración de intenciones para nuestros sentimientos más profundos, una preciosa maravilla en forma de película; toda una lección de cine. Rodada sin ningún tipo de alarde ni pretensión, con unos medios y una factura de lo más convencional, David Lynch nos presenta una historia de soledades y encuentros, de alegrías y tristezas, de testarudez y valentía de un ser humano.

Creo que es sin duda la película más sencilla que ha dirigido, y no por ello -ni mucho menos- la peor. Dificultad no siempre implica virtuosismo, y ello se hace patente una vez más en Una historia verdadera. La sencillez hecha película puede convertirse en una maravilla. La sencillez de Una historia verdadera, en la compleja mente de David Lynch.

Alvin Straight es un hombre de 73 años, que tras 10 años sin hablarse con su hermano, decide ir a visitarlo tras el infarto sufrido. Con varios achaques a las espaldas y la vista y la cadera casi destrozada, resulta imposible realizar el viaje en coche, y para colmo no hay ningún autobús que lleve directo al pueblo de Minesota donde vive su hermano. Así que Alvin decide montarse en su cortacésped y realizar los más de 500 kilómetros en él.

Queda patente durante su visionado, la perseverancia y constancia del viejo Alvin, el cual está decidido a acabar su viaje como lo empezó. Al frente de la obra de Lynch, encontramos a u veteranísimo Richard Farnsworth nominado al Oscar (y no es para menos) por su actuación. Lynch nos presenta un hombre que no tiene prisa por recorrer su camino; únicamente tiene ganas de acabarlo como lo empezó, en su cortacésped. Su historia es su camino, si bien no importa tanto el origen y el destino como el trayecto en si; un camino de reflexión sobre lo que le ha tocado vivir. Richard Farnsworth está acompañado en el reparto de una Sissy Spacek en decadencia tras su única joya (Carrie), y de un buen puñado de actores secundarios escogidos a la perfección.

Destacar la labor del músico y colaborador incondicional de Lynch, Angelo Baladamenti, y la fotografía de Freddie Francis. Ambos con su trabajo, consiguen elevar el apartado técnico y visual de Una historia verdadera hasta la cota de maestría. La cinta ofrece la agradable sensación de llenar, no sólo la pantalla, sino al público mismo a base de reflexiones y lecciones de la vida.

Una historia verdadera es una impagable, profunda y conmovedora historia de sentimientos y superación humana. Con un actor protagonista en estado de gracia, una fotografía brillante de la América del medio Oeste y una música electrizante y memorable, la obra de Lynch se convierte en toda una lección de cine de un clasicismo apabullante. Personalmente, prefiero al Lynch misterioso, poético, onírico y embaucador de Mulholland Drive, Twin Peaks, El hombre elefante y Terciopelo azul. Aún así, chapeau David por tu cinta más "normal". Puntuación: 7,5 sobre 10.

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La piel dura

2008-03-28T11:04:00.002+01:00

La piel dura: que gran director es François Truffaut. Como sabe reflejar la psicología de sus personajes, como retrata de una forma natural y cotidiana la problemática infantil, como maneja a su antojo las relaciones niño-adulto y como dota de vida todas sus películas. La piel dura es una reflexión moral en forma de cinta, una pequeña joya olvidada del cine de Truffaut. Una película que habla de muchas cosas, pero en concreto centra toda su atención en mostrar como las actitudes de los adultos acaban afectando a los niños. Y es que el mundo de los niños ha sido una de las grandes fuentes de inspiración del realizador francés, siempre muy implicado con sus proyectos, pues casi siempre hay algo de autobiográfico en ellos (en este caso el personaje de Julián tiene algo del mismo Truffaut, como su pasión por el cine).

François Truffaut culmina con La piel dura, la trilogía sobre la infancia y la adolescencia iniciada allá por 1959 con su ópera prima y obra maestra absoluta del celuloide, Los 400 golpes y El pequeño salvaje en 1969. A diferencia de estas dos obras, en La piel dura el director francés se muestra más optimista que nunca reflejando en cada niño una reacción positiva y un esperanzador futuro; hace un entrañable y redondo retrato de la infancia. Como en Los 400 golpes, asistimos a una visión coral de niños, adultos y profesores, indagando en las relaciones interpersonales, actitudes, miedos e ilusiones. Truffaut describe los sentimientos humanos con un perfecto equilibrio entre drama y comedia, con las alegrías y desdichas de la infancia como telón de fondo.

En La piel dura, se narra de una forma coral las experiencias de un grupo de niños, de diferentes edades y situaciones familiares, todos ellos de la pequeña ciudad de Thiers, Francia. Patrick vive con su padre inválido, tan sólo quiere encontrar el amor y pronto recibirá su primer beso. Julien vive en un hogar desbaratado, su madre, alcohólica, lo maltrata, el director del colegio lo califica de "caso especial" y termina convertido en ladrón, mentiroso y delincuente. Alrededor de estos dos personajes gira la vida de otros tantos niños, de los que se irán conociendo sus historias. Inevitablemente, La piel dura nos remite directamente a lo expuesto en su obra maestra, Los 400 golpes. Y es que toda la esencia de Los 400 golpes permanece intacta en esta cinta. El adoctrinamiento escolar, la relación padres-niños, el surgimiento del amor o la idea de libertad quedan reflejadas de una manera cotidiana en La piel dura.

A modo de obra coral, Truffaut va desgranando poco a poco la personalidad psicológica de cada niño, su ingenio, su inocencia, su vulnerabilidad, su fuerza y su bondad. Todo ello queda reflejado de forma magistral en la cinta que nos ocupa, dotando a esta deliciosa historia, toda la ternura que emanan al fin y al cabo los niños. Entrañable es el relato que construye el realizador francés alrededor del grupo de niños protagonistas, donde destaca la pasmosa naturalidad con la que actúan frente a la cámara. Destacar la brillantez con la que Truffaut resuelve el fin de curso escolar a través del monólogo del profesor y como enfatiza en sus alumnos la difícil tarea de madurar y abandonar la infancia para convertirse en adulto. También cabe resaltar la última secuencia que cierra el film, con el beso entre los dos niños. Que tremenda inocencia rebosa dicha escena, acorde 100% con lo expuesto en los 90 minutos atrás. Magnifique...

Como idea o eje central que abarca La piel dura, me quedo sin ninguna duda con la frase que dictamina una de sus actrices adulta: Un adulto hubiera muerto por el impacto, pero un niño no; los niños son como una roca. Tropiezan por la vida sin quedar lastimados. Ellos se encuentran en estado de gracia y eso les permite tener la piel dura. Son mucho más resistentes que nosotros.
En esta frase reside toda la magia y potencia del film, pues el adulto, tras haber perdido esa espontaneidad e inocencia que caracteriza a los niños, al haber madurado física y psicológicamente, endurece su mente y corazón, pero hace blanda su piel. Por el contrario, el niño conserva la inocencia de sus primeros años de vida, manteniendo el corazón blando y la piel dura. Que grande eres Truffaut !!! Puntuación: 8 sobre 10.

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30 días de oscuridad

2008-03-25T11:02:00.003+01:00

Tras el largo periodo de inactividad (10 días) ocasionado por las fiestas falleras (como buen valenciano) y de Semana Santa, vuelvo otra vez a la carga. Hoy le toca el turno a la última cinta del realizador David Slade, 30 días de oscuridad.

30 días de oscuridad: mucha expectación generó en mi la noticia de que el director de la magnífica Hard Candy iba a dirigir una cinta sobre vampiros. Mi expectación fue bajando cuando me enteré que el actor-héroe responsable de interpretar el personaje principal del film iba a ser un banal Josh Hartnett. Aún así no perdí la esperanza de poder disfrutar de una buena cinta, entretenida, con una buena historia -que no sobresaliente- y las dosis abundantes de sangre y gore que tanto me agradan y que tan necesarias son en este género.

Si bien 30 días de oscuridad no ha cumplido plenamente mis expectativas iniciales, no me ha defraudado tanto como creía tras leer las malas críticas cosechadas en sus primeras semanas de cartelera cinematográfica. Y es que David Slade, director de esta cinta y responsable también de la potente y cruda Hard Candy, es un buen director. Sabe llevar el pulso narrativo a su terreno, y le imprime un ritmo poco convencional en un film de estas características, que si bien puede que no llegue a todo el público, para mi solventa con creces la ardua tarea de tocar un género donde prácticamente está todo visto.

La cinta de Slade parte de un planteamiento inicial de lo más atractivo, pero que conforme avanzan los minutos, va perdiendo fuelle. La acción se desarrolla en un pueblo de Alaska que anualmente le esperan 30 días seguidos de oscuridad total. El sol se pone y durante un mes la noche gobernará sobre el día. Con esta premisa, el pueblo resulta de lo más atractivo para cualquier chupasangre y efectivamente, esta ausencia de luminosidad es aprovechada por el grupo de vampiros creados por David Slade. Aunque no se nos informa de donde vienen los vampiros, poco importa, pues sabemos de sobra que sus intenciones son principalmente alimentarias y en forma de carne humana.

Tras la pausada presentación de personajes, donde la relación entre Eben (Josh Hartnett) y Stella (Melissa George) está un poco cogida con pinzas y carente de interés, comenzará una apabullante y potente puesta en escena, donde los vampiros serán los verdaderos protagonistas de esta historia, relevando a un inexpresivo Josh Hartnett a los últimos peldaños de la interpretación. Y es que en 30 días de oscuridad, queda reflejado que apenas puede aportar otra cosa que no sea su atractivo físico a los personajes que encarna. Y es que sobre él, recae todo el peso de la película al coronarse como el héroe de esta, cosa que le viene demasiado grande. Nadie se cree su actuación, hacha en mano en plan Jack Torrance en El resplandor y degollando vampiros por doquier. Suspenso para la dirección de casting.

En cuanto a la acción desarrollada, David Slade la solventa con bastante elegancia, dotando de la sangre necesaria a las escenas de violencia y quedando patente algunos de los tics más comunes de las cintas de serie B. Eso si, algunas escenas son un mero calco de films como 28 días después o Amanecer de los muertos, y en cuanto a la estética y puesta en escena se nos vienen a la cabeza cintas como Asalto a la comisaría del distrito 13 (la clásica de John Carpenter) o La Cosa también de Carpenter.

Destacar una conseguida fotografía gélida de 30 días de oscuridad, acorde con el clima que representa la película, con claros tonos y filtros azulados y apagados que tan bien sobresalen en contraste con el color de la sangre. Destacar también el brillante plano cenital que nos brinda Slade (muy al estilo de la introducción de Amanecer de los muertos) y en el que se desarrolla la acción en cada centímetro de la pantalla, viendo los numerosos ataques que los chupasangres ejercen a los habitantes del pueblo desde un mismo punto de vista. Sencillamente brillante.

En definitiva, 30 días de oscuridad acaba siendo una propuesta entretenida que gustará a los amantes del género de terror y vampiros; el resto de público abstenerse. Poca cosa nueva es lo que aporta esta cinta, pero pese a ello resulta un producto diferente a pesar de sus tópicos. Se salva por un final bien resuelto que no acaba como cabría esperar; y por una excelente labor de producción, dirección artística y maquillaje. David Slade salva los muebles con una cinta menor a su antecesora pero superior a la media de facturaciones producidas en Hollywood. Y es que era mucho pedir que sellara un film redondo como lo fue en su día Hard Candy, con la maravillosa Ellen Page haciendo las veces de antiheroína. Puntuación: 6,5 sobre 10.

Leer crítica de 30 días de oscuridad en Muchocine.net

Trailer oficial The Incredible Hulk

2008-03-13T12:14:00.008+01:00

Bueno pues si, aquí te traigo otra vez a Edward Norton. Esta entrada va para ti, la fan número uno del susodicho actor.

Ya está disponible el primer trailer de The Incredible Hulk, la nueva adaptación del personaje de Marvel Comics a la gran pantalla esta vez de la mano del director Louis Leterrier, responsable de cintas como The Transporter y Danny the Dog.

El nuevo Hulk llegará a nuestras pantallas el 20 de Junio de este año. Además también podremos ver al villano de este, Abominación y al resto del los personajes del film. Su reparto lo componen Edward Norton (Bruce Banner/Hulk), Liv Tyler (Betty Ross), Tim Roth (Emil Blonsky/Abominación), William Hurt (General Ross), Tim Blake Nelson (Samuel Sterns), y Christina Cabot (Mayor Kathleen), entre otros.

En esta secuela, Bruce Banner busca desesperadamente una cura para la radición gamma que afectó a sus células y lo convierte en un ser de fuerza incontrolable: Hulk. Ocultándose en la sombra, lejos de lo que había sido su vida y de la mujer que amaba, Banner debe hacer frente a la maquinaria militar dirigida por el General Thunderbolt Ross, que pretende capturarle para explotar sus colosales poderes.

En cuanto al comportamiento de Edward Norton, he leído que le gusta mucho controlar el producto final en el que interviene. Forma parte de los anales de la historia del cine como supervisó el montaje final de American History X, dejando de lado al director, Tony Kaye, que llego a demandar a New Line por 200 millones de dólares por ello. También se encargó de reescribir Frida, para su entonces novia Salma Hayek, o cuando se le obligó a participar en The Italian Job por contrato, dando como resultado una desidia en el papel, y fama de mal profesional.

Ahora se repite el caso. La causa del retraso en la campaña publicitaria que está teniendo el film es debido a problemas que tiene Edward Norton con la Marvel Studios sobre el montaje final de la cinta. Norton se sumó al proyecto bajo la condición de que Marvel le prometiese una gran participación y acceso al film, además de reescribir el guión de Zak Penn.

El mismo actor no ha tenido problemas en reconocer que el guión del film es suyo y que ha supervisado en todos los aspectos la realización, y ha participado en la producción del film. Para llegar a una resolución amistosa sobre el film, que ha costado más de 150 millones de dólares, Norton está enclaustrado con el presidente de Marvel Studios, David Maisel, con el presidente de producción de Marvel Studios, Kevin Feige, y el director Louis Leterrier.

Posiblemente todas estas cuestiones estén exageradas, y hayan sido creadas para dar que hablar a la prensa amarilla y todo el hollywoodismo. Desde luego, lo que está claro es que Edward Norton es un actor como la copa de un pino y si por contrato está regulado la implicación directa de este en el montaje final, que lo dejen trabajar tranquilo. Toda esta mala prensa que se está generando a su alrededor no tiene porque ser verdad al 100% y ni mucho menos desprestigiar su carrera profesional.

Podéis ver el trailer aquí: Trailer de 'The Incredible Hulk'

Cabeza borradora (Eraserhead)

2008-03-11T12:21:00.006+01:00

Cabeza borradora (Eraserhead): la verdad es que no tengo ni idea de como empezar el análisis de la inclasificable ópera prima del contradictorio realizador David Lynch, así que de primeras diré que sin duda alguna, puedo asegurar que es la película más difícil de ver de la era Lynch.

En poco menos de un año, he conseguido hacerme con casi la totalidad de su polémica filmografía y a falta únicamente de ver Dune y Carretera perdida, puedo asegurar que David Lynch es un genio incomprendido. Un genio de las imágenes -que no de las palabras- capaz de armar toda una cinta llena de poderío visual y derrumbar los cimientos clasicistas impuestos por el mundo del celuloide. Y eso que Cabeza borradora es la obra que menos me ha gustado de toda su carrera. No sé si tendrá algo que ver que fuera su inicio en el mundo del largometraje o la complejidad de la obra, pero sin duda, es su película que menos me ha llegado. En ningún momento he conectado al 100% con lo que Lynch quería transmitirme, y eso, en su cine se paga.

La película no presenta una trama convencional (¿os extrañáis?) y la historia se desarrolla ambiguamente entre lo real y lo fantástico. Fue filmada en blanco y negro, en un sórdido entorno de decadencia industrial, alrededor del personaje de Henry Spencer (interpretado por Jack Nance), un hombre nervioso y enigmático que trabaja en una imprenta y dice estar de vacaciones. Henry se reencuentra con Mary, su ex novia, quien le invita a cenar en casa con sus padres. Henry se entera entonces de que ella ha dado a luz a un grotesco ser después de un parto anormal, situación por la cual se ve obligado a casarse. A partir de ese momento, la pareja debe cuidar a la anormal criatura, hasta que Mary, cansada del incesante llanto del crío, decide abandonar la casa. Henry queda al cuidado del ser hasta que finalmente decide deshacerse de él.

La ópera prima de David Lynch adapta el tono malsano y tenebrista de todas sus obras posteriores, sobretodo con El hombre elefante. La trama compleja y por momentos ilógica que abunda en Cabeza borradora no es más que el mundo de David Lynch, un mundo experimental donde lo onírico y lo absurdo se mezclan y diluyen a partes iguales. Sin duda alguna, Cabeza borradora es estéticamente la película más oscura, opresiva y difícil de ver de todas las de Lynch. Por ejemplo, intentar comprender la naturaleza del hijo monstruoso del protagonista resulta absurdo y en vano.

Sinceramente, a mi no me ha convencido, y eso que me considero un ferviente seguidor de todo el cine Made in Lynch. Comienza bien, retratando una agobiante y lúgubre atmósfera industrial donde reside el protagonista de la ¿historia?. En mi humilde opinión, creo que esta cinta se debió quedar en un mero cortometraje y no en una obra efectista. Me ha resultado completamente indigestible, carente de la fuerza que rebosa El hombre elefante, Terciopelo azul o Mulholland Drive. La obra en su conjunto me resulta vacía, claustrofóbica, turbia y desconcertante, pero reconozco su potente originalidad y ejecución. Digna es su puesta en escena y dirección de arte con ese blanco y negro tan especial, esa admiración por los seres deformes y conductas surrealistas, el uso del onirismo como base de su obra, esa autocomplicidad entre Lynch-Nance plasmada físicamente en el peinado de este último, esa incomodidad que está presente en los 90 minutos de duración.

En definitiva, terrorífica visión de como el tedio de una vida gris puede destruir por completo la razón y hacer surgir la locura, llevando a la percepción de realidades distintas a las existentes. Extraña y presuntuosa realización de David Lynch, realizada con pocos medios y de mas bien escasa consistencia, pese a tener algunos momentos acertados. Para mi, obra menor de Lynch. Aún así reconozco sus virtudes, y sintiéndolo mucho exalto sus defectos. Puntuación: 5 sobre 10.

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John Rambo

2008-03-08T11:21:00.000+01:00

John Rambo: que vaya por delante, que no soy ningún fan de la saga Rambo y que únicamente considero aceptable la primera versión del personaje, Acorralado.

En primer lugar no nos engañemos, pues John Rambo no se ha realizado para convertirse en una obra póstuma del séptimo arte. Ni tan siquiera se ha llevado a cabo para optar a algún reconocimiento tipo Oscar, Globo de Oro o los premios Bafta. John Rambo ha sido concebida con un claro objetivo: entretener el público menos exigente y seguidor aférrimo de las tres entregas anteriores. Y ciertamente lo consigue con solvencia, pues su corto metraje (85 minutos escasos) favorece -y mucho- la consecución de las metas. Quien se siente a ver John Rambo que no se espere un guión redondo, ni unas actuaciones soberbias, ni tan siquiera unos personajes mínimamente bien construidos. Ahora, eso si, lo que si que les espera es una hora más o menos de tiros, explosiones y más tiros.

Un guión paupérrimo, unos diálogos increíblemente pobres y unos personajes mal definidos y de muy dudosa credibilidad (véase el grupo de mercenarios que acompaña a Rambo, a cada cual más arquetipo y estúpido) es lo peor nos encontramos en la última de Stallone; pero a su público poco le importa, pues han venido para ver matar thailandeses a Rambo.

Sylvester Stallone hace aquí las veces de actor, guionista, productor y director en la cuarta y definitiva entrega de la saga iniciada allá en 1982 por Ted Kotcheff (Acorralado). Como actor desempeña su función, es decir se dedica a poner muecas y caras dejando de lado unos diálogos más bien ridículos. Su personaje se limita a una media docena de frases (el papel tampoco requiere mucho más) y hacer lo que mejor sabe; matar. Su esencia permanece intacta. Se nota que los años nos pasan factora a todos y en el caso de Sly no es menos, pues en ningún momento se desprende de su camiseta, y las escenas en que vemos a Rambo corriendo por la selva son prácticamente inexistentes, desarrollando toda su acción estáticamente, bien a bordo de su barco-chatarra o a los mandos de una metralleta que reparte proyectiles a diestro y siniestro.

A su favor nombraré el espectáculo visual que tiene lugar en los últimos 25 minutos de la cinta, y es que por momentos parece que la sangre te salpique directamente en la cara; pues Stallone no se ha cortado un pelo a la hora de rodar y rodar escenas explicitas llenas de sangre, desmembramientos, explosiones, gore y casquería; cosa que es de agradecer. Por momentos era como ver (salvando claro, las infinitas distancias) el desembarco de Normandía rodado por Steven Spielberg en Salvar al soldado Ryan, con explosiones enrojecidas por la sangre, cuerpos mutilados y disparos en la cabeza del tamaño de una pelota de tenis. Y es que la gran baza de John Rambo reside en las escenas de acción, pues cuando no es así aburre hasta al espectador más entregado. Pero la acción clave está bien rodada, quizá un poco mareante y demasiado abusona de primeros planos, pero en líneas generales bien resuelto. La violencia explícita con que se nos bombardea resulta por momentos delirante y cruda, con escenas de matanzas de mujeres y niños muy vistosas, pero eso si, ética y moralmente incorrectas ¿no?.

Del guión ni hablamos. ¿La palabra inexistente y previsible les suena de algo? Inexistente porque debe ocupar poco más de un folio -por una cara- y porque hasta mi sobrina de 3 años puede escribir algo más complejo y elaborado; y previsible porque hasta el espectador más tonto sabe que va a ocurrir en la siguiente escena. O ¿alguno se creía que Rambo le diría que no a la chica e iba a dejar plantados al grupo de humanitarios? Durante 30 segundos si, pero luego e inexplicablemente acaba cambiando de opinión; y todo esto ¡¡¡en una misma escena!!!. No se toma un día para pensarlo no, primero no quiero saber nada de ti y a los 30 segundos decido ayudarte...

Resumiendo, el que se pone a ver John Rambo ya sabe a lo que va. Como película es rematadamente mala, un producto deleznable, previsible, artificial, carente de guión y personajes, un insulto al celuloide y a cualquier cinéfilo. Pero ese no es su objetivo. La misión de pasar casi hora y media delante de la pantalla sin pensar en otra cosa la cumple con eficacia. Y si encima hay sangre y gore, por lo menos a mi ya me tiene ganado. Aprobada por los pelos. Puntuación: 5 sobre 10.

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La extraña que hay en ti

2008-03-05T11:55:00.002+01:00

La extraña que hay en ti: enésimo producto americano rebosante de todos los topicazos del género y con un claro mensaje desolador y vergonzante. Fascistoide relato donde se ensalza la violencia, la venganza, el ojo por ojo y la compra de armas ilegales en Estados Unidos. Todo ello aderezado con una -eso si- bellísima Jodie Foster haciendo las veces de anónima justiciera que vela por la seguridad de toda la ciudadanía neoyorquina. Vamos, una superwoman (o spiderwoman) en toda regla; sólo que sin el disfraz.

El realizador irlandés Neil Jordan nos apabulla con un relato sumamente radical y que esconde una insultante apología retrógrada en contra de la democracia y derechos humanos y en favor de la venganza más represiva.

La historia de La extraña que hay en ti cuenta la vida de una pareja perfecta en la flor de la vida formada por Jodie Foster y Naveen Andrews (Sayid en Perdidos). Y todo es perfecto hasta que un día, ambos reciben una paliza de un grupo de hispanos con graves consecuencias: él muerto y ella en coma durante tres semanas. Hasta aquí bien, buena premisa bastante bien contada, aunque sobre la pretenciosa voz en off de los primeros minutos. Pero a partir de aquí la cinta se convierte un pastiche con los peores tópicos de thriller violento y que sustenta todo su peso en una idea: la venganza de una sobrenatural (por lo visto) y muy artificial y falsa Jodie Foster (su personaje, ella no; pues es de lo poco que se salva).

Película rodada única y exclusivamente para el lucimiento de la actriz (se nota que también es productora ejecutiva) Jodie Foster intenta mantener el tipo todo lo que buenamente puede y básicamente su actuación es lo que me ha llevado a ponerle un 4 y no un 1. Pese a la artificial transformación que sufre su personaje, la actriz mantiene una elevada implicación con su trabajo e intenta que este no haga aguas. En cierta manera lo consigue, pero eso no quita la penosa labor de guión que anida en el film.

Diálogos poco trabajados, factura irregular, ritmo y desarrollo lento, guión lleno de incoherencias y personajes mal construidos es lo que nos encontraremos en La extraña que hay en ti. Totalmente previsible desde su comienzo hasta el terrible desenlace, y terrible no por lo que cuenta sino por como lo cuenta y lo resuelve. De juzgado de guardia. Nos hallamos ante un lentísimo thriller cuyo abultado metraje se hace un tanto pesado y que en muy contadas ocasiones logra mantener la atención del espectador.

Así que no voy a dedicar mucho más a una obra que ciertamente no se merece que me quite más tiempo del que requiere su crítica.

La extraña que hay en ti acaba resultando un batiburrillo con las peores ideas creativas de cada casa, llena de convencionalismos, situaciones irreverentes carentes de sentido común, mediocridad por parte de los guionistas y un final al nivel de lo previamente expuesto; es decir infantiloide y lleno de una extremista y radical idea: la venganza por mi cuenta debido a la inexistente seguridad en los EEUU. Se salva de la quema por una correcta actuación de Jodie Foster (se acuerdan de ¿Han parado ya de chillar los corderos, Clarice?), el resto para olvidar. Puntuación: 4 sobre 10.

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Promesas del este

2008-03-02T11:41:00.001+01:00

Promesas del este: perfecta, perfecta sería la hasta ahora última cinta del realizador canadiense David Cronenberg sino fuera por sus últimos 10 minutos y por algún que otro incomprensible acontecimiento que tiene lugar durante la trama. Y es que parece que David Cronenberg vuelve por sus fueros a su cine "más normal" (o "menos raro") visto en la fabulosa Una historia de violencia, y se aleja de su cine visceral, paranoico y complejo tipo Videodrome, La mosca o eXistenZ.

Y para ello, en Promesas del este vuelve a contar con su amigo Aragorn en la trilogía de El señor de los anillos (Aka: Viggo Mortensen) y con quien tan bien funcionó la conexión con la anteriormente mencionada Una historia de violencia. Además completa el reparto con una correcta Naomi Watts (que no para de trabajar últimamente) y un demasiado sobreactuado -a mi modo de ver- Vincent Cassel, interpretando a un perturbado personaje como el visto en la controvertida Irreversible. La historia de Promesas del este narra la vida por un lado de Nikolai, chófer de una de las familias más importantes del crimen organizado de Europa Oriental; y por otro la de Anna, una comadrona que trabaja en un hospital de Londres muy afectada por la muerte de una adolescente mientras daba a luz.

David Cronenberg, vuelve dispuesto a reinventar de nuevo el thriller de mafiosos como vimos en su anterior cinta. Pero no es tarea fácil, ya que los cimientos del género están en manos de El padrino, Uno de los nuestros, Érase una vez en América y Scarface. Para ello, el realizador retoma aquello en lo que es un verdadero maestro, y al igual que en Una historia de violencia, indaga en el alma humana y su lucha permanente entre los instintos malignos y la voluntad de bondad. Una historia compleja, dura, realista y violenta; muy violenta. Y es que la violencia está muy presente en todo el cine de Cronenberg, y en Promesas del este el director canadiense no iba a hacer una excepción. Nos muestras las escenas violentas tal y como son; expresivas y duras, de un explícito que asusta (muestra de ello es la introducción, al más puro estilo de la reciente Sweeney Todd) y que te obliga a retorcerte en la butaca. Cronenberg es tan inteligente que se sirve desde el primer segundo de metraje para zambullirte en la crudeza de ese mundo tan particular y violento; consiguiendo lo más difícil, impactar en su público; que sabe de sobra a lo que viene.

Destacar la capacidad del realizador para filmar lo más parecido a una organización criminal del este, pero establecida en la Europa Occidental; vista desde dentro hacia adentro, ya que en ningún momento se adentra más allá de las puertas que separan a la mafia rusa del mundo corriente, no conocemos a sus enemigos, pero este silencio (o ausencia buscada a propósito) del entorno de la organización rusa es donde reside el talento y la sabiduría para sellar esta obra y que alcance el punto de inigualable. Nos muestra la mafia de puertas para adentro.

En cuanto al reparto de Promesas del este, destacar a un sobrio y portentoso Viggo Mortensen (el cual se ha desecho completamente de las vestiduras de caballero de la Tierra Media) en la que probablemente sea la mejor interpretación de su carrera, pues construye a un personaje frió, carente de emociones, pero que curiosamente es capaz de emocionar a la pantalla, y al espectador que le está viendo. Como punto álgido de la película y sin duda escena memorable que pasará a la historia tanto por su perfecta escenificación, montaje y dirección como por su crudeza y violencia, es la escena en los baños públicos. Simplemente perfecta y toda una lección de cine para aquellos que amamos este mundo. Tres personajes, un escenario y la excelente decisión de ausencia total de música en favor de unos efectos sonoros magistrales.

Como nota negativa, y restándole 2 puntos del 10 en su puntuación, comentar el irreal comportamiento de Naomi Watts al querer hacer frente a toda una organización mafiosa. No me lo trago, al igual que tampoco me trago ese final Made in Hollywood (besito incluído) entre el frio Viggo y Naomi. Sobraba totalmente la escena ya que hecha por tierra todo lo expuesto anteriormente. Quiero creer que por temas comerciales han decidido cerrar así la historia, y no por carencia de ideas. Por último, fallo imperdonable el doblaje -como siempre- y que la mayoría de la acción verbal se desarrolle en un inglés con acento del este (incluso cuando hablan entre ellos). Quiero creer también que la productora y distribuidora tienen algo que ver en toda esta chapuza.

Pese a todo, Promesas del este resulta una espectacular y genialmente cinta realizada por el siempre controvertido David Cronenberg con escenas memorables y un Viggo Mortensen en estado de gracia llevando las riendas de una magnífica obra. Puntuación: 8 sobre 10.

Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet

2008-02-28T10:19:00.004+01:00

Sweeney Todd, el barbero diabólico de la calle Fleet: primera escena, primera canción, primera decepción. Esa fue mi impresión tras los primeros 5 minutos de Sweeney Todd, y tras unos títulos de crédito iniciales -eso si- de lo más originales y conseguidos.

Antes de nada, diré que no soy muy aficionado a los musicales; de hecho los aborrezco y únicamente me ha gustado el clasicazo y obra de arte Cantando bajo la lluvia, y la modernísima visión del siempre visionario Baz Luhrmann sobre el Moulin Rouge. Pero con Sweeney Todd tenía serias esperanzas para abandonar mi tendencia de desechar los musicales. Desgraciadamente no ha sido así. Personalmente, no la definiría estrictamente como un musical, sino como una sucesión innecesaria de reflexiones entonadas por parte de los protagonistas, carentes de intensidad y emoción y rayando la pesadez en momentos como cuando el joven marinero canta su amor a Johanna (véase, I feel you... Johanna). Una vez vale, dos pase aún, pero no repitamos esta patochada de canción por tercera vez por favor. Te entran ganas de coger las cuchillas de afeitar del propio Depp y cortarte las venas antes de que acabe la canción-reflexión-pensamiento del marinero.

Sencillamente, si vas a hacer un musical, asegúrate de que las canciones incluidas conecten con el público, rebosen grandiosidad, fluyan entre los minutos de la cinta y conecten las escenas; pero desgraciadamente, esto no ocurre en Sweeney Todd (por lo menos para mi) ya que las canciones acaban cansando y aburriendo al personal hasta el mismo coma (y recen porque no las repitan), no existe ningún virtuosismo ni puesta en escena destacable (salvo la intervención de Todd por la calle buscando "clientes") y la música acaba resultando monótona y carente de ritmo, pecando de falta de fuerza musical; requisito indispensable en cintas de este género.

En cuanto al guión de Sweeney Todd, tenemos a un barbero al que en el pasado, el juez Turpin, le arrebató a su mujer e hija, y lo encarceló por un crimen que nunca cometió. 15 años después, el barbero buscará venganza volviendo a un gótico Londres y reabriendo una vieja barbería en la calle Fleet encima de la tienda de empanadas de la señorita Lovett (lo mejor de toda la cinta). Con un simplista guión, el primer asesinato de Todd se hace esperar casi media hora, y para verlo tendremos que soportar una extensísima presentación de personajes, unas 5 aburridas canciones y los típicos flashbacks que lo único que hacen es romper el ritmo de la obra. Pero no todo iba a ser malo en Sweeney Todd, ya que si en algo es bueno Tim Burton es en crear mundos bizarros, oscuros y aterradores. Sweeney Todd es toda una declaración de intenciones y más que nunca lleva el sello Burton inscrito en ella.

Adaptando el musical que Stephen Sondheim compuso en 1979, Burton crea un peculiar retrato sobre la violencia y la venganza que enlaza a la perfección con la estética gótica y mórbida del universo del realizador. Con un Londres muy victoriano, Tim Burton recrea un mundo oscuro y bizarro, rozando lo deprimente y sólo al alcance de muy pocos. Técnicamente, la cinta es casi perfecta, destacando en las obras de Burton la dirección de arte (por la cual se ha llevado el Oscar), el maquillaje, vestuario, ambientación y fotografía.

Los actores se muestran en todo momento entregados con su trabajo, sobretodo una fenomenal Helena Bonham Carter -novia del realizador- como cocinera de unas empanadas un poco "especiales". Johnny Depp por su parte está simplemente correcto y al nivel al que nos tiene acostumbrados. Comentar la sinergia negativa que mantienen ambos protagonistas; actuando mejor en escenas separadas que conjuntas. La conexión o química que existe entre ambos brilla por su ausencia, lo que sin duda resulta un lastre para Sweeney Todd. Resaltar la actuación de un excéntrico Sacha Baron Cohen (donde estará su Ali G...¿?) que pone la nota de humor y nos regala una de las mejores escenas de la cinta junto a Depp (el duelo de barberos).

En resumen, obra correcta pero menor a lo que nos tiene acostumbrados Tim Burton. Sweeney Todd acaba siendo un aburrido musical carente de fuerza musical, repetitivo al 100% y con un simplista guión lleno de fallos y agujeros, donde todo el peso de la cinta recae en la dirección artística y de producción, así como en las interpretaciones de la pareja protagonista (por separado). Totalmente justificada su ausencia en las nominaciones de Mejor película y Mejor director para los Oscar. Puntuación: 6,5 sobre 10.

Ganadores de la 80ª Edición OSCAR 2008

2008-02-26T14:13:00.004+01:00

Las principales estrellas de Hollywood se quedaron en un segundo plano en los Oscar mientras cuatro europeos y los alternativos hermanos Coen se hicieron con los principales honores por unas películas que han sido aclamadas por la crítica pero han tenido un éxito comercial modesto.
El drama sobre un asesino a sangre fría "No es país para viejos" ganó cuatro estatuillas: mejor película, mejor director, mejor actor - para el español Javier Bardem - y mejor guión adaptado.

Daniel Day-Lewis ganó el Oscar a mejor actor por su papel de un sádico petrolero de comienzos del siglo XX, quien construye su fortuna con un profundo coste personal en "Pozos de ambición". El británico, como Bardem, ha sido premiado en varias ocasiones por este papel este mismo año.

Mientras, la francesa Marion Cotillard ganó el premio a la mejor actriz por su interpretación de la cantante Edith Piaf en "La vida en rosa". Cotillard ganó su primer Oscar y se convirtió en la primera actriz francesa en ganar un premio en esta categoría desde 1960.
La actriz de 32 años sorprendió a la audiencia y a los críticos, en Francia y en todo el mundo, por su transformación física en la película que narra la vida de Piaf.

La británica Tilda Swinton se impuso inesperadamente como mejor actriz de reparto por su papel de una despiadada abogada corporativa en "Michael Clayton".
Es la primera vez desde 1964 que los cuatro premios principales de actuación son para artistas de fuera de Estados Unidos, donde tiene su sede la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas.

Al final fueron los hermanos Coen, nacidos y criados en Minnesota, los grandes ganadores.
"No es país para viejos", basada en una novela de Cormac McCarthy sobre un asunto de drogas que sale mal en el sur de Texas, habla del declive moral de la sociedad y como las otras cuatro candidatas, era de carácter sombrío.

Joel y Ethan Coen, que ya se llevaron el Oscar en 1996 por el guión de la peculiar historia de un secuestro de "Fargo", han trabajado fuera del sistema tradicional de Hollywood.
Su última película ha sido la que más éxito comercial ha tenido en taquilla de sus 12 largometrajes, aunque las cifras son modestas: 64 millones de dólares en América del Norte.

Aqui tenéis el listado completo de ganadores de la Gala de los Oscars 2008.

- Mejor película: No es país para viejos (No Country for Old Men)
- Mejor director: Ethan Coen, Joel Coen (No es país para viejos)
- Mejor actor principal: Daniel Day-Lewis (Pozos de ambición)
- Mejor actriz principal: Marion Cotillard (La vida en rosa)
- Mejor actor de reparto: Javier Bardem (No es país para viejos)
- Mejor actriz de reparto: Tilda Swinton (Michael Clayton)
- Mejor película de habla no inglesa: Los falsificadores
- Mejor guión original: Diablo Cody (Juno)
- Mejor guión adaptado: Ethan Coen, Joel Coen (No es país para viejos)
- Mejor fotografía: Roberts Elswit (Pozos de ambición)
- Mejor banda sonora: Dario Marianelli (Expiación)
- Mejor canción: Glen Hansard y Marketa Irglova por "Falling Slowly" (Once)
- Mejor montaje: Christopher Rouse (El ultimátum de Bourne)
- Mejor dirección artística: Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo (Sweeney Todd)
- Mejor vestuario: Alexandra Byrne (Elizabeth: La edad de oro)
- Mejor maquillaje: Didier Lavergne, Jan Archibald (La vida en rosa)
- Mejor sonido: Scott Millan, David Parker, Kirk Francis (El ultimátum de Bourne)
- Mejores efectos sonoros: Karen Baker Landers, Per Hallberg (El ultimátum de Bourne)
- Mejores efectos visuales: Michael Fink, Bill Westenhofer, Ben Morris (La brújula dorada)
- Mejor largometraje animación: Ratatouille
- Mejor largometraje documental: Taxi to the Dark Side

Juno

2008-02-23T11:51:00.002+01:00

Juno: un soplo de aire fresco es lo que acaba siendo Juno tras su visionado. La apuesta indie para la edición de los Oscar de este año, y una apuesta que, como tapada puede dar la gran campanada en la ceremonia. Jason Reitman la dirige y Ellen Page la interpreta, pero a este dúo habría que añadir la figura de Diablo Cody, la verdadera mente de la que ha salido el guión de Juno. Ex stripper y ex operadora de un teléfono erótico, Diablo Cody ahora metida a guionista, sella un libreto brillante no exento de ácidos diálogos y dardos envenenados hacia la sociedad en la que vivimos.

Juno MacGuff tiene 16 años, deslumbra a todos los adultos que la rodean por su ingenio y... está embarazada. Esa es la premisa de la que parte Juno. La desafortunada chica se quedó embarazada en su primera relación y no quiere saber nada más de los chicos, por lo menos de momento. De acuerdo con sus padres, decide dar a su hijo en adopción a los mejores padres que encuentre, y esos padres resultan ser Jason Bateman y Jennifer Garner, una pareja a priori demasiado perfecta.

Lo más complicado de Juno es encontrar el equilibrio perfecto entre el tono cómico y la seriedad de los asuntos que trata, como el aborto, la adopción, embarazos prematuros y la fidelidad del matrimonio. Y es que la comedia es la base principal sobre la que se sustenta Juno, pero no hay que olvidar que tras ella se esconde un trasfondo serio e incluso dramático si me lo permiten. Pero el gran logro de Jason Reitman es tratar temas tan peliagudos de la forma más humana y entrañable posible, consiguiendo un notable trabajo y la vez ganarse el interés de su público de una forma honesta y nada pretenciosa. Tras su debut con la magnífica Gracias por fumar, Jason Reitman vuelve a la carga al tratar temas de candente actualidad social y moral por la vía más cómica siempre dentro de unos límites. Llama la atención la capacidad de Reitman para hablar sobre temas serios y difíciles y dotarlos a la vez de un sentido tan positivo que acabas olvidando que en verdad constituyen un problema.

El público acompañará a Juno durante 90 minutos llenos de brillantes diálogos, vivos y llenos de chispa que respiran ingenio e ironía, y a la vez recogen el proceso de maduración personal de la adolescente. 90 minutos que se pasan volando gracias a la frescura que respira la cinta y al preciso guión que avanza a un gran ritmo.

En cuanto al reparto ¿que decir? seremos deslumbrados por una estupenda y madurísima Ellen Page en el papel de Juno. Resulta increíble como una chica de 21 años puede dotar de tanta espontaneidad a un personaje tan complejo y difícil de interpretar como es Juno MacGuff, mostrándonos todas las reacciones por las que pasa Juno, ya sean de tristeza o alegría en ese angelical rostro lleno de expresión. Ellen Page acaba siendo la verdadera y única protagonista del film, donde sobresale de forma natural sobre el resto del reparto, jugando un papel decisivo en Juno, y aportando la dosis exacta de frescura e inteligencia para firmar un trabajo memorable. Michael Cera por su parte, aporta la inocencia perfecta que vislumbra su personaje (nada que ver con el de Supersalidos), la de chico introvertido, tímido y poco seguro de si mismo.

Destacar como nota muy positiva la excelente composición de temas que aparecen en la banda sonora de Juno, alejándose de los hits más comerciales en favor de una música más folk rayando lo country por momentos. La canción de los títulos de crédito iniciales y finales es impagable.

El Oscar de guión original está casi cantado para Juno (espero), pero verdaderamente me gustaría que fuera Ellen Page la elegida como Mejor Actriz principal ya que su trabajo rebosa calidad por los cuatro costados, aunque la competencia que tiene es dura, y seguramente la Academia se decante más por Julie Christie en su actuación en Lejos de ella. Aún así, Juno puede ser la sorpresa de este año al igual que lo fue Pequeña miss sunshine en la edición anterior. Juno acaba siendo una alternativa, una vía de escape, una propuesta inteligente, brillante y perfectamente realizada gracias a un ácido guión y a la sobresaliente interpretación de Ellen Page.
Puntuación: 8 sobre 10.