Hace apenas un mes que se estrenó en nuestro país '[REC]', cinta española dirigida por Jaume Balagueró y Paco Plaza, que se está convirtiendo en uno de los fenómenos del año tanto de crítica como de público y eso se hace notar en la taquilla conseguida.
Pues ahora y con todo lo que supone, sale la primera imagen de lo que será 'Quarantined', remake hollywodiense de la cinta española y en la cual vemos a Jennifer Carpenter, la que será la sustituta americana de Manuela Velasco, -flamante nominada en los Goya y triunfadora en Sitges- que estará acompañada por Jonathon Schaech y Jay Hernandez. Los derechos los adquirió en su día Screen Gems, que es una división de Sony Pictures Entertainment, una franquicia especializada en productos de terror que ha participado en éxitos importantes como Hostel. La cinta está dirigida por John Erick Dowdle (que tiene pendiente de estreno su ópera prima, The Poughkeepsie Tapes) que contará en el guión con los hermanos Dowdle. Al contrario de lo que suele ser habitual el equipo de la película original no se desvinculará totalmente de la nueva producción, y Julio Fernández, que ejerciera en [REC] de productor, ocupará junto a Carlos Fernández de Filmax el crédito de productores ejecutivos.
Como sabéis la cinta se centra en unos bomberos que reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa. En el edificio donde vive dicha anciana, los vecinos están muy asustados, y es que la mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores...
Si finalmente los responsables de la Lionsgate estrenan, como así dicen, ‘Saw V’ el próximo Octubre del 2.008 encontrarán de frente este film, cuya fecha de lanzamiento está ya fijada: 17 de Octubre de 2.008.
Fuente: El séptimo arte
miércoles, 26 de diciembre de 2007
Primera aparición de 'Quarantined'
Trailer en español de ‘No Country For Old Men’
¿Es un acierto que Javier Bardem tenga en ‘No es país para viejos’ (’No Country For Old Men’) la voz de un actor de doblaje profesional o habría sido mejor que él mismo se doblara?.
Sea o no un acierto, 'No Country For Old Men' tiene pinta de convertirse en la nueva 'Fargo' de los Coen Brothers, osea una obra maestra.
Yo prefiero lo primero porque, aunque Javier es una máquina de la interpretación, el doblaje no es su fuerte, o al menos no queda lo bien que tendría que quedar. Todavía me acuerdo de ‘Los Fantamas de Goya’ y me entran escalofríos. Todo lo bueno que desprendía esa película se esfumaba en cada momento en el que él intervenía, porque su voz tan característica y carismática chirriaba con las voces supertrabajadas de estudio de esos ‘desconocidos’ actores en la sombra.
En un principio ocurría lo mismo con Antonio Banderas y luego con criterio se optó por el doblaje, encontrando satisfactoriamente un tono de voz muy similar al suyo. La que han elegido para Bardem está bien aunque habrá que acostumbrarse; por cierto, ¿es la de Jordi Boixaderas (Clive Owen en ‘Plan Oculto’)?.
El visionado de este trailer ha aumentado aún más mis ganas de ver la película. Una verdadera lástima que en los tiempos que corren los criterios de distribución sean tan absurdos que nos impidan verla hasta que no pase casi cuatro meses desde su exhibición en USA (en tierras yanquis el 21 de noviembre pasado y en España el 7 de marzo próximo); lo siento, pero nunca me dejaré de sorprender con estas políticas sin (aparente) sentido.
Fuente: TuBlogDeCine
miércoles, 19 de diciembre de 2007
Nominados para los Goya 2008
Como todos los años por estas fechas ya conocemos la lista de los nominados para los premios anuales de la Academia Goya. La celebración está programada para el 3 de Febrero de 2008 en Madrid y será la edición número 22 de estos conocidos premios que se otorgan al cine español.
"El Orfanato" y "Las 13 Rosas", con 14 candidaturas cada una, a priori son las dos grandes favoritas de la que será un año más la gran fiesta del cine nacional. Seguidas por "Siete mesas de billar francés" con 10 candidaturas, y "Bajo las estrellas" y "Oviedo Express" con 7 nominaciones, se avecinan unos premios de lo más reñidos.
La lista completa de todas las candidaturas es:
Mejor película: El orfanato, La soledad, Las trece rosas, y Siete mesas de billar francés.
Mejor director: Icíar Bollaín (Mataharis), Emilio Martínez Lázaro (Las trece rosas), Gracia Querejeta (Siete mesas de billar francés) y Jaime Rosales (La soledad).
Mejor director novel: Juan Antonio Bayona (El orfanato), Tom Fernández (La Torre de Suso), David Ulloa y Tristán Ulloa (Pudor) y Félix Viscarret (Bajo las estrellas).
Mejor interpretación masculina protagonista: Alfredo Landa (Luz de domingo), Álvaro de Luna (El prado de las estrellas), Alberto San Juan (Bajo las estrellas) y Tristán Ulloa (Mataharis).
Mejor interpretación femenina protagonista: Blanca Portillo (Siete mesas de billar francés), Belén Rueda (El orfanato), Emma Suárez (Bajo las estrellas) y Maribel Verdú (Siete mesas de billar francés).
Mejor interpretación masculina de reparto: Raúl Arévalo (Siete mesas de billar francés), José Manuel Cerviño (Las trece rosas), Emilio Gutiérrez Caba (La Torre de Suso), Carlos Larrañaga (Luz de domingo y Julián Villagrán (Bajo las estrellas).
Mejor interpretación femenina de reparto Amparo Baró: (Siete mesas de billar francés), Geraldine Chaplin (El orfanato), Nuria González (Mataharis) y María Vázquez (Mataharis).
Mejor actor revelación: Óscar Abad (El prado de las estrellas), Gonzalo de Castro (La Torre de Suso), Roger Príncep (El orfanato) y José Luis Torrijo (La soledad).
Mejor actriz revelación: Gala Evora (Lola. La película), Bárbara Goenaga (Oviedo Express), Nadia de Santiago (Las trece rosas), Manuela Velasco (REC).
Mejor guión original: Icíar Bollaín y Tatiana Rodríguez (Mataharis), Ignacio Martínez de Pisón (Las trece rosas), Gracia Querejeta y David Planeéis (Siete mesas de billar francés), Sergio G. Sánchez (El orfanato) y Gonzalo Suárez (Oviedo Express).
Mejor guión adaptado: Ventura Pons (Barcelona, un mapa), Laura Santullo (La zona), Tristán Ulloa (Pudor), Imanol Uribe (La carta esférica) y Félix Viscarret (Bajo las estrellas).
Mejor música original: Roque Baños (Las trece rosas), Carles Cases (Oviedo Express), Mikel Salas (Bajo las estrellas) y Fernando Velasco (El orfanato).
Mejor canción original: Esa luz (Mataharis), Fado da saudade (Fados), Glommy Sunday (La
caja Kovak) y Happy, happy Chueca (Chuecatown).
Mejor dirección de producción: Juan Carmona y Salvador Gómez (Luz de Domingo), Martín Cabañas (Las trece rosas), Teresa Cepeda (Oviedo Express), y Sandra Hermida (El orfanato).
Mejor fotografía: José Luis Alcaine (Las trece rosas), Álvaro Gutiérrez (Bajo las estrellas), Ángel Iguacell (Siete mesas de billar francés) y Carlos Suárez (Oviedo Express).
Mejor montaje: David Gallart (Rec), Fernando Pardo (Las trece rosas), Elena Ruiz (El orfanato) y Nacho Ruiz Capillas (Siete mesas de billar francés).
Mejor dirección artística: Wofgang Burmann (Oviedo Express), Edou Hidalgo (Las trece rosas), Gil Larrondo (Luz de domingo) y Joseph Rosell (El orfanato).
Mejor diseño de vestuario: Sonia Grande (Lola. La película), Lena Mossum (Las trece Rosas), Lourdes de Orduña (Luz de domingo) y María Reyes (El orfanato).
Mejor maquillaje y peluquería: Lourdes Priones y Fermín Galán (Oviedo Express), Lola López e Icíar Arrieta (El orfanato), Mariló Osuna, Almudena Fonseca y José Juez (Las trece rosas) y Jose Quetglas y Blanca Sánchez (El corazón de la tierra).
Mejor sonido: Carlos Bonmatí, Alfonso Pino y Carlos Farudo (Las trece rosas), Licia Marcos de Oliveira y Bernat Aragonés (Tuya siempre), Iván Marín, José Antonio Bermúdez y Leopoldo Aledo (Siete mesas de billar francés) y Xavi Mas, Marc Orts y Oriol Tárrago (El orfanato).
Mejores efectos especiales: Reyes Abades y Alex G. Ortoll (El corazón de la tierra), David Àmbit, Enric Masip y Àlex Villagrasa (Rec), Pau Costa, Raúl Ramanillos y Carlos Lozano (Las trece rosas) y David Martí, Montse Ribe, Pau Costa, Enric Masip, Lluis Castells y Jordi San Agustín (El orfanato).
Mejor película de animación: Azur y Asmar, Betizu eta Urrezco Zintzarria, En busca de la piedra mágica y Nocturna: Una aventura mágica.
Mejor película documental: El productor, Fados, Invisibles y Lucio.
Mejor película hispanoamericana: La edad de la peseta, Mariposa negra, Padre nuestro y XXY.
Mejor cortometraje de ficción: El pan nuestro (Aitor Merino Unzueta), Padam (José Manuel Carrasco Fuentes), Paseo (Arturo Ruiz Serrano), Proverbio chino (Javier San Román) y Salvador (historia de un milagro cotidiano) (Abdelatif Abdeselam Hamed).
Mejor cortometraje de animación: (Atención al cliente (Marcos Valín y David Alonso), El bufón y la infanta (Juan Ramón Galiñanes García), La flor más grande del mundo (Juan Pablo Etcheverry), Perpetuum mobile (Raquel García-Ajofrín Virtus y Enrique García Rodríguez) y Tadeo Jones y el sótano maldito (Enrique Gato Borregán).
Mejor cortometraje documental: Carabanchel, un barrio de cine (Juan Carlos Zambrana), El anónimo caronte (Toni Bestad), El hombre feliz (Isabel Lucina Gil Márquez) y Valkirias (Eduardo Soler).
Goya de Honor Alfredo Landa.
Y ahora, mis apuestas para los premios Goya de mayor reconocimiento:
- Mejor película: El orfanato
- Mejor director: Gracia Querejeta (Siete mesas de billar francés)
- Mejor director novel: Juan Antonio Bayona (El orfanato)
- Mejor interpretación masculina protagonista: Alberto San Juan (Bajo las estrellas)
- Mejor interpretación femenina protagonista: Maribel Verdú (Siete mesas de billar francés)
- Mejor interpretación masculina de reparto: Julián Villagrán (Bajo las estrellas)
- Mejor interpretación femenina de reparto: Nuria González (Mataharis)
- Mejor actor revelación: Gonzalo de Castro (La Torre de Suso)
- Mejor actriz revelación: Manuela Velasco (REC)
- Mejor guión original: Ignacio Martínez de Pisón (Las trece rosas)
- Mejor guión adaptado: Félix Viscarret (Bajo las estrellas)
- Mejor música original: Mikel Salas (Bajo las estrellas)
Que quede claro que estas son mis apuestas desde un punto de vista totalmente subjetivo. De ahí, que Bajo las estrellas sea para mi una clara vencedora en estos ficticios ganadores. Otra cosa es lo que pasará realmente, y le den -presumiblemente- a Belén Rueda el Goya a la interpretación femenina (pobre Maribel... snifff, digna merecedora del Goya y seguro que nada..., señores del jurado, YA LE TOCA), a Bayona el de mejor director novel, a Emilio Martínez Lázaro el de mejor director, a El Orfanato como mejor guión adaptado (no entiendo por qué...) y a Roque Baños como mejor música original.
Desde aquí, os animo a hacer vuestras apuestas.
jueves, 13 de diciembre de 2007
[REC]: Crítica
Pues hoy le toca el turno a [REC], el último largometraje del siempre interesante Jaume Balagueró. En esta ocasión, Balagueró esta acompañado por un viejo amigo suyo; Paco Plaza. Todo aquel que me conoce, sabe que tengo una predilección especial por el director catalán (el último maestro del cine de terror español post moderno).
Mi tocayo Jaume, ha conseguido firmar obras magníficas con en el sello nacional, y ahora con [REC] lo ha vuelto a repetir, pues ha rodado un excelente largometraje que consigue mantenerte en tensión durante gran parte del metraje.
Aparte de esto, [REC] se ha convertido en apenas tres semanas, en la segunda película española más taquillera de 2007, por detrás de "El Orfanato". [REC], que hasta la fecha ha recaudado 6 millones de euros y subiendo día tras día, tendrá una versión producida en EE.UU. que se titulará "Quarantine" y que terminará de rodarse el 17 de diciembre en Los Angeles. Dato curioso es que el acuerdo de realizar el remake americano se había consolidado semanas antes incluso del estreno oficial en las salas españolas, lo cual indica el grado de maestría ejecutado en la dirección de Balagueró y Plaza.
Corría el año 99, cuando visioné la fantástica "Los Sin Nombre". Había llegado a mis manos no se ni cómo, y pronto se convirtió para mi en un referente del género de terror psicológico. Con una factura técnica y ambientación impecable, no necesita de monstruos ni de continuos incrementos de volumen (sustos artificiales) para agilizar el ritmo y tensión del film. Con un final totalmente desesperanzador e inquietante y rodeado de una aterradora atmósfera, Balagueró firmó un más que notable estreno en el difícil mundo del largometraje. Previamente había rodado los cortos, Alicia (1994) y Días sin luz (1995) que podeis ver pulsando el enlace. A partir de aquí, comencé a seguir la carrera de un futuro maestro del género.
Luego vinieron "Darkness" (2002) y "Frágiles" (2005) que continuaban la estela de "Los Sin
Nombre" pero para mi, sin llegar a superarlas (si bien es cierto que Darkness se le acerca bastante). Había conseguido firmar dos buenas películas, pero de cierta manera parecía que lo que estábamos viendo ya lo habíamos visto antes, como un refrito de lo anterior. No consiguió impactar tanto como con su ópera prima,
y eso que contó con un presupuesto 10
veces mayor que en "Los Sin Nombre".
En 2006, rodó un episodio ("Para entrar a vivir", mediometraje de 60 minutos) de los que componen el 'remake' de "Historias para no dormir" de Chicho Ibañez Serrador, con cierta solvencia pero a un nivel más bajo de lo que todos esperábamos (exigíamos) de Balagueró.
Y en pleno otoño fue cuando llegó a nuestras salas [REC]. Rodada como un falso documental digno del mismísimo "España directo", ha sido la autentica triunfadora de la última edición del Festival de Sitges con 5 galardones. Mejor dirección, Mejor actriz (Manuela Velasco); Gran Premio del Público, Premio José Luis Guarner de la Crítica (por unanimidad) y Mención Especial Méliès d'Argent (que distingue a las mejores producciones de corte fantástico vistas en el certamen) son los premios otorgados al último largometraje de Balagueró y Plaza.
La crítica (muy dura generalmente con este tipo de género) se ha rendido a [REC]. Su peculiar estética de 'cámara en mano' nos regala un docu-film de la forma más cercana posible a la realidad, involucrándonos al 100% en la acción de lo que está pasando, con lo que se está rodando.
Desde el primer minuto, asistimos a un verdadero -falso- documental (muy acertada la idea de no incluir los títulos al comienzo). Nada más empezar, vemos a Ángela en escena (una chica muy mona y sencillamente natural) y como prepara la introducción al reportaje que le han encargado. Tras ella, se encuentra Pablo, el cámara y fiel aliado y amigo de Ángela en la próxima pesadilla que les aguardará unas horas después. A lo largo de los próximos 10 minutos, se nos muestra (como en un autentico reportaje) la vida de los bomberos de Barcelona. Vemos como viven los momentos previos a cualquier llamada de emergencia, y su posterior actuación. Una introducción necesaria para el film, y que no cae en el aburrimiento, gracias en buena parte a la genial actuación de una muy natural Manuela Velasco.
Minutos más tarde, llegamos al verdadero meollo de le película. Se recibe una llamada de socorro en un edificio de L'Eixample barcelonés. Aparentemente no es más que una misión rutinaria, pero derivará en una autentica pesadilla para nuestros personajes.
Punto a favor de los directores, es la estética y ambientación que se le ha dado al edificio en 
cuestión, sacándole el máximo partido a una comunidad de vecinos cuanto menos pintoresca.
No falta nadie en el reparto coral, desde la pareja de chinos, hasta el argentino amanerado, pasando por el practicante soltero y además presidente de la comunidad.
El trabajo de casting ha sido perfecto, pues los actores, tanto el equipo de bomberos, como los vecinos, consiguen a base de naturalidad y buena fé que no creamos al 100% sus actuaciones (increíble la pareja de ancianos explicando que es lo que ocurre). Sinceramente, ha sido un acierto el seleccionar actores totalmente desconocidos para el film, consiguiendo de esta forma que te involucres más aún si cabe en la película, pues consiguen con una interpretación tan natural y convincente que te creas de verdad que estas viendo un reportaje de telerrealidad.
El ritmo de la obra es frenético. Desde que llegan al edificio, tienes la sensación de que la tensión no va a parar hasta los títulos de crédito. Y en efecto, con una puesta en escena que pone los pelos de punta, consigue mantener al espectador en un grado máximo de atención en el visionado.
Cierto es que las comparaciones son odiosas, y [REC] cabalga a medio camino entre el montaje de cámara en mano de "El proyecto de la bruja de Blair" y la infección vírica de "28 días después" y "Resident Evil". Personalmente, creo que la angustiosa atmósfera que rodea a
[REC] es infinitamente superior a la realizada en la bruja de Blair. La acción transcurre de forma más vigorosa y eso el público lo nota.
Desde el momento en que abren la puerta de la vivienda de la anciana, una sensación de desasosiego se apodera de ti, y sabes que no te librarás de ella hasta pasados los 70 minutos del metraje restante.
Pero no todo va a ser emoción, ya que el reparto se toma un descanso a mitad del visionado para dar un respiro al espectador y posteriormente llegar al climax final casi exhausto.
En esta parte central del film, los realizadores se limitan a sacar el máximo partido de sus actores e incluso se permiten el lujo de adentrarse en una vía cómica -véase la escena de la china-. Pero el descanso dura poco, lo justo para reponerse unos minutos y volver a la carga con la metralla final. 
Desde que se descubre el verdadero motivo de la infección (con algunas incoherencias de guión), nos aguardan 30 minutos de acongoje, pues desde aquí hasta el último segundo, los directores se toman en serio su trabajo y exponen todas sus armas de manera muy acertada para dejar al publico en pleno coma terrorífico. Consiguen transmitir ese miedo provocado por la claustrofobia que hacen sentir a los espectadores.
Increíble la escena de la 'niña enferma' de pie, mirando fijamente al policía y a un vecino.
Cierto es, que algunos sustos son predecibles, y puede que algunas reacciones sean ilógicas, pero estando realmente en una situación similar... ¿somos capaces de pensar racionalmente? ¿o nos movemos por impulsos?.
Del reparto ¿que decir? Una estupenda y primeriza Manuela Velasco en el papel de reportera hace que el film salga a flote por si solo. Totalmente merecedora del galardón recogido en
Sitges, nos regala una actuación extremadamente natural y suelta, aunque con momentos -eso si- un poco sobreactuados y exagerados a lo Johnny Depp como Jack Sparrow. Me refiero a los gritos de: no toque la cámara, lo que esta pasando aquí tiene que estar grabado y ser enseñado al público, estamos haciendo nuestro trabajo... snnifff conmovedor...
Pero bueno, sin quitarle mérito, un 10 para Manuela Velasco, que nos brinda una frase mítica como: Pablo grábalo todo..., por tu puta madre. Great !!
En cuanto al resto de actores pues lo dicho, en general todos muy naturales, representando el arquetipo de personajes que les han sido asignados. Mención especial merecen la pareja de ancianos, que no sé yo si serán actores profesionales, porque lo hacen estupendamente.
La madre de la niña enferma con anginas también muy bien, así como el argentino, el practicante, el bombero calvo, la pareja de chinos (atención a la escena de la china explicando que esta pasando) etc.
El único que no me convenció mucho fue el policía joven. Cuando grita, se nota muy forzado y canta un poco. Pero bueno, no iba a ser perfecto todo el reparto.
En lo referente al apartado técnico, me pareció sublime. Tanto la estética rompedora de 'camara en mano' como la atmósfera creada durante toda la película es impresionante. Los efectos especiales, están bastante conseguidos aunque el film no los requiera en abundancia. Los efectos sonoros logradísimos, el sonido de los infectados resulta realmente aterrador. Me pareció un acierto la ausencia de banda sonora; de esta forma parece todo mucho más real, y al fin y al cabo eso es lo que pretenden los directores.
Aunque es cierto que, en dos escenas se les escapan una especie de efectos de sonidos que ayudan a crear emoción, pero que simplemente me parecieron artificiales y que sobraban totalmente en la escena.
Mención especial requiere la fotografía de los 15 minutos en el ático del edificio. Esa lúgubre habitación rodeada de fotografías antiguas, de crucifijos e imágenes santas...
Impresionante la ambientación lograda en los últimos minutos de metraje, una de las habitaciones mas aterradoras que he visto nunca en una sala de cine.
Lo malo, una explicación final a lo ocurrido demasiado atropellada y metida con calzador. No puedes dar una explicación razonable de lo que ha pasado en 80 minutos en solo 3 minutos. Salvo esto, los 10 minutos finales se convierten en todo un portento de dirección. Me parece que están rodados milimétricamente a la perfección, incrementando la angustia y desasosiego sufrida hasta el momento a su máximo exponente.
Recomendación: ir a verla sin saber nada de ella, sin haber visto el trailer, sin crearte expectativas y a ser posible sin la chiquillería típica de estas películas. Una fila llena de hormonados adolescentes pueden fastidiarte el visionado. Mis felicitaciones a aquellos que la vieron en el preestreno en Sitges.
En definitiva, un planteamiento cinematográfico inteligente y de lo más original. Pocas veces hemos visto una idea que resulte tan efectiva como lo ha sido [REC]. Un espectáculo rápido y terrible en forma de falso reportaje televisivo, envuelto por una densa niebla de angustia y horror a partes iguales. Una auténtica aventura de acción en primera persona que te hará sentir realmente agobiado, aderezada con un guión más que notable, consigue sostener la película con toda la credibilidad del mundo.
Películas como esta hacen que todavía nos quede esperanza en el cine español, y más concretamente en el cine de terror español, echado por tierra gracias a producciones del tipo "La monja", "Tuno negro" o "School killer" por poner unos ejemplos.
Gracias a Balagueró y Plaza, podemos disfrutar de una de las mejores películas de terror rodadas en territorio español, por no decir la mejor y más aterradora, con el permiso de "Los otros" y "El orfanato".
Hoy en día, el futuro del cine español de terror está en manos de gente como Balaguero, Amenabar, Bayona y poco más, y esperemos que continúe así por muchos años. Para que luego digan cuatro ineptos que el cine español está perdido...
- Lo mejor: los últimos minutos en el ático y la atmósfera que los rodea
- Lo peor: algunos agujeros de guión
Valoración global: 9 sobre 10
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TITULO ORIGINAL: [REC]
AÑO: 2007
DURACIÓN: 85 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Jaume Balagueró & Paco Plaza
GUIÓN: Jaume Balagueró, Paco Plaza, Luiso Berdejo
FOTOGRAFÍA: Pablo Rosso
REPARTO: Manuela Velasco, Ferran Terraza, Jorge Serrano, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell, Carlos Vicente, María Teresa Ortega, Manuel Bronchud, Claudia Font PRODUCTORA: Filmax
WEB OFICIAL: http://movies.filmax.com/rec/
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror - Intriga
SINOPSIS: Cada noche, Ángela (Manuela Velasco), una joven reportera de una televisión local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche les toca a los bomberos, con la secreta esperanza de poder vivir en directo un impactante incendio. Pero la noche trascurre extremadamente tranquila. Y cuando por fin reciben la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, no les queda otro remedio que seguir a un grupo de bomberos durante su ”misión“ de rescate. En el edificio donde vive la anciana, los vecinos están muy asustados. Demasiado. La mujer, encerrada en su piso, lanza unos gritos desgarradores... Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el cámara, encuentran a la anciana semiinconsciente, rodeada por decenas de gatos. De pronto, la mujer se lanza sobre un bombero, mordiéndole salvajemente, delante de los incrédulos compañeros y del objetivo de la cámara. Es sólo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje único en el mundo: cuando los otros bomberos se llevan al herido, descubren que la única salida del edificio está bloqueada por las autoridades. El edificio ha sido puesto en cuarentena. Parece que un extraño virus se ha propagado en el interior.
lunes, 10 de diciembre de 2007
Gucci en cine gracias a Ridley Scott
La turbulenta historia del éxito de la familia Gucci, apellido vinculado al mundo de la moda, durante los años 70 y 80 será llevada al cine por Ridley Scott. La película estará centrada en la figura de Maurizio Gucci, nieto del fundador, quien consiguió hacerse con el control del negocio tras una cruenta lucha familiar, y que murió tiroteado frente a su apartamento en 1995.
Ridley Scott está actualmente filmando en Marruecos la cinta 'Body of Lies', protagonizada por Leonardo DiCaprio y Russell Crowe. Y, en marzo de 2008, iniciará el rodaje de Nottingham, repitiendo con Crowe como protagonista.
Veremos si Ridley Scott repite el éxito de Alien, Blade Runner o Thelma & Louise, y no nos regala desechos del tipo La teniente O'Neil, Hannibal o El reino de los cielos o mediocridades como Black Hawk derribado y Los impostores.
Leído en SesionDoble
‘December Boys’ no se estrenará en salas comerciales
Warner Bros Pictures Spain comunica escuetamente esta noticia mediante mail y la verdad es que es cuanto menos extraño.
En teoría, la decisión se debe a que ‘December Boys’ no ha pasado los tests de calidad que la compañía exige a sus películas para que sea considerada como producto proyectable en la gran pantalla, o, pensando maliciosamente, … ¿es que su visionado podría romper los esquemas del espectador potteriano en relación a Daniel Radcliffe y perjudicar a esa rentable saga mágica?.
Hasta ahora, se conocía la calificación que se le dió en USA, donde se ha exhibido de forma limitada en tan sólo en 4 cines. Fue calificada como PG-13 por contenido sexual, desnudos, alcohol consumido por menores y tabaco.
Aunque su argumento parece decir lo contrario: cuatro huérfanos salen del orfanato durante el verano para pasar las vacaciones en un pueblo cercano al mar. Pero el idílico plan se verá enturbiado por el rumor de la posible adopción de uno de ellos, lo que causará tensiones en el grupo ya que todos anhelan formar parte de una familia. Los cuatro jóvenes competirán por ganarse el afecto de la pareja poniendo a prueba su amistad.
Total, que la película quedará guardada en un cajón durmiendo el sueño de los justos o la espera de una oportunidad, o puede que el mercado del DVD sea su salvación.
La misma suerte correrá ‘The 11th Hour’, el documental ‘ecológico’ de Leonardo DiCaprio. Cualquiera sabe en éste caso por qué. Quizás para que no caigamos en la paranoia del apocalípsis de este mundo a consecuenica del calentamiento del planeta. Bastante calentamiento de cabeza tenemos con este catastrofístico tema.
Aquí teneis el trailer oficial que se había preparado y que promete algo. Habrá que ver el resultado final..., en DVD.
Leído en TuBlogDeCine
lunes, 3 de diciembre de 2007
Planet Terror: Crítica
La cinta que hoy nos ocupa, “Planet Terror”, es el último largometraje estrenado del escritor, productor y director americano (aunque de origen mejicano) Robert Rodríguez –nacido en Texas-.
Desde siempre he seguido la carrera del director tejano, aunque no en orden cronológico. Allá por 1.996, estrenaba (la por desgracia infravalorada) “Abierto hasta el amanecer” y para mí, con mis escasos 11 años, ya se convirtió en una de mis películas favoritas. Ya sé que no es el género mas recomendado para un niño, pero bueno digamos que siempre he sido un poco precoz en cuanto al cine no apto para menores.
Esa mezcla de thriller con asesinos sin escrúpulos y película de terror de vampiros fue todo un logro que Rodríguez supo combinar a la perfección. Y como siempre, se nota la mano de Tarantino (íntimo amigo de Rodríguez) en la producción y el guión.
Tras “Abierto hasta el amanecer”, llegaría a ver “The faculty”, una cinta de terror adolescente a medio camino entre “Scream” y “La cosa”, que pasó mas o menos aventajada por la taquilla, pero sin un excesivo reconocimiento por parte de la crítica, y con razón la verdad.
Después llegaría el turno de “Desperado” (ya he dicho que no he visto su filmografía cronológicamente) con un descomunal Antonio Banderas convertido en megahombre, repartiendo a diestro y siniestro. A modo de segunda parte de su opera prima y verdadero éxito que lo llenó de reconocimiento, “El mariachi” y con mucho más presupuesto, consigue entretener entre disparo y disparo y logrando excepcionales secuencias de acción, perfectamente realizadas por Robert Rodríguez.
En el mismo año que “Desperado”, firmaría uno de los cuatro episodios que comprenden el largometraje “Four rooms”, donde vuelve a colaborar Tarantino firmando otro capitulo (genial este último) de dicho film.
Luego llegó la saga infantil “Spy kids”, donde repetiría Antonio Banderas como protagonista dela trilogía -la última en 3D- y Rodríguez ganaría fama con los más pequeños de la casa.
Pero no sería hasta 2005, cuando cerraría un magnifico éxito, esta vez sí, de gran reconocimiento en el mundo de la critica. Me estoy refiriendo a la obra de arte “Sin city”. Y es que no se puede calificar de otro modo a esta película si no es como obra de arte. Con una factura técnica impecable y preciosista, y una cuidadísima puesta en escena, “Sin city” se ensalza como una obra cumbre en el cine post-moderno.
Como no, volvería a repetir una colaboración más con Tarantino, esta vez dirigiendo un par de secuencias en la cinta.
Pero llega el momento de hablar de “Planet Terror” y el proyecto en el que está incrustado el que hasta la hora es el último film de Robert Rodríguez.
“Planet Terror” se encuadra dentro de un proyecto sacado de la mente de Tarantino y Rodríguez que lleva por titulo “Grindhouse”. Las salas grindhouse, eran salas de cine cutres y cochambrosas de los 70, donde se exhibían dos películas de serie B (por norma general, terror y ciencia ficción) al precio de una. Básicamente lo que este doble proyecto pretende es transportarnos a una de esas salas, mientras visionamos las cintas.
Por un lado, tenemos el film de Rodríguez –Planet Terror-, y por otro la cinta de Tarantino –Death proof-, mientras que entre el visionado de ambas, se han realizado diferentes trailers falsos (uno de ellos, Machete, se convertirá en un largometraje real) para la ocasión con el fin de que nos metamos más aún en el contexto de las salas grindhouse. Algunos de estos trailers ha sido dirigidos por gente como Rob Zombie o Eli Roth.
Si bien en las salas americanas fueron estrenadas por partida doble, es decir, manteniendo el espíritu original de las películas de serie B, ver dos cintas por el precio de una, en Europa se tomó la decisión de realizar un estreno por film y por separado debido al rotundo fracaso de taquilla que se sufrió en EEUU.
Básicamente, lo que nos plantea “Planet Terror” es una incombustible orgía de sangre, violencia y zombies. Dicho así, alguien podría decir: bua, otra más para la colección… Pues no. Robert Rodríguez se toma todas las libertades para hacer lo que le da la gana, se suelta la melena y consigue firmar un puro espectáculo de diversión y distracción fuera de pretensiones que recorre la pantalla durante los 97 minutos de metraje. Una autentica obra de perversa diversión pura y directa es lo que transmite “Planet Terror”.Partiendo de un guión sin complejos (liberación de un virus que asola un poblado de la América más profunda), los protagonistas se encuentran a su libre albedrío por el pueblo; dedicándose a huir de arriba para abajo de la apestosa marabunta de infectados que los persiguen por un entorno puramente de cine setentero y al estilo de la serie B ítaloamericana.
Los personajes, a la cabeza de Wray y Cherling –Freddy Rodríguez (este no tiene nada que ver con el director) y Rose McGowan respectivamente- son un grupo de lo más variopinto y excéntrico. Desde el jefe de un restaurante obsesionado con conseguir la receta maestra para la salsa barbacoa, hasta unas gemelas con cierto carácter violento y de destrucción, pasando por el sheriff rudo y desconfiado y una doctora con las manos dormidas…
A partir de aquí, se requiere un completo estado de relajación por parte de los espectadores, para su posterior disfrute como cinta de entretenimiento; pero eso si, sin dejar pasar por alto la impresionante puesta en escena que nos plantea Rodríguez, no exenta de piruetas, explosiones, sangre y casquería para el espectador más exigente. Simple y llanamente, Robert Rodríguez nos bombardea con una continua sucesión de secuencias y planos de todo el amplísimo catalogo de cintas que el realizador mamó en su adolescencia.
En lo que respecta al reparto ¿que decir? Casi se podría hablar de una obra coral, pues el numero de actores que lo componen y la categoría que cada uno tiene por si solo ya es reseñable.
Rodríguez consigue unir a un elenco en el que destacan Bruce Willis, como teniente malísimo post-salvador de la humanidad al acabar con Bin Laden (atención a su muerte y discurso final, impagable), Jeff Fahey como el buscador de la receta perfecta de salsa barbacoa, Josh Brolin como celoso doctor, lo cual le permite mostrarnos un amplio repertorio de muecas y ceños fruncidos por doquier, Michael Biehn como el sheriff del pueblo, Marley Shelton como la doctora sexy de la película (con permiso de Rose McGowan), Stacy Ferguson (lider de The Black Eyed Peas) como pseudo amante de la doctora sexy, Tom Savini (diseñador de efectos especiales y de maquillaje) y Carlos Gallardo (mariachi original de su opera prima) como ayudantes del sheriff, o Michael Parks, que repite por enésima su papel de ranger como bien hizo en “Abierto hasta el amanecer”, “Kill Bill 1 y 2” o “Death proof”.
Y evidentemente, un Quentin Tarantino disfrazado de infectado militar, donde en su corta aparición provoca una mini conversación absurda –como no- con la chica de la metralleta por pierna. También impagable, la escena de su miembro desprendiéndose de su cuerpo.
Destacar la aparición del hijo en la vida real de Robert Rodríguez (Rebel Rodríguez) al igual que hace Julio Medem en “Los amantes del circulo polar”. Esta vez, hace de hijo de la doctora sexy, y tras los títulos de crédito veremos una pequeña sorpresa con él (de ahí que investigara y llegara a la conclusión de que es su hijo en la vida real), así que lo más ansiosos que aguanten hasta el final de los títulos de crédito.
Una música impecable y pegadiza a cargo también de Robert Rodríguez, no dejará de sonar en tu cabeza tras acabes de ver la cinta, encaja a la perfección con el tono humorístico (que lo tiene y mucho) y gore (también lo tiene en cantidades a granel) de la cinta.En definitiva, un film que no pierde un vertiginoso ritmo en todo momento y con un humor negro y grotesco que hará las delicias de los fans del género. Consigue momentos de delirio colectivo y absoluto genio dirigidos bajo una virtuosa dirección a cargo de Robert Rodríguez, que consigue un espectáculo eficientemente entretenido, con unas secuencias deslumbrantes en originalidad. "Planet Terror" es sin duda, un juego al que nos quiere invitar Rodríguez. Un juego único e irrepetible del que si eres cómplice, te hará sentir lo que nunca sentiste en una butaca. Puede que los críticos la tachen de "locura" o "desfase" por parte de Rodríguez, y no se valore en absoluto, pero eso se debe a que buscaban ver a algo que no existe, y ocupados en esa búsqueda, se olvidaron de sentarse en su butaca y divertirse, pues para mi "Planet Terror" es el regreso, cuando todo parecía muerto, al divertimento más puramente cinematográfico.
Sin duda, muy por encima de la media y, si bien no alcanza el nivel de joyas como "Amanecer de los muertos" o “28 días después” y su secuela con semanas, esa no es ni mucho menos su intención.
A destacar una increíble labor de post-producción, pues como buen homenaje a las cintas de serie B de los 70, el tratado de la imagen digital ha sido empeorado hasta el infinito, degradando los fotogramas durante el metraje, así como el constante cambio de filtro que deliberadamente se produce. Hasta se produce un quemado en el rollo (cosa muy habitual en las salas grindhouse de los 70 ya que al ir pasando de cine en cine, el rollo de la película se iba deteriorando) de la cinta en el momento mas…, bueno ya lo veréis.
Desgraciadamente, Robert Rodríguez cuenta con algunos detractores de sus obras, pero lo verdaderamente cierto en ellas, gusten o no, es que resultan un mero entretenimiento y verdaderamente esto es lo que propone y consigue “Planet Terror”. Camuflada como un homenaje, resulta puro espectáculo para los sentidos, consiguiendo al 200% lo que la propuesta inicial sugería.
- Lo mejor: la libertad de Robert Rodríguez para hacer lo que mejor sabe hacer
- Lo peor: que Bruce Willis no aparezca más
Valoración global: 8,5 sobre 10
_____________________________________________________________________________________ TITULO ORIGINAL: Grindhouse (Planet Terror)
AÑO:2007
DURACIÓN:96 min
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Robert Rodríguez
GUIÓN: Robert Rodríguez
MÚSICA: Graeme Revell, Robert Rodriguez, Carl Thiel
FOTOGRAFÍA: Robert Rodríguez
REPARTO: Freddy Rodríguez, Bruce Willis, Rose McGowan, Josh Brolin, Naveen Andrews, Marley Shelton, Michael Biehn, Stacy Ferguson, Jeff Fahey, Michael Parks, Quentin Tarantino
PRODUCTORA: Dimension Films / The Weinstein Company
WEB OFICIAL: http://www.grindhousemovie.net/
GÉNERO: Terror. Thriller. Acción
SINOPSIS: Grindhouse es una película de terror dividida en 2 partes, una dirigida por Tarantino y la otra por Robert Rodríguez, siendo cada una de ellas de algo más de una hora de duración. A su vez ambas están separadas por falsos trailers de películas de terror, creados por los conocidos directores del género Eli Roth, Rob Zombie, Edgar Wright.
sábado, 1 de diciembre de 2007
Cine en La Hora Chanante
Bueno, pues hoy traigo un pequeño homenaje a ese grandioso programa tan extendido en el 'mundo freak' que es "La hora chanante" o en su nuevo formato en La2 de TVE "Muchachada Nui". Por si alguien no sabe de lo que hablo, la sección testimonios en "LHC" o celebrities en "Muchachada Nui" se basa en la biografia o historia de la vida de personajes famosos, desde los años 80 hasta la actualidad; todo esto desde un punto de vista cómico e hiper-surrealista.
Evidentemente, voy a filtrar todos los testimonios y solo pondré aquellos que esten relacionados en cierta manera con el mundo del séptimo arte. Por ejemplo, aparecen personajes como Francis Ford Coppola, Tim Burton, Lars Von Trier, Macaulay Culkin, Mark Hamill etc.
Sin extenderme más, os dejo con los surrealistas videos interpretados por un genial albateceño de pura raza como es Joaquín Reyes. A echarse a reir...
Francis Ford Coppola
Tim Burton
Mark Hamill
Macaulay Culkin
Lars Von Trier
David Hasselhoff
Mr.T
viernes, 30 de noviembre de 2007
Trailer internacional de 'Youth Without Youth' de Coppola
Francis Ford Coppola ya llevaba mucho tiempo sin deleitarnos con una película, siendo la última la infravalorada ‘Legítima Defensa’, que ya data del 97, aunque también metió mano como director en aquel superbodrio titulado ‘Supernova’, pero de eso mejor no acordarnos. Ahora el maestro regresa con ‘Youth Without Youth’, un film de corte independiente que ya ha levantado pasiones allá donde se ha estrenado.
Situada en la Europa de antes de la Segunda Guerra Mundial, la definen como una historia de amor con misterio, el de un hombre que cambia a raíz de un hecho catastrófico, y explora los misterios de la vida. Tim Roth encabeza el reparto de la película, en la que también salen Alexandra María Lara, Bruno Ganz y un no acreditado Matt Damon. Aún no hay fecha de estreno por estos lares. Disfrutad mientras tanto de su trailer internacional.Edward Norton hará de dos hermanos gemelos en 'Leaves of Grass'
Edward Norton se ha consagrado en su dilatada carrera cinematográfica como uno de los mejores actores de la actualidad. Con un camaleonismo del que pocos pueden presumir (pues ha hecho de nazi, de presunto asesino, de enfermo de insomnio, de mago, de romantico médico, etc.), es uno de los actores de mayor prestigio de los último años en la industria del cine. El actor dará vida a dos hermanos gemelos en ‘Leaves of Grass’, proyecto que también dirigirá Norton, en la que será su segunda película tras las cámaras después de la correcta ‘Más que Amigos’.
‘Leaves or Grass’ cuenta la historia de dos hermanos gemelos,
uno como profesor y el otro un criminal; cuyas vidas cambian de repente, al entrar en escena unos tipos fumadores de marihuana y homicidas. A Norton le acompañará en el reparto Tim Blake Nelson, con quien también ha compartido cartel en ‘The Incredible Hulk’.
‘Leaves or Grass’, que bien puede traducirse como ‘Hojas de Hierba’, empezará a rodarse después de que Norton termina su participación en ‘State of Play’.
Fuente: Blog de cine
miércoles, 28 de noviembre de 2007
Video sorpresa para mi peque
Bueno, pues como sé que le encanta la frase (y la película también) que va a aparecer en el vídeo, este post se lo dedico a mi chica.............................
Hay que ver como te reíste con esta escena ehhh y con la frase más aún; sin lugar a dudas una de las frases más graciosas de la historia del cine (digo graciosas que no famosas).
Y como la usamos ahora cada dos por tres. Si es que el señor Tarantino es un genio en esto del diálogo absurdo. Ya te lo decía yo cuando veíamos "Kill Bill Vol.1" y tu: ¿pero que tiene de buena esta película...?
Luego vimos "Kill Bill Vol.2" y ya te empezó a picar el gusanillo sobre el cine de Tarantino;
bueno en realidad te gusto la escena con la niña -que le llaman Bebe-, y el diálogo del final.Y la verdad es que coincidimos en que el Volumen 2 es relativamente superior al Volumen 1. Sé que hay que considerarlas como una única cinta, pero el Volumen 2 me parece toda una obra de arte, como la escena del ataúd, la pelea en la caravana o el dialogo final entre Mamba Negra y Bill por nombrar unas pocas.
Y ya con "Pulp Fiction" (indiscutiblemente el mejor film de Quentin, con permiso de "Reservoir Dogs") y "Death Proof" acabaste de apreciar el buen cine tarantiniano. Aunque es cierto que "Death Proof" es un poco floja para estar firmada por Quentin Tarantino.
Bueno peque, espero que te hayas reído con la entrada.
Te quiero!
domingo, 25 de noviembre de 2007
Los Amantes del Círculo Polar: Crítica
Pues hoy voy a abordar de nuevo otra película española, pero que cuenta con unos años más que “Bajo las estrellas”, ya que se estrenó en 1998. Me estoy refiriendo a “Los amantes del círculo polar”; la que es para mi, la mejor película hasta la fecha del portentoso director vasco Julio Medem. Ya se que no es realmente una novedad, pero creo que debe ser analizada para entender todo lo que rebosa la cinta de Medem. Normalmente, como suele ocurrir con el cine de Medem, o la amarás o la odiarás.
Hasta 1998, –fecha clave en la película que nos aborda hoy-, Julio Medem nos había regalado tres grandiosos largometrajes.
“Vacas” (1992), su ópera prima, era toda una novedad en lo que a montaje y narración se refería hasta ese momento en el cine español. Con las actuaciones de Emma Suárez (que repetirá con Medem en dos ocasiones más) y Carmelo Gómez, narra una historia de amor y traiciones familiares a través de los ojos de las vacas que pastan por los prados. No era más que el punto de partida de una larga y dilatada filmografía del realizador vasco –no exenta de pequeños tropiezos, véase “Caótica Ana”-.
Tras “Vacas” (que cosechó excelentes criticas), aparece “La ardilla roja” (1993), solo un año después de que el realizador se estrenara en el largometraje. Un pelín más pretenciosa que su predecesora, aborda el tema de una extraña (como siempre en Medem) y a la vez engañosa historia de amor. Con unas interpretaciones estupendas (Emma Suárez, Karra Elejalde y Nancho Novo están geniales), Medem consigue escribir un relato y unos personajes enigmáticos.
Tres años después, realiza “Tierra” (1996), obra cumbre que consagra a Julio Medem como uno de nuestros directores con más proyección en el panorama cinematográfico. Rodeado una vez más de Emma Suárez, Carmelo Gómez y Karra Elejalde, consigue construir un nuevo poema visual muy rustico e inquietante, jugando con las relaciones a tres bandas y el desdoblamiento de personalidad.
Y por fin llegamos a 1998, el año elegido para el estreno de “Los amantes del círculo polar”, la obra cumbre de Julio Medem, y una de las impactantes y transgresoras en los últimos 15 años del cine español moderno. Imponente y majestuosa en todos sus planos y momentos.
Una hipnótica y deslumbrante historia de amor que gira en torno a las casualidades con las que se topan los protagonistas; esa es la mejor 
forma de definir esta película.
El film, esta relatado en forma de capítulos, donde se introduce al principio de cada uno de estos, el nombre del personaje al que hace referencia el capitulo (punto a favor ya para el montaje).
A partir de ahí, veremos desde su punto de vista particular como transcurre la acción (de esta forma observamos dos visiones distintas de un mismo hecho). Y la magia empieza pronto. Empieza en el momento que aparece el primer nombre en la pantalla –Otto-. Continúa cuando vuelve a aparecer otro nombre en la pantalla –Ana-. La historia de Otto y Ana, la historia de dos niños, la historia de dos niños con nombres capicúas que, coinciden con el apellido del realizador vasco –Medem-, también capicúa ¿tenemos aquí la primera casualidad de la película?
La historia se lee de igual forma del derecho que del revés, igual que el nombre de sus protagonistas. El círculo comienza a dibujarse en los primeros minutos del metraje, para acabar cerrándolo perfectamente de cara al final del filme. La narración cumple un círculo, acabando donde empieza.
Dividida en tres partes claramente diferenciadas (niño, adolescente, adulto), Medem consigue que te involucres en la historia desde el comienzo (si no lo haces estas perdido, la odiarás). Quiere que sientas lo que sienten los personajes. Juega contigo y con el azar, te envuelve en un halo mágico del que no quieres 
huir, ni escapar nunca. Te atrapa en su poesía visual y onírica llena de fuerza y misterio, enigmas y casualidades, amor y odio.
Otto, Ana y una casualidad del destino (una pelota mal lanzada), hace que se conozcan. La misma casualidad (un periódico) hará que los separe.
Separados durante años, tras vivir una de las experiencias más bonitas que se pueden vivir en la vida (encontrar el amor de tu vida y vivir todos los momentos con esa persona), vuelven a encontrarse. Vuelven a encontrarse pero en un lugar completamente desconocido, un recóndito y muy puro lugar del mundo, apartado de todo, de todos.
Personalmente, si tuviera que elegir entre una de las tres partes principales de la historia, me quedaría con la de la infancia. Esa inocencia, esos sentimientos vírgenes aun por descubrir, esa magia inherente en el ambiente.
Las casualidades que les ocurren de niños son verdaderamente increíbles, las soñadas por todos en algún momento de nuestra vida. Un chut a un balón con escasa puntería que se cuela por la pared del colegio, un avión de papel que va a parar a los pies de Ana, la historia de amor que surge entre los padres a raíz de la nota del avión papel (acertadísimo el no desvelar que ponía, cada uno que se imagine su frase de amor perfecta).
Aunque si tuviera que destacar una escena clave en las casualidades de los protagonistas, sería la de la escena en la plaza mayor de Madrid. Verdaderamente, te pone los pelos de punta el pensar que están uno al lado del otro, que tan siquiera solo con girarse se veían; sencillamente impresionante (solo te quedan ganas de gritarles a los dos, que se tienen justo detras). Pero su destino no quiere eso, el círculo que ya empezó a trazarse tiene que acabar donde empezó, y no fue así.
En el papel de Otto, tenemos a un Fele Martínez un poco tenso –quizá lo menos destacable del film-. Con un rostro que no varía prácticamente en todo el metraje, pienso que es el único personaje que no está a la altura de lo que exige la película. La figura de Otto requiere más 
de lo que Fele Martínez puede aportar. Resulta un personaje más profundo que el de “Tesis”, y eso parece que no lo acabe de entender.
Mucho más naturales están el niño y el adolescente que hacen su mismo papel unos años más atrás. También comentar que el niño que hace de Otto (Peru Medem) es hijo en la vida real del director Julio Medem.
Por otro lado, en el papel de Ana, está una insuperable Nawja Nimri –como siempre-. Su voz, aporta el tono perfecto que requiere la película. Armoniosa y poética, redondea (como el circulo) a la perfección su actuación con su timbre de voz, pausado y relajante.
Ana en adulta, nos regala frases como estas:
Estar enamorada no es fácil. No basta con desearlo, hay que oírlo.
Salta por la ventana. ¡Valiente!
Estoy esperando la casualidad de mi vida, la más grande.
Podría unir mi vida uniendo casualidades. La primera y la más importante fue la peor...
Nancho Novo, que repite con Medem tras “La ardilla roja” y “Tierra”, está más que correcto en su papel de padre de Otto. La verdad es que es un actor multiusos, encajando perfectamente tanto en comedia como en drama. Por desgracia, no se le da la relevancia que merece, y parece que no termina de encajar en el panorama cinematográfico nacional.
Y Maru Valdivielso también está muy creíble en su papel de madre de Ana. Junto a Nancho Novo, forman una pareja estupenda que se complementa a la perfección, dotando de más realismo aun si cabe al film.
Perfectamente construidos y estructurados los personajes, y soberbiamente dirigidos por Medem, el conjunto de protagonistas redondea la película hasta alcanzar el nivel de genialidad.
En lo referente al apartado técnico de la película, destacar la labor de fotografía y montaje. Si bien es cierto que el montaje no resulta del todo novedoso, pues el referente de utilizar la voz en off y diversos flashbacks para narrar acciones pasadas, el poseer una estructura concéntrica que va tomando forma a medida que transcurren los minutos, así como la elección de narrar la historia bajo los puntos de vista subjetivos de los protagonistas hacen del trabajo del director de montaje, un muestra de elegancia y a la vez virtuosismo muy pocas veces visto antes –sobretodo en España-.
Tanto la elección de los paisajes, como de los filtros utilizados en cámara y en post-producción, jugando con tonos azulados y fríos (sobretodo al final de película en Finlandia) resultan exquisitos y en contraposición al ardiente amor que rebosa de la pareja protagonista.
En el apartado sonoro, destacar (otra vez) la colaboración del fantástico Alberto Iglesias con Medem. Trabajando juntos desde “Vacas”, nos llega una música exquisita para nuestros sentidos en “Los amantes del círculo polar” que encaja a la perfección con la acción que transcurre en cada momento, marcando el tono y el ritmo durante el visionado.
En definitiva, estamos ante una gran historia de amor contada desde el particular punto de vista de Julio Medem, con toques mágicos y melancólicos a la vez, desarrollada en un ambiente donde se entrelazan la vida de los dos personajes con nombres capicúas. Un ambiente lleno de azar y casualidades, donde el destino es el verdadero protagonista y no siempre nos regala situaciones felices. El destino tiene una doble cara, alegría y tristeza, sonrisas y lágrimas, vida y muerte.
Un excelente trabajo del realizador vasco, que se añade al ya conocido como “Universo Medem”. Un trabajo que recoge a la perfección lo innato de los sentimientos humanos y los transforma en pura poesía visual. Solo Medem sabe hacer eso; es un maestro haciéndolo. Si no te gusta Medem, si no entiendes sus películas, si te aburres en la sala, mejor olvídate de esta. Para el resto, preparaos a disfrutar como nunca. No os hagáis una idea preconcebida. Visionarla con la menta abierta y despejada más que nunca, sabiendo que estáis viendo un mundo relatado y construido por Julio Medem.
Con todo lo resumido a su favor, majestuosa en todos los sentidos, es un filme que se transforma en todo un referente obligado dentro del cine español de los años 90. Una autentica obra maestra que solo nos podía regalar Medem. Gracias Julio.
- Lo mejor: las casualidades que dan forma a la historia. Lo grande del destino
- Lo peor: una mejorable interpretación de Fele Martínez
Valoración global: 10 sobre 10.
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TITULO ORIGINAL: Los amantes del círculo polar
AÑO: 1998
DURACIÓN: 114 min
PAÍS: España
DIRECTOR: Julio Medem
GUIÓN: Julio Medem
MÚSICA: Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA: Gonzalo Fernández-Berridi
REPARTO: Fele Martínez, Najwa Nimri, Nancho Novo, Maru Valdivielso, Jaroslaw Bielski, Peru Medem, Sara Valiente, Victor Hugo Oliveira, Kristel Díaz, Pep Munné
PRODUCTORA: Sogetel
GÉNERO Y CRÍTICA: Drama romántico
SINOPSIS: Una historia de amor apasionada y secreta, contada por cada uno de sus protagonistas, Ana y Otto, desde que tienen ocho años hasta los veinticinco. Todo comienza en 1980, a la salida de un colegio, cuando dos niños echan a correr por distintos motivos. Desde esa tarde en la que se les escapa el mundo, las vidas de Ana y Otto se trenzarán en un mísmo círculo, que comenzará a cerrarse diecisiete años más tarde, en Finlandia, en el mismo borde del Círculo Polar.
