martes 29 de julio de 2008

Luis Buñuel, genio y figura

Hoy, 29 de Julio de 2008, hace 25 años que murió el mayor cineasta que ha dado la historia de este país; Luis Buñuel Portolés.

Luis Buñuel, nacido el 22 de febrero de 1900 en Calanda (Teruel, España) y fallecido el 29 de julio de 1983 en la Ciudad de México, fue un director de cine español naturalizado mexicano, considerado uno de los más importantes y originales en la historia del cine mundial. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia.

Gran amigo de artistas consagrados como Salvador Dalí (co-guionista de su primer corto, Un perro andaluz), Federico García Lorca, Rafael Alberti y Juan Ramon Jimenez entre otros, Luis Buñuel destacó por ser un controvertido realizador, rompedor de todos los esquemas fílmicos y que le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida.

Desde aquí me gustaría rendirle un pequeño homenaje mostrando los primeros fotogramas que rodó en Un perro andaluz, su primera y surrealista obra; todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.

Atención a las imágenes y en la controversia que generaron estas en un año como 1929. Cientos de denuncias fueron recibidas contra su exposición tachándola de obscena y cruel. Para mi, una obra de arte. El cortometraje entero en YouTube; sus primeros comienzos detrás de la cámara, aquí.


martes 22 de julio de 2008

El incidente (The Happening)

El incidente: tras el varapalo sufrido por su última producción, La joven del agua, el realizador M. Night Shyamalan vuelve por los derroteros que tanto éxito le produjeron cintas como El sexo sentido o Señales. Shyamalan retoma el género de lo fantástico y la intriga con una historia de pulso firme pero tremendamente plana y aderezada con unos protagonista de actitudes y recursos más bien limitados. Todo esto, unido a una historia de amor más bien boba y sin ningún interés para el espectador, hacen que Shyamalan vuelve a fracasar con un producto normalito, donde una vez más, lo mejor está en el trailer. Mi más sincero reconocimiento para el encargado de montar el trailer; pues, repito, una vez más me ha engañado.

Nadie duda que el mayor éxito de Shyamalan ha sido (y a este paso, será) El sexto sentido. Tras ella, y de forma totalmente subjetiva me quedo con Señales, El bosque, la muy sobrevalorada El protegido y por último La joven del agua. Con El incidente, Shyamalan quería volver a ser el que era, a tocar temas misteriosos sin que sepas muy bien que está pasando, pero sintiéndolo mucho creo que le ha salido el tiro por la culata.

Estamos ante un thriller de impactante comienzo, pero de desarrollo poco ágil y con un ritmo a golpes. Efectivamente, lo mejor de
El incidente sucede en los diez primeros minutos. Estamos ante una cinta desigual, con algunos momentos brillantes como los obreros cayendo del edificio, o cualquiera de los suicidios perpetrados por las personas "contaminadas". Pero al igual que El incidente tiene momentos brillantes, la cinta esta repleta de diálogos flojos y risibles, situaciones y reacciones tremendamente discutibles, y por último un desenlace acorde a todo lo expuesto anteriormente: flojo. Shyamalan decide terminar la historia de la forma más previsible y fácil posible. No se arriesga en absoluto recurriendo al bonito final pero con la efectiva forma de dar pie a una segunda entrega (lo dudo y espero que no se lleve a cabo).

Técnicamente, El incidente es sobresaliente y me atrevería a decir que es su mejor obra. Desde la puesta en escena hasta la mística y emocional envoltura que da forma al film, observamos la capacidad de Shyamalan de crear atmósferas atractivas visualmente. A todo ello se une la estupenda banda sonora de desarrollo ascendente que va in-crescendo a medida que avanza la cinta.

Del reparto de actores mejor ni hablamos. Mark Wahlberg está desastroso. Es incapaz de llevar a buen puerto su personaje. Repite muescas hasta la saciedad y parece interpretar de igual forma cuando está en clase que cuando están huyendo del "viento". Parece que solamente el bueno de Martin Scorsese ha sido el único realizador capaz de sacarle el jugo interpretativo en Infiltrados. Zooey Deschanel está simplemente normal. No aporta mucho a un personaje que podría haber dado mucho más juego del que en realidad aporta finalmente. La resolución de la historia de amor entre ambos resulta hueca y estúpida. Por último, el mejor personaje de largo de todo el film es la anciana del final, con un papel muy similar al que nos brindó Kathy Bates en la impactante Misery de los 90.


En definitiva, El incidente es una propuesta menor en comparación con El sexto sentido o Señales. Buenas intenciones, excelente comienzo pero un desarrollo y una resolución espantosa. Ritmo mal llevado y unos actores que no están a altura de un proyecto quizá demasiado ambicioso en su contenido. Puntuación: 5 sobre 10.


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viernes 18 de julio de 2008

The Spirit, trailer de lo nuevo de Frank Miller

Si el primer teaser que disfrutamos de The Spirit era muy conceptual y de apenas un minuto de duración, aquí tenemos el segundo teaser-trailer un poco más largo y tirando más hacia lo onírico que hacia la acción que todos esperábamos.

Tras su colaboración en Sin City y 300, ahora Frank Miller se pone a los mandos de la dirección en este nuevo proyecto que lleva por nombre The Spirit. The Spirit es un personaje ficticio de cómic creado por Will Eisner en 1940. El cómic narra las aventuras de un justiciero enmascarado, Denny Colt, que lucha contra el crimen bajo el alias The Spirit con el apoyo del jefe de policía local.

El 19 de julio de 2006 The Hollywood Reporter confirmó que Frank Miller dirigiría la adaptación al cine de The Spirit, un proyecto que ya llevaba en marcha desde 2004. La película tendrá a Gabriel Macht como Spirit. También contará como secundarios a un nutrido reparto de estrellas populares tales como a mi adorada Scarlett Johansson, la sensual Eva Mendes, la española Paz Vega y el siempre genial Samuel L. Jackson como Octopus.

El estreno está previsto para el 25 de Diciembre -justo en Navidad- en USA y el 20 de Marzo de 2009 aquí en España (según IMDB), aunque los admins de tublogdecine.es apuestan por que el estreno nacional sea también el 25 de Diciembre de este mismo año. Habrá que esperar una fecha más concreta y veraz. Mientras tanto, aquí tenéis el teaser-trailer para ir abriendo boca. Lo próximo de Frank Miller, la esperada secuela de la fantástica Sin City, junto con Robert Rodriguez a la dirección. Fecha prevista, 2009.




martes 15 de julio de 2008

Largo domingo de noviazgo

Largo domingo de noviazgo: ¿que nos podía ofrecer Jean-Pierre Jeunet, el director de la fantástica y genuina Amelie? Pues una obra muy en su línea, llena de estilo propio y que rebosa toda la personalidad y el cine más personal del mismísimo Jeunet. Se podría definir como una continuación de Amelie en el pasado; como una segunda parte de la vida y amores de Amelie reflejada en el contexto histórico que tiene lugar en la vieja Europa de la I Guerra Mundial. Largo domingo de noviazgo está basada en la novela de Sebastien Japrisot, titulada de igual manera que la cinta de Jeunet.

Es una historia de ficción sobre la desesperada búsqueda que emprende una joven para encontrar a su novio que podría haber muerto en el campo de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Narrada de forma no lineal y con abundantes flashbacks, cosa normal en el cine de Jeunet, Largo domingo de noviazgo es una completísima obra de amor con ciertos matices de comedia y drama. Jean-Pierre Jeunet puede presumir de ser uno de los pocos directores mundiales capaz de dotar a todas sus obras de ese sello distintivo que las caracteriza y que permite identificarlas al instante. Una vez más, Jeunet demuestra todo su poderío visual en Largo domingo de noviazgo, llenado todos los fotogramas con la más absoluta perfección e innovación fílmica.


Resulta todo un reto llevar a buen una cinta de estas características, saber encontrar el equilibrio preciso de contar una historia de amor en plena Guerra Mundial mediante la incurso de cientos de flashbacks que mezclan pasado y presente no sólo de la vida de su amado Manech, sino la de los otros cuatro soldados sentenciados a la pena de muerte. Y es que aquí es donde encuentro el mayor fallo de Largo domingo de noviazgo, en el confuso entramado de investigación que teje Mathilde para encontrar a su novio. Llega un momento en que resulta casi imposible no perderse entre la multitud de nombres, datos, fechas, sucesos y demás que se narran en las dos horas que dura la cinta. Pese a todo y con un poco de paciencia y atención, se puede seguir el hilo de Largo domingo de noviazgo sin demasiados problemas. Aunque un segundo visionado no estaría de más, para comprender mejor esta preciosa historia y comprender verdaderamente todo su potencial fílmico y artístico.


Jean-Pierre Jeunet ha sido ambicioso en su -hasta ahora- último largometraje, pues ha sabido componer y mezclar el mundo real de una gran guerra como su capacidad imaginativa y creativa llena de referencias personales. Sabe manipular las realidades a su antojo, dotándolas de una estética impresionante llena de ingenio y finiquitándola de forma sobresaliente.


Del reparto de Largo domingo de noviazgo podemos destacar a una omnipresente Audrey Tatou como Mathilde. Es inevitable sacar comparaciones con su tierna y dulce Amelie, por eso no lo haré, ya que dejaría a Mathilde -su personaje en esta obra- casi a la altura del betún en comparación con Amelie. Parece que Jeunet ha encontrado su musa artística con Audrey Tatou, y hoy por hoy, parece casi imposible imaginar a Amelie sin su cara, o en este caso a Mathilde sin su personalidad e inocencia. Completan el reparto Gaspard Ulliel como Manech, Jean-Pierre Becker, Dominique Bettenfeld, la reciente ganadora del Oscar Marion Cotillard y una fugaz aparición estelar de Jodie Foster en una de las mini-historias más bonitas del film.


Del apartado técnico de Largo domingo de noviazgo, destacar como no una preciosista fotografía a cargo de Bruno Delbonnel, capaz de jugar con los ambientes grises y fúnebres de las trincheras francesas, hasta los tonos dorados y cálidos de campiña francesa donde reside Mathilde. Y por supuesto nombrar a un grande de la música como es Angelo Badalamenti (compositor habitual de David Lynch) que logra crear una serie de temas que enfatizan el tono romántico que emana Largo domingo de noviazgo.


Resumiendo, no se puede decir que Largo domingo de noviazgo alcance el nivel de Amelie ni mucho menos, pero es reseñable el notable trabajo alcanzado por Jean-Pierre Jeunet, siempre fiel a su estilo personal. Es innegable la calidad que destila cada fotograma de la obra, y tratar la dualidad narrativa del amor y la guerra mediante flashbacks merece mi reconocimiento. Completa obra con el sello característico de Jeunet llena de magia y romance y con la que Audrey Tatou inunda la pantalla. Puntuación: 8 sobre 10.


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miércoles 9 de julio de 2008

El increíble Hulk (Hulk 2)

El increíble Hulk: pues la verdad es que poco que decir sobre la nueva adaptación del cómic de la Marvel. El "bicho verde" vuelve a lo grande tras las numerosas críticas recibidas por parte de los incombustibles fans de la masa a la primera entrega realizada por el director Ang Lee. A ver, yo entiendo que la inmensa mayoría de seguidores de Hulk se llevaran una tremenda decepción con la intimista adaptación que hizo Lee de Hulk para la pantalla grande. El primer Hulk de Lee se abordó como una visión personal del personaje, relevando la acción y la espectacularidad de las imágenes a un segundo plano. Se le concedió más importancia a la vida de Bruce Banner, su infancia y juventud, sus primeras investigaciones y su relación con la doctora Betty Ross. Ang Lee traza una delgada línea que separa al superhéroe del monstruo y la ejecuta con maestría y mucha sobriedad. La casi ausencia de acción en las mas de dos horas del film, y el hecho de que Hulk no aparezca hasta pasados los 40 primeros minutos de metraje hizo poner en pie a toda la masa de fans del cómic original que se sintieron estafados al no encontrar todos los FX deseados. Sinceramente no lo entiendo. La primera parte de Hulk es una muy buena propuesta, diferente y mucho más intimista y completa que la mayoría de películas de superhéroes que se adaptan al mundo del celuloide. Podemos compararla al Batman que creó Christopher Nolan (Batman Begins). ¿Acaso alguien critica al Batman de Nolan? Muy poca gente. Me parece una injusticia toda esa cruzada levantada contra Ang Lee y su inteligente y diferente versión de Hulk.

En cuanto a esta nueva revisión del superhéroe de la Marvel, El increíble Hulk dirigida por Louis Leterrier (saga Transporter) es puro cine de acción y entretenimiento; justo lo que buscaba toda esa legión de fans que echaban chispas por la entrega anterior. El principal cambio que veo positivo con respecto a la versión de Lee es el de Eric Bana por un estupendo Edward Norton. El Bruce Banner de Eric Bana estaba totalmente carente de expresividad y con la misma cara de alcachofa (igualito que Nicolas Cage) en una escena dramática que en una de emoción.

Edward Norton
da un giro de 180 grados al personaje dotándolo de mayor profundidad -si bien es cierto que no lo requiere mucho-. Norton se mueve con soltura durante toda la cinta e incluso el papel de Banner se le queda un poco pequeño dado el potencial que todos conocemos de él.
Un cambio que me ha parecido patético ha sido el de la doctora Betty Ross. Cambiar a Jennifer Connelly por Liv Tyler me parece una aberración. Podemos decir que la química Norton-Tyler más o menos funciona, pero me hubiera encantado más la combinación Norton-Conelly en la pantalla grande. De Liv Tyler destacaría sus enormes ojos azules y poco más. Se mueve sin saber muy bien que está pasando, si salir corriendo cuando ve a Hulk o echarse en sus brazos. Y esa relación de amor-odio-amor con su padre, el general Thaddeus Ross (William Hurt) no me acaba de convencer. Por último, la incursión en esta nueva entrega del personaje de Tim Roth es todo un acierto. Roth está estupendo como villano -una vez más- y es el enemigo perfecto (tanto humano como el monstruo Abominación) al que puede enfrentarse Norton en la cinta.

Por lo demás,
El increíble Hulk es la típica película de superhéroes, con su acción, sus efectos digitales, sus increíbles efectos sonoros, su guión para niños, el típico cameo de Stan Lee en las adaptaciones Marvel y poco más. Todo muy previsible. Más que correctos efectos con una impresionante lucha final (Hulk vs Abominación) de 20 minutos en la ciudad de Nueva York donde todo acaba siendo destruido. Por último, destacar la intervención al final de la cinta de Tony Stark (Robert Downey Jr) en una conversación con el general Ross, que da pie a la más que probable entrega de Los vengadores, donde de momento unirán fuerzas Iron Man y Hulk. Puntuación: 6 sobre 10.

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domingo 6 de julio de 2008

Sexo en Nueva York

Sexo en Nueva York: vuelve el sexo, vuelve Nueva York y vuelven las cuatro chicas más elitistas de toda la historia de la televisión pero esta vez en la gran pantalla. Carrie (Sarah Jessica Parker), Miranda (Cynthia Nixon), Charlotte (Kristin Davis) y Samantha (Kim Cattrall) vuelven a juntarse cuatro años después del final de la sexta temporada para grabar un larguísimo episodio de casi dos horas y media estrenado hace unas semanas en nuestras carteleras y con una impresionante cifra de taquilla. Y es que cualquier excusa es buena para nuestras cuatro protagonistas para dar otra vuelta de tuerca más a la serie creada por Darren Star y Michael Patrick King.

Sexo en Nueva York es un conjunto vacío como película pero repleto de escaparates, desfiles, vestidos, zapatos, publicidad, desdichas amorosas, topicazos del género Made in USA y almíbar; almíbar en exceso para tratarse de Sexo en Nueva York. ¿Qué ha pasado con Carrie? Esa mujer soltera, independiente, liberal y abierta a todo (sin doble sentido). Todos esos valores de su personaje se pierden en cuanto deja atrás a su serie fetiche y comienza la película de Sexo en Nueva York. Ahora es todo demasiado bonito, demasiado artificial. No me lo creo. Además se hecha en falta un mayor protagonismo del sector masculino (véase novios de las chicas) que era mucho más patente en el formato televisivo. Únicamente se le da un poco de importancia a Mr.Big (Chris Noth) y a Steve (David Eigenberg) por los motivos que todos conocemos gracias al destripa-trailer.

No voy a negarlo. Me gusta Sexo en Nueva York, la serie, que no la película. He visto las seis temporadas y reconozco que tiene sus puntos buenos. No soy ningún fan empedernido (al contrario que con mi adorada Friends) pero reconozco todo su potencial. Pero toda esa chispa, ingenio y frescura que desprenden las chicas en la serie parece que se ha evaporado tras dar el salto a la pantalla grande. Nos encontramos ante un desfile de irritantes propuestas y peores resoluciones. Tras una hiperrápida introducción en la que se pone en antecedentes a quienes desconozcan la existencia de esta serie (tampoco entiendo quien va a verla sin haber visto la televisiva serie) y tras el preciosista discurso de una cambiada Carrie Bradshaw, comienza lo bueno. Asistiremos durante más de dos horas a todo tipo de discusiones, enfados, rupturas y sus posteriores reconciliaciones. Todo ello aderezado del humor sexual que caracterizaba a la serie, eso si, rebajado hasta su versión más light y descafeinada.

La primera hora de Sexo en Nueva York se aguanta con soltura, pero a partir de aquí el ritmo decae por momentos y únicamente es salvado por las contadas intervenciones de una inspirada Samantha. Del resto mejor ni hablamos. Cuando llevas dos horas te das cuenta de todo el relleno que han tenido que meter tanto a la historia como al metraje para hacer cabida a todas las firmas y marcas que quería aparecer en la película previo paso por caja. Y es que parece más un desfile de firmas que una película. Y algo peor aún, el personaje de Nueva York desaparece por completo en todo el metraje. Se le releva a una segunda posición como si de un secundario se tratase generando un garrafal fallo y más aún cuando el nombre de este es el que da título a la obra.

Por lo demás, Sexo en Nueva York es una salvable cinta que se mantiene a flote por el tirón que ha tenido la serie al hablar antes que nadie sobre el mundo de las mujeres y el sexo. Podemos resumir su visionado como un episodio hinchadísimo de la serie. Por mi parte consigue el aprobado justito por el personaje de Samantha y la hija chinita de Charlotte que consiguió dibujarme una sonrisa en la cara. El resto más que pasable, poco y malo humor (caca-culo-pedo-pis en México) más propio de una cinta de Apatow que de Sexo en Nueva York. Todo resulta de lo más previsible y ñoño, y asistiremos a una de las versiones más irritantes e histéricas de Carrie Bradshaw. Con su calificación de Mayores de 13 años se pierde una gran baza a su favor que si se disfruto en la serie, y que era dar cabida a lo políticamente incorrecto. Fuera de toda duda, solamente es recomendable para fans o simples aficionados a la serie original o al canal de pago Cosmopolitan. Su tufillo semi-moral al final de la cinta, donde prevalece el amor por encima de todo y de todos se contradice hasta el infinito con el verdadero mensaje que la serie transmitía hace casi una década. Puntuación: 5 sobre 10.

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jueves 3 de julio de 2008

La torre de Suso

La torre de Suso: correcta cinta del debutante Tom Fernández en el largometraje y una sorpresa en la última gala de los Premios Goya con tres nominaciones de las cuales finalmente no recibió ninguna. La torre de Suso bebe mucho del lenguaje fílmico de la televisión, y por momentos parece que asistimos a un capitulo de 90 minutos de cualquier serie nacional. ¿Será Javier Cámara el responsable de dicha similitud? Pues recordemos que en Fuera de carta ocurre exactamente lo mismo. Puede que si y puede que no, pero desde luego, Hable con ella no tenia montaje ni estética de serie nacional, sino de una muy buena cinta de Almodóvar.

Cundo (Javier Cámara) regresa a su tierra después de diez años de ausencia. El motivo es la muerte de su mejor amigo, Suso. Los planes de Cundo son emborracharse con el resto de sus viejos amigos a la salud de Suso, aparentar que todo le va de maravilla y salir corriendo de allí otra vez. Pero ni las cosas le van tan bien, ni Suso se va a conformar con una borrachera... Esta es la sinopsis que tiene La torre de Suso, un film en el que aboga toda su fuerza en la amistad y en un trabajado guión. Se nota la excelente labor tanto de casting como de guión que se ha llevado a cabo en La torre de Suso. Los diálogos están perfectamente cuadrados, y fluyen como el viento que da vida a las tierras asturianas donde sucede la acción. Ni salidas de tono ni recursos fáciles abundan en la cinta del principiante Tom Fernández, sino un sencillo trabajo lleno de humildad y buen hacer.

Gran parte de esta buena acogida se la lleva evidentemente el peso pesado de la película, Javier Cámara. Él solo se merienda a todo el reparto de La torre de Suso y una vez más demuestra las grandes dotes de actor que tiene. Magistral en todos los minutos del film y perfectamente completado con el personaje de Malena Alterio, otra que sobresale con nota de La torre de Suso. Asistimos al reencuentro de Cundo con él mismo, sus raíces y todo lo que dejó atrás en su juventud. Un canto a la amistad más olvidada, a los orígenes de uno mismo y al afán de superación humana. Completan el reparto, Gonzalo de Castro, César Vea, José Luís Alcobendas, Mariana Cordero y Emilio Gutiérrez Caba, pero ninguno de sus personajes alcanza las cotas de Javier Cámara y Malena Alterio. Quizá la ternura de Mariana Cordero como madre de Cundo, está a la altura del citado dúo de actores.


Resumiendo, La torre de Suso es una buena opción como cinta española. Te aporta más de lo que te imaginas en un principio, y en esencia es una película llena de emotividad y melancolía. Con una fotografía de lujo de todo el paisaje asturiano, La torre de Suso se convierte en una alternativa al cine efectista americano, una propuesta nacional, sencilla que huye de pretensiones y que aguarda una gran sonrisa tras su visionado. Pocas cintas son capaces de cambiar de la risa al llanto en cuestión de segundos y verdaderamente La torre de Suso lo consigue. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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lunes 23 de junio de 2008

Shaun of the dead (Zombies party)

Shaun of the dead: pues si, he tenido que verla por segunda vez para captar todo el potencial cómico que emana la cinta de Edward Wright, ya que en su primer visionado no me convenció del todo, y me parecía infinitamente superior Hot Fuzz. Tras verla, debo decir que me sigue pareciendo mejor Hot Fuzz, pero Shaun of the dead ha ganado enteros. Y es que antes de la estupenda Hot Fuzz (aquí en España la conocemos por el nefasto título de Arma fatal, que parece que en cualquier momento pueden aparecer Mel Gibson y Danny Glover en escena), el director británico ya hizo sus incursiones en el mundo de la comedia gamberra, rodando una especie de parodia sobre el género zombie que fue todo un éxito en Inglaterra. Particularmente, no veo a Shaun of the dead como una película de zombies, sino más bien como una historia de amor, de desamor y de reconciliamiento, con zombies de por medio que retrasan a que el protagonista reconquiste a su amada. Podemos decir que es una comedia romántica zombie. La comedia romántica definitiva, llena de mala leche e irreverente gamberrismo.

Evidentemente, y como sucedió después con Hot Fuzz, a España no vino con el título de Shaun of the dead (parodia-tributo a la estupenda Dawn of the dead o Amanecer de los muertos) sino con uno más vistoso y horrendo como es Zombies Party. Títulos a parte, Shaun of the dead resulta una hilarante producción inglesa repleta -como cabría esperar- de humor inglés. Excelente de principio a fin, desde el guión, los gags, los personajes etc. Llena de momentos memorables como el primer contacto con los zombies, los paseos a la tienda de 24 horas o la antológica escena del ataque mientras suena la música de Queen de fondo, perfectamente cuadrada con la acción del momento; hacen de
Shaun of the dead un título indispensable para pasar un buen rato. Atención también al tronchante desenlace final con el posible adisestramiento e incorporación del zombie al mundo laboral. Impagable.

Todo el humor que destila Shaun of the dead es de lo más sutil, huyendo de estupideces Made in USA o lenguaje soez Made in Spain. Se trata el humor de forma inteligente y totalmente cotidiano, con multitud de guiños y referencias al cine de Romero y demás genero de terror-zombie. Se recurre una y otra vez al humor aparatoso, ciertamente muy inglés, y propiciado por los métodos poco ortodoxos y la forma insensata en que los protagonistas hacen frente a la amenaza que se les viene encima. El patetismo que emanan los dos personajes principales se hace nuestro. También resulta cómico, la poca importancia que a veces parecen dar al hecho de que la humanidad se desmorone, enfrascándose más en su propia rutina diaria y preocupaciones que en el fin del mundo. El ser devorado por un zombie pasa en este caso a un segundo plano, dejando como principal motor de la acción a los propios personajes, lo cual me parece un verdadero acierto dar prioridad a estos personajes que a la situación que los rodea y relegándola como a algo de lo más normal.


Simon Pegg y Nick Frost repitieron tras Shaun of the dead a las órdenes de Edward Wright en Hot Fuzz. Simon Pegg, como Shaun, es el líder y protagonista absoluto de la historia, y al igual que en Hot Fuzz está acompañado de un Nick Frost un poco menos tonto que el de Hot Fuzz.

Shaun of the dead tiene un montaje y dirección que si permiten decirlo, me recuerda levemente al de Guy Ritchie y por momentos al del mejor Scorsese. No sabría explicar el porqué, pero al verla me viene a la mente Lock & Stock, Snatch y un poco de Casino e Infiltrados. Aunque parezca un sacrilegio, me recuerda.

En definitiva, Shaun of the Dead es una muy recomendable cinta que integra toques de terror y gore en su peculiar estilo de humor desternillante. Una hilarante propuesta muy inglesa repleta de escenas impagables, que hará las delicias de todos los fans del género zombie y el humor absurdo y elegante a la vez. Personalmente y aunque por poco, me sigo quedando con Hot Fuzz, pero es innegable todo el potencial humorístico que desprende el film de Edward Wright. Zombie, acción..., ¿cual será el próximo género elegido por Wright para parodiar? ¿El western...? Puntuación: 7,5 sobre 10.


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viernes 20 de junio de 2008

Trailer oficial y poster de Vicky Cristina Barcelona

Por fin y tras un semi-fake envuelto en forma de trailer y vendido como primicia, hoy tenemos de una vez por todas, el trailer original y tan esperado del último trabajo del realizador neoyorkino Woody Allen. Me refiero evidentemente a la ya famosa Vicky Cristina Barcelona. En este trailer -ya en condiciones y de montaje correcto-, veremos a Javier Bardem rodeado de las bellezas Penélope Cruz, Rebecca Hall y por supuestísimo Scarlett Johansson.

Por si todavía alguien no se ha enterado, Vicky Cristina Barcelona es una película escrita y dirigida por Woody Allen. El inicio del rodaje fue en junio de 2007 en España, y terminó a finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz, así como por la estadounidense Scarlett Johansson. La cinta fue filmada y se encuentra ambientada principalmente en Barcelona.

En Vicky Cristina Barcelona, dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

En el trailer observamos las claramente diferenciadas personalidades de Vicky y Cristina. Por un lado Vicky busca una estabilidad emocional; casarse con un buen hombre y formar una familia. Por el contrario, Cristina es impulsiva, muy sexual y con ganas de pasar un buen rato con los españoles (ayyyyy si fuera esto cierto en la vida real...)

Tras su paso por Cannes y su correcta acogida, Vicky Cristina Barcelona llegará a los cines antes en EEUU (alguien lo dudaba) y más tarde a España. Concretamente las fechas de estreno son el 5 de Septiembre en USA y 17 de Septiembre en España. Hasta la fecha, os dejo con el trailer original y auténtico y con el póster de la cinta.


miércoles 18 de junio de 2008

Tu vida en 65 minutos

Tu vida en 65 minutos: hacía tiempo que no veía una película tan bonita como lo ha sido para mí Tu vida en 65 minutos. Creo que desde la maravillosa Bajo las estrellas no veía en la pantalla grande (bueno... TV) algo tan emotivo como la cinta de María Ripoll. Desgraciadamente, Tu vida en 65 minutos no disfrutó en su día de una buena distribución y escasa gente conoce de la existencia de tan preciada joya del cine español. El film de María Ripoll bebe mucho de Los amantes del círculo polar de Medem (salvando las distancias claro), cuando aborda temas existenciales entre el amor y la muerte, y sobretodo de las casualidades de la vida. Como cabría esperar, no supera ni mucho menos a Los amantes del circulo polar, pero si que es cierto que se le acerca bastante, tanto por su puesta en escena como su excelente final. Escrita por Albert Espinosa (bravo por su labor y capacidad de emocionarnos al mismo tiempo que nos dibuja sonrisas en la cara), Tu vida en 65 minutos es una grata experiencia cinematográfica, una hermosa cinta que contradictoriamente está llena de dolor y tristeza.

La propuesta inicial de
Tu vida en 65 minutos parte de una narración de un domingo cualquiera. Un domingo cualquiera, tres jóvenes amigos leen la esquela de quien suponen es un compañero del colegio al que hace tiempo perdieron la pista. Acuden al tanatorio y se dan cuenta de que se han equivocado: aquel entierro no es el de su compañero de escuela. A partir de aquí la confusión y el azar tejen una historia de amistad, de amor y de muerte. Narrada de forma brillante, Tu vida en 65 minutos, supone un viaje a través de la vida y la juventud, con multitud de intercalaciones narrativas y referencias que transforman algo cotidiano en algo precioso en forma de poesía natural y callejera que rebosa en sus ricos diálogos.

La directora de Tu vida en 65 minutos, María Ripoll, respaldada por el excelente guión de Albert Espinosa, nos ofrece una bellísima y elegante historia en la que se mezclan con soltura temas tan variados como el amor, la amistad y la muerte; sobre la cual gira toda la película. Es una de esas películas que cuando la ves, resulta imposible no pararse a pensar en la propia vida que llevamos, si es como la imaginamos, y que podemos hacer para mejorarla. Tu vida en 65 minutos no deja indiferente a nadie: o te encanta o la detestas, o la encuentras hermosa o te parece una cursilada infumable. Particularmente, quiero verla como una correctísima película llena de imágenes bonitas y momentos inolvidables. Muchas veces, una propuesta sencilla y fresca, se transforma en una obra de arte.


Si tengo que destacar algo de la cinta de María Ripoll (aparte del cuidado y elegante guión citado lleno de diálogos costumbristas muy bien resueltos) sería sin lugar a dudas la maravillosa banda sonora que acompaña durante toda la película. Simplemente es brillante y muy acertada, sobretodo en el tramo inicial a ritmo de los Cure (que gran canción abre la cinta). Otro punto a favor de
Tu vida en 65 minutos reside en la dirección de actores y el trabajo de estos, destacando sobretodo la labor de Javier Pereira y Tamara Arias, llena de química y miradas que dicen más que las palabras, llenando de magnetismo sus interpretaciones.

Tu vida en 65 minutos destila humildad y buen hacer a raudales, vives las experiencias junto al protagonista, las haces tuyas y cuando acaba la película, te las llevas contigo para siempre. Pocas producciones pueden presumir de conseguir tanta eficacia en apenas 90 minutos. En resumen, Tu vida en 65 minutos es una historia llena de casualidades, de sentimientos reales y reflexiones, situada en un domingo cualquiera en la ciudad de Barcelona, un precioso escenario, para esta comedia urbana. El guión, de Albert Espinosa es más que aceptable, con grandes momentos, como las reflexiones del protagonista en la -excesiva por momentos- voz en off. Pese a todo, una película imprescindible dentro del panorama nacional, intimista y muy personal obra de arte de María Ripoll. Puntuación: 9 sobre 10.

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domingo 15 de junio de 2008

MIRRORS, trailer de lo último de Alexandre Aja

Mirrors es lo último que tiene entre manos Alexandre Aja, director de grandes e impactantes cintas como son Alta tensión o Las colinas tienen ojos. En esta ocasión, el realizador retoma la senda de los remakes con un título coreano de 2003 llamado Geoul Sokeuro y dirigido por Sung-ho Kim. La sinopsis resumida de Mirrors trata sobre un ex-policía metido a guardia de seguridad de unos grandes almacenes y que comienza a investigar una serie de misteriosos asesinatos que ocurren frente a los escaparates de las tiendas. FInalmente, intentará descubrir el origen de todo el mal.

En Mirrors, para el papel del guardia, Aja ha confiado en las tablas de Kiefer Sutherland, quien sigue intentando no encasillarse con su papel en la serie 24. Junto a Kiefer Sutherland, estarán Paula Patton, Amy Smart y Cameron Boyce entre otros.

Mirrors es un thriller sobrenatural con toques de terror, y su rodaje comenzó el pasado mes de mayo en Rumanía. El propio Aja ha escrito el guión y su distribución correrá a cargo de la 20th Century Fox.

La fecha de estreno de Mirrors esta planeada para el 15 de Agosto del 2008 en EEUU, mientras que aquí en España tendremos que esperar hasta el 3 de Octubre para verla en nuestras carteleras. Hasta el momento, os dejo con el teaser trailer y unas cuantas imágenes impactantes de Mirrors, último trabajo del siempre interesante Alexandre Aja.

Yo ya me estoy frotando las manos, pues Aja nunca me defrauda. Con que siga el nivel mostrado en Alta tensión me conformo, aunque por lo visto en el trailer, el elemento sobrenatural es el predominante en esta ocasión y no se hasta que punto puede beneficiar eso a la cinta. A mi me ha recordado en algunos momentos a Darkness (Jaume Balagueró), pero veremos en que se queda toda esta propuesta.


viernes 13 de junio de 2008

Frontiere(S)

Frontiere(S): otra joyita para el últimamente (Alta tensión, A l'interieur, Ils, Malefique) tan de moda cine slasher francés. Bueno, quizá con el adjetivo de joyita soy demasiado generoso, así que vamos a dejarlo en una simple y correcta adaptación francesa a la idea de Hostel. Digo idea de Hostel, porque el planteamiento de Frontiere(S) bebe mucho de la cinta de Eli Roth. Digamos que está a medio camino entre Hostel y La matanza de Texas. Con más "miga" que Hostel, pero como una burda imitación de La matanza de Texas y clásico por excelencia del cine de terror dirigido por Tobe Hooper.

Frontiere(S) comienza de una forma y acaba de otra totalmente diferente. Parte de una secuencia de acción rodada a ritmo videoclipero al más puro estilo Michael Bay; es decir, prácticamente no ves nada gracias a un aberrante montaje y a una horrorosa cámara en mano que parece movida por un epiléptico. En sus 10 primeros minutos parece que estemos viendo la tercera parte de Bad Boys (dios no lo quiera). Tras la fallida presentación de los personajes, comienza el verdadero meollo de la cinta. Cuatro jóvenes deciden huir de los disturbios parisinos para refugiarse en la muy liberal Amsterdam, pero claro, de noche harán la típica y errónea parada en el no menos típico lúgubre ¿hotel? del que estás seguro no va a pasar nada bueno.


Evidentemente, y como cabía esperar, nada agradable ocurre en el citado ¿hotel? de Frontiere(S), pues la ¿familia? que lo regenta es una psicótica y disparatada mezcla de personajes nazis a cada cual más raro. Tras unas cuantas peleas, llegamos al verdadero porqué de la cinta, pues no hacen "cosas malas" por gusto, sino por ¿necesidad?: la familia pro-nazi quiere engendrar un hijo con la chica del film para mantener el legado familiar hitleriano intacto, y procrear así una nueva raza de "sangre pura" (pese a que la prota es más morena que yo), ya que los hasta ahora fetos nacían deformes, y claro esto no se puede permitir en ninguna familia nazi que se precie. En fin, como podéis leer, el argumento de Frontiere(S) no tiene ni pies ni cabeza, pero señores, estamos ante un slasher film y la verdad es que poco importa. Aquí hemos venido a ver hemoglobina a raudales, y si bien está no es derrochada en abundancia como en A l'interieur, de sus compatriotas franceses, las escenas gore están bastante bien resueltas.

El responsable de Frontiere(S) se llama Xavier Gens y a algunos os sonará por ser el responsable de la vergonzante Hitman, la cual no le pienso dedicar ni una mínima reseña. Otra adaptación de un videojuego que es destrozada en la pantalla grande (véase, Street Figther, Mario Bros, Tomb Raider, Alone in the Dark, Doom etc.). Por lo menos, aquí en Frontiere(S), Xavier Gens cumple; justito pero cumple. Del apartado técnico destacar unos correctos efectos visuales, así como unas buenas cantidades de sangre y casquería, sobretodo en el tramo final de la cinta. Los efectos están bien conseguidos, pero de debía dedicar más tiempo a indagar un poco más en las torturas. En los protagonistas, sobresale una muy creíble Karina Testa, como victima de la "familia Hitler".

En resumen, salvo el fallido y efectista inicio de la cinta, y un pobre trabajo de guión y escritura de personajes,
Frontiere(S) es una salvable cinta solamente recomendable para los amantes del género. Una vez más, el cine francés demuestra que no se corta un pelo a la hora de rodar cintas desagradables, donde el color rojo predomina por encima de todo y de todos. Ni muchísimo menos llega al nivel ejecutado en A l'interieur y Alta Tensión de Alexander Aja pero aún así resulta entretenida. Lo mejor, la salvaje escena final. Puntuación: 6,5 sobre 10.

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martes 10 de junio de 2008

La niebla de Stephen King

La niebla de Stephen King: el realizador francoamericano, Frank Darabont, vuelve a adaptar una vez más –y ya van cuatro- al maestro del terror Stephen King, aunque en esta ocasión, y al contrario que en Cadena perpetua o La milla verde, Darabont aborda un relato de terror con toques de thriller sobrenatural y ciencia ficción. La niebla de Stephen King es una más que correcta adaptación cinematográfica al conocido libro de King, que Darabont pudo llevar a cabo, gracias en buena parte a la negativa de Steven Spielberg para que este escribiera el guión de la ya archiconocida por todos Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. De esta forma, el realizador Frank Darabont regresa una vez más a su inspirador autor del que ha conocido sus mayores glorias profesionales, en una propuesta tremendamente efectiva.

La premisa de La niebla de Stephen King es sencilla pero muy sugerente. En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Después de una fuerte tormenta, los habitantes de un pequeño pueblo observan cómo una extraña neblina desciende de las montañas. Varios de estos ciudadanos acuden a hacer sus compras al supermercado del lugar, viéndose de repente rodeados por tan inesperada bruma. Pronto se percatan de que no se trata de un fenómeno meteorológico normal, sino que tras ese blanco manto se ocultan unos temibles seres a las que habrán de enfrentarse. Con este preciso y directo comienzo (el cual se permite el lujo de incluir un guiño hacia el excepcional largometraje de Carpenter, La cosa) empieza una historia que desembocará en el caos total y to
cando temas como el miedo a lo desconocido o la propia desconfianza humana.

La niebla de Stephen King está concebida como un relato de terror humano más que sobrenatural, pues los mayores miedos que se ven en la pantalla son al propio desmoronamiento moral de las personas, a la desconfianza, al fanatismo religioso y a la presión psicológica en las débiles mentes de los vecinos del pueblo. La invasión sobrenatural y los “bichos” no son más que un ingrediente más en la obra, un acompañamiento y un claro homenaje a los clichés y cintas del género de serie B. El resultado es un cinta asfixiante, claustrofóbica y muy estimulante; no llega al nivel de sus obras anteriores –ni lo pretende- pero resulta un verdadero acierto hacer una buena película de miedo tocando materiales y temas más complejos.


A modo de reparto coral, la acción en La niebla de Stephen King transcurre principalmente en el típico supermercado de pueblo americano, donde todos los vecinos se conocen y todos desconfían de todos. Se dibuja una paleta de personajes a cada cual más extraño, que si bien al principio todos parecen unidos, al final veremos como la personalidad humana es mucho más compleja que la propia unión y no se observa ningún atisbo de esperanza en el propio comportamiento humano de los personajes. Es una cinta de terror como las de antaño pero con las técnicas digitales de ahora (aunque no destaquen por su brillantez resolutiva), sin efectismos, sustos fáciles ni incrementos de volumen para ensordecer al público. Como ya he dicho, los monstruos no son más que un telón de fondo y el verdadero terror va calando en los personajes de la cinta, llenos de odio y miedo y que genera una terrible visión del comportamiento humano en situaciones límites, capaz de derrumbar todas las bases de raciocinio y civilización.


Como todo reparto coral que se precie, tendremos todos los arquetipos personificados habidos y por haber (lo cual no siempre es malo), desde el padre-héroe (Thomas Jane) capaz de hacer frente a la invasión desde la razón, hasta la chica en forma de profesora novata, pasando por el niño (esta vez no es repelente y actúa correctamente frente a la tensión), los soldados yanquis, el mecánico de la América profunda que no se cree nada y hasta una fanática religiosa estupendamente interpretada por Marcia Gay Harden y que se convierte, sin lugar a dudas, en el pilar fundamental de La niebla de Stephen King. Su actuación se merienda al resto del reparto –héroe incluido- y ella solita es capaz de poner al borde de la histeria a cualquier espectador. Sorprendente e inconmensurable trabajo el de actriz como perfecta, sobria y hasta elegante fanática religiosa. Del resto no destacaría a nadie más, el padre pasa sin pena ni gloria, la chica –una vez más- hace de mujer florero sin mayor profundidad, y bueno, el niño por lo menos esta vez es salvable y no repelente.


Del apartado técnico de la cinta sobresalen, pero para mal, unos muy pobres efectos digitales y visuales que llegan muy justitos con el nivel global mostrado en la cinta. Si están concebidos así para mantener la idea de serie B me parece de lo más acertado. Si por el contrario buscaban deslumbrar o impactar, desgraciadamente no lo ha conseguido. Otro de los puntos negativos que le encuentro a la factura es el constante abuso de esos zooms aleatorios y sin ningún sentido, así como los interminables fundidos negros que echan por tierra todo el trabajo realizado, pecando incluso de tener ciertas similitudes de telefilme. La fotografía, oscura y sobria, correcta sin más.


En resumen, La niebla de Stephen King es una grata sorpresa que renueva y actualiza los cimientos del cine de terror más clásico y de serie B, huyendo de efectismos y trucos facilones. Peca de excesivo metraje en una obra que se podía haber finiquitado en 90 minutos, pero lo compensa con ese desgarrador y desalentador final que muy pocas veces vemos en la pantalla grande. Se abandonan los cánones del happy end, se rompen las clasistas reglas morales, se juega con los sentimientos del público y finalmente asistimos a un desesperanzador desenlace irónico y de lo más vengativo. Puntuación: 7,5 sobre 10.


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sábado 7 de junio de 2008

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal: pues casi 20 años han tenido que pasar desde la última entrega (La última cruzada) de la famosa saga creada por el tándem generador de taquilla y dólares, Steven Spielberg en los mandos de la dirección y George Lucas a cargo de la historia y la producción. Nadie puede negar la innata capacidad, tanto de Spielberg como de Lucas, para concebir y crear productos de entretenimiento que colmaran las expectativas de grandes y pequeños. Hace 25 años eran los reyes de Midas de Hollywood, y ciertamente hoy en día lo siguen siendo. Siguen siendo unos genios en fabricar entretenimiento sano a base de mezclar aventuras, acción y amor; todo ello aderezado de notables guiones que convertían todas y cada una de sus respectivas producciones en taquillazos sin paliativos. El resultado final con esta cuarta entrega de Indy y el reino de la calavera de cristal es un aceptable producto de agradables aventuras, lleno de acción, emoción, misterio, humor y romance. Donde cojea un poco quizá es en la historia, muy por debajo de sus tres antecesoras, pero aun así es una propuesta muy digna y salvable en buena manera gracias a la implicación total que ejerce Harrison Ford en Indiana Jones y el reino de la calavera.

La historia se centra en 1957, en plena guerra fría que enfrenta a los dos países más importantes del planeta, EEUU y URSS. Una vez más –y ya van cuatro- Harrison Ford se enfunda el sombrero y el látigo que tanto le caracterizan, para dar vida a Indy, uno de los personajes más míticos de toda su filmografía junto a Han Solo de Star Wars. En esta ocasión, nuestro querido Indy, estará acompañado por el joven Mutt (Shia LaBeouf) quien le pide ayuda para encontrar al profesor Oxley (John Hurt), viejo conocido de Indy. Las pistas que tienen son una carta de Oxley para Indy, y como no, una vieja leyenda sobre la calavera de cristal. Tan preciado tesoro, también es buscado por Irina Spalko (Cate Blanchett), la malvada capitana soviética que conoce de sobra a Indy y todas sus triquiñuelas.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal funciona perfectamente durante todo el metraje. Pese a las dos horas de duración el ritmo de la proyección no decae en ningún mo