Camino

Camino: último largometraje de Javier Fesser y cambio radical en su estilo de dirección. Tras las surrealistas -y personalmente nada acertadas- El milagro de P.Tinto y La gran aventura de Mortadelo y Filemón; Fesser se adentra en una vertiente dramática y no exenta de polémica que hace tambalear los cimientos del fundamentalismo religioso más retrógrado y extremista. Con Camino, Javier Fesser nos ofrece su mejor película hasta la fecha y una de las grandes apuesta en la próxima edición de los premios Goya. Camino destila belleza e inteligencia de una manera apabullante.

Poco hay que contar de la sinopsis de Camino, pues se ha hablado y mucho en todos lo medios. La cinta de Fesser está inspirada en la historia de la hija menor de una familia perteneciente al Opus Dei, que falleció en 1985 a los 14 años de edad, y que actualmente está en proceso de canonización. Pero Camino es, sobre todo, una luz brillante capaz de atravesar todas y cada una de las tenebrosas puertas que se van cerrando ante ella, y que pretenden en vano sumir en la oscuridad su deseo de vivir, amar y sentirse definitivamente feliz.

Contada a modo de flahsback, y tras una pequeña introducción de 5 minutos desgarradora y que nos avisa de la que se nos viene encima, Camino es una fabula de color donde la brutal historia se intercala con los sueños -y pesadillas- de la niña, una encantadora y debutante Nerea Camacho, de la que resulta muy difícil no quedarse prendado y enamorado de ella al instante. Camino resulta de una lucidez brillante, capaz de mezclar el amor y la muerte de manera exquisita, jugar con lo metafórico y sobretodo con la dualidad del personaje de Jesús -niño- (lo mejor de toda la cinta). Javier Fesser logra imprimir su sello más personal e intimista, su gusto por lo fantástico entremezclado con lo real consiguiendo una estética visual impactante y brillante.

Comprendo que Camino no haya sentado nada bien en el seno de las instituciones religiosas, ya que lanza dardos envenenados regularmente durante todo el metraje de la cinta. Desde la manipulación sufrida por los niños en la escuela, hasta el fanatismo más radical de la propia madre de Camino, pasando por el recluismo entre hombres y mujeres en las residencias del Opus Dei y hasta las aportaciones económicas de todos sus miembros; quedan reflejados a la perfección por Javier Fesser.

Visualmente, Camino es una obra maestra, tanto a nivel de historia como a nivel de sueños. Autentica poesía fílmica y cinematográfica es lo que derrocha Camino cuando se adentra en la mente de la niña. La inclusión onírica de estos sueños me parece una de las cosas más acertadas del film de Fesser. Si algo debo echarle algo en cara es la excesiva concentración de estos en la primera hora de la cinta, dejando un poco vacía el resto. Aunque comprendo que las directrices temporales son distintas, y su vertiente dramática recae sobretodo en el último tramo de Camino.

En cuanto al nivel interpretativo de Camino hay poco que decir. Sublime. El trío protagonista se merienda la pantalla y con sus actuaciones, demuestran el porqué de su elección para la cinta de Javier Fesser. La niña debutante, Nerea Camacho, hace una de las mejores actuaciones infantiles que un servidor recuerda. Con esos ojazos verdes que inundan la pantalla grande enamora al público que la está viendo. Natural, simpática, agradable y nada repelente, Nerea Camacho sella la mejor actuación de Camino con permiso de sus padres ficticios. Personalmente, espero verla subiendo a recoger el premio a Mejor actriz revelación en la próxima edición de los Goya; y a ser posible con ese vestido rojo que luce en los momentos finales de Camino. Maravillosa escena y emotivo final.

Por su parte, los padres de Camino también cierran unas actuaciones memorables. Carmen Elías dota a su personaje de toda la vena religiosa y fundamentalista que requiere el papel con una desgarradora interpretación muy sobresaliente. Abnegada ante la enfermedad de su hija, no ve más allá de los límites religiosos y solamente por unos segundos, veremos su lado más humano en una escena estremecedora junto a Mariano Venancio. Es muy probable -casi seguro- que veamos a Carmen Elías nominada a Mejor actriz en los próximos Goya, junto a un merecidísimo también Mariano Venancio (que repite con Fesser tras Mortadelo y Filemón) como Mejor actor, quien parece el único sensato en toda la historia de Camino y que aguanta sin derrumbarse junto a su hija. Junto a Nerea Camacho, a nivel personal es la mejor actuación de Camino.

Por último, una correcta Manuela Vellés, quien cambia radicalmente de papel desde que la vimos en la fallida Caótica Ana de Julio Medem. Lo más destacable de su personaje, es el tremendo parecido físico que tiene con la protagonista, Camino.

En definitiva, Camino es una conmovedora y a la vez demoledora historia de amor y muerte, mezclada con un puntito de brillante poesía cinematográfica que no dejará indiferente a nadie. Cine español bien hecho, y la mejor cinta nacional (y de las mejores internacionales) en lo que llevamos de 2008. Resalta las ganas de vivir por encima de todo, y lo hace rompiendo todas las reglas, y arrastrando al espectador durante dos horas y media visualmente espectaculares. Sobresaliente el trabajo de Fesser tanto en la dirección como en el guión que sorprende a todos con un brutal cuento de hadas lleno de magnetismo. Una apuesta clara para la Academia en los Goya de dentro de unos meses. Puntuación: 9 sobre 10.

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Los extraños

Los extraños: la verdad es que tenía grandes esperanzas en esta cinta del debutante en el largometraje Bryan Bertino, pero tras una correcta primera parte, todas mis expectativas se diluyen cual pastilla efervescente en un vaso de agua. De momento, el 2008 no es un gran año para el cine de terror (no olvidemos que REC data de 2007), pues todo lo que aparece en nuestras carteleras esta mil veces visto y ocasiona un refrito en nuestros cerebros. Pero cuando vi el trailer de Los extraños pensé, anda mira, pero si puede estar bien y todo pese a la copia del saco en la cabeza a lo Tomás de El Orfanato. Pero no. Obviamente el género de terror no pasa por un buen momento, y con Los extraños, al menos no parece que vaya a cambiar la situación.

Los extraños me ha parecido una propuesta más bien mediocre, que si bien no tiene una mala introducción, de hecho me resulta brillante por momentos, termina cometiendo los mismos errores que cualquier telefilme de tres al cuarto, con todos los tópicos y situaciones del genero; y lo que es peor, provocando el tedio y la agonía en el espectador, con personajes que no tienen el más mínimo interés y con un final de risa.

Lo mejor de Los extraños es su trailer comercial sin lugar a dudas. Una vez visto el trailer no necesitas ver más. Te ahorraras unos minutos de constante monotonía, explotando el aburrimiento hasta la máxima exponencia. El montador del trailer se merece todos mis respetos y mi enhorabuena, pues ha conseguido resumir en poco menos de 2 minutos todo lo interesante de una cinta de 80 (plano vistoso incluido).

Con los personajes de Los extraños no sabes muy bien que está pasando. Tanto una sosa Liv Tyler como un -no menos soso- aunque voluntarioso Scott Speedman acaban siendo planos y sin ningún interés para el público. Su introducción a trozos tampoco me ha convencido demasiado, generando confusión y desorden en una cinta que no lo requiere. Se comportan eso si con todos los clichés de una "buena" cinta de terror, además de pasearse durante todo el metraje de arriba a abajo con la misma cara y actitud. Mal, mal y mal !! Por lo demás creo que ya está todo dicho. Previsible en todo momento, con situaciones que van desde un Funny Games muy descafeinado, hasta una cinta francesa poco conocido aquí en nuestro país como es Ils; pasando por una escena plagiada de A l'interieur (eso si es cine de terror) y que se ve venir incluso desde los créditos iniciales .
 
A favor de Los extraños nombraré la atmósfera aterradora de los primeros minutos de tensión, su ausencia de banda sonora y efectos sonoros subidos de volumen y que tanto abundan en las películas de terror preadolescente que tenemos que soportar hoy en día, su magistral plano (lo mejor de toda la cinta y que también sale en el trailer) con "el extraño" al fondo, su propuesta de hacer cine de terror sin recurrir a lo truculento y visceral (muy a lo Haneke) y su corta duración (gracias Brian por ahorrarnos el suplicio de alargar la cosa).

En resumen, Bryan Bertino quiere con Los extraños a hacer cine de terror de la vieja escuela, pero se queda simplemente en una mediocre propuesta de poco menos de hora y media de duración. Bien por su planteamiento, mal por su ejecución y resolución. Puntuación: 5 sobre 10.

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Festival de Sitges 2008. Mi Top 10

En primer lugar me gustaría hacer mención al hecho de que por fin he rebasado la barrera psicológica de las 10.000 visitas con el blog. Quisiera darle las gracias a todos los que me visitan con cierta regularidad, así como también a quien lo hace esporádicamente. Este blog es una simple afición de un enamorado del cine y sin vuestras visitas, hace ya mucho tiempo que lo habría abandonado. Todavía no hace un año que lo empecé a escribir y era un reto para mi el que la gente lo leyese, pero jamás me habría imaginado (sin actualizar diariamente) que llegaría a las 10.000 visitas en menos de un año. Por todo ello, muchas gracias.

Ahora sigamos con lo que verdaderamente importa. Después de muchas lecturas de sinopsis e información sobre las cintas que se van a proyectar en poco menos de 3 semanas en Sitges, estoy en disposición de hacer un listado con las 10 cintas que he encontrado más interesantes dentro del Festival y de las que únicamente podré elegir tres para ver. El orden va de mayor a menor preferencia, por lo que las tres primeras serán con bastante probabilidad las verdaderas elegidas (a falta de consensuar con mi chica que evidentemente será mi acompañante de lujo).

1. Mirrors, de Alexander Aja
Un guardia de seguridad de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos.

2. Martyrs, de Pascal Laugier
Una noche a comienzos de 1970 en Francia, Lucie, una niña perdida hace un año es descubierta andando por una carretera. Está en un estado catatónico y es incapaz de decir nada de lo que le ha sucedido. Los policías no tardarán en encontrar el lugar donde ha estado presa: un antiguo matadero... ¿Qué paso en aquel lugar? ¿Cómo consiguió la chica escapar?

3. Eden Lake, de James Watkins
Una pareja se escapa de fin de semana romántico. El chico, Steve, propone pedir matrimonio a Jenny en un sitio idílico: un lago remoto en medio de un bosque aparentemente desierto. La tranquilidad de la pareja se verá interrumpida cuando una banda de chicos jóvenes haga camping en el lugar.

4. Blindness, de Fernando Meirelles
Adaptación de "Ensayo sobre la ceguera" del Premio Nobel portugués José Saramago. Una epidemia de ceguera se extiende por una desconocida gran ciudad contemporánea llevándola al borde de la crisis.

5. RocknRolla, de Guy Ritchie
Cuando un mafioso ruso organiza un acuerdo de compraventa ilegal de terrenos, hay millones de dólares en juego, y todo el mundo de la delincuencia londinense quiere participar. Un peligroso señor del crimen, una sexy contable, un político corrupto y unos ladrones de poca monta conspiran, se alían y se enfrentan entre ellos con la intención de hacerse ricos rápidamente.

6. Transsiberian, de Brad Anderson
Roy y Jessie deciden viajar hasta Moscú en el mítico ferrocarril Transiberiano. Aunque la gente que viaja en el gigantesco y algo tétrico tren es bastante extraña, la pareja no tarda en entablar relación con sus compañeros de compartimiento, Ian y Abby. Sus caminos se cruzarán con el del inspector Grinko, que investiga el asesinato de un narcotraficante.

7. Synecdoche, New York, de Charlie Kaufman
Hoffman interpreta a Caden Cotard, un director teatral que intenta representar una obra creando una réplica de Nueva York a tamaño natural dentro de un almacén. (Trailer no disponible)

8. Surveillance, de Jennifer Chambers Lynch
La historia trata sobre dos policías que intentan detener a un asesino en serie, para lo que cuentan con las declaraciones de varios testigos: una familia, una pareja de jóvenes y un par de policías, cuyas versiones difieren a la hora de explicar su encuentro con el psicópata.

9. Vinyan, de Fabrice Du Welz
Cuenta la historia de una pareja aquejada por fenómenos paranormales tras la trágica muerte de su hijo. Además como telón de fondo está la tragedia del devastador tsunami que asoló parte del suresta asiático en diciembre de 2004.

10. The Informers, de Gregor Jordan
Drama basado en relatos cortos de Bret Easton Ellis. Siete historias entrelazadas y ambientadas en Los Ángeles, protagonizadas por un ejecutivo de Hollywood, su esposa, su amante, una estrella de rock, un vampiro y un secuestrador.

Festival de Cine de Sitges 2008

El Festival de Cine de Sitges es el primer festival de cine fantástico del mundo, y constituye, al mismo tiempo, la manifestación cultural con más impacto mediático de Catalunya. Con una sólida trayectoria, el Festival de Sitges constituye un estimulante universo de encuentro, exhibición, presentación y proyección del cine fantástico de todo el mundo.

Por fin y tras muchos años de espera queriendo ir, va a ser en 2008 cuando asista de una vez por todas al mayor festival de cine dedicado principalmente al género fantástico y de terror. Tan sólo faltan tres semanas para su comienzo y todavía no hay publicada una programación oficial del festival, pero si que nos podemos ir haciendo una idea de las películas que se van a proyectar en esta edición. La 41ª edición, que se celebrará del 2 al 12 de octubre, estará dedicada al 40 aniversario de 2001: Una Odisea del Espacio, de Stanley Kubrick. Además, el Festival dedicará una retrospectiva reflexiva sobre el papel de la ciencia-ficción en la historia del cine contemporáneo, destacando títulos como El Planeta de los Simios, Planeta Prohibido, La fuga de Logan o Encuentros en la Tercera Fase entre otros.

Como plato fuerte en la apertura del festival, este año se contará con la presencia del realizador francés Alexandre Aja, que presentará su último largometraje, Mirrors. Thriller cargado de una atmósfera fantástica, Mirrors es un remake de Into the mirror, film surcoreano que se presentó en el Festival en la edición de 2003 y que llamó la atención del público. El cineasta francés es un viejo conocido del Festival, ya que también en 2003 se hizo con el premio al Mejor Director con la película que aterrorizó a medio mundo y lo convirtió en director de culto, Alta tensión, el cual recomiendo su visionado encarezidamente. Alexandre Aja, afincado en Hollywood desde que realizara el remake de Las colinas tienen ojos, sigue su carrera en Estados Unidos con este film, Mirrors, que representa el mejor cine de terror made in USA.

Mirrors inaugurará Sitges '08 el día 2 de octubre. Una pena porque yo llegaré a Barcelona el día 3.

Entre las películas destacadas para la edición del festival de este año, y a falta como ya he dicho de la programación oficial, encontramos algunas propuestas interesantes de renombre como Blindness, la adaptación de la novela de José Saramago en manos de Fernando Meirelles; Synecdoche, New York, del siempre inclasificable Charlie Kaufman; Transsiberian, de Brad Anderson, presentando un thriller oscuro y neogótico que transcurre en el mítico ferrocarril Repo! The Genetic Opera, una ópera rock dirigida por Darren Lynn Bousman en clave de cine de terror futurista que se podría convertir en la película de culto de este año; y The Informers, adaptación del best seller de Bret Easton Ellis (autor de American Psycho) dirigida por Gregor Jordan con estrellas como Kim Basinger y Mickey Rourke.

También son reseñables las propuestas -mis preferidas- que vienen cargadas de terror, casquería y litros y litros de hemoglobina como por ejemplo Martyrs, de Pascal Laugier, que se ha convertido en el “shock” del año, siendo considerada para muchos como la película más extrema nunca realizada; Vinyan, de Fabrice Du Welz, uno de los jóvenes más prometedores del género que destacó con Calvaire; Eden Lake, un Funny Games británico de James Watkins; y Surveillance, un American Gothic contemporáneo de la mano de Jennifer Chambers Lynch, hija de David Lynch.

Todo esto y mucho más nos espera a los afortunados que vayamos a esta 41º Edición del Festival de Cine de Sitges. Intentaré escribir una reseña sobre mis impresiones en el Festival, ambiente, rostros conocidos etc. si el tiempo y el trabajo me lo permiten.

Beautiful girls

Beautiful girls: prodigiosa cinta del fallecido Ted Demme y sin duda la mejor obra del realizador junto a Blow de su -por desgracia- corta filmografía. Beautiful girls habla de muchas cosas, pero sobre todo es una declaración de intención al sentido más intenso de la amistad. Amistad entendida como forma de vida y compromisos. Habla de la amistad pero de una forma inteligente, habla sobre las relaciones pasadas y presentes de los amigos de la infancia, aquellos amigos de los que perdiste el rastro hace años.

Beautiful girls tiene un generoso reparto encabezado por Matt Dillon. Junto a él aparecen intérpretes de renombre como por ejemplo Uma Thurman, Mira Sorvino o una jovencísima y encantadora Natalie Portman. Su personaje destila dulzura en cantidades industriales y nos encandila a la vez que nos deja una sensación de amargura y nostalgia. Me ha recordado enormemente al personaje que interpreta otra deslumbrante chica, Ellen page, en Juno. Las dos tienen ese toque de ironía y mordacidad en los adolescentes que tan pocas veces se ve en la pantalla grande. Completan el reparto, Timothy Hutton, David Arquette, Lauren Holly y Michael Rapaport.

A parte del completo reparto que acompaña Beautiful girls, destaca sobretodo unos exquisitos diálogos nada exagerados y estupendamente resueltos por el reparto. El guión es de una calidad que asusta, carece de los tópicos de las películas tragicómicas de los 90 y está resuelto al milímetro. Beautiful girls tiene también un humor rebosante de tristeza, con lo que se consigue pasar de la risa al llanto en cuestión de segundos. La música también ha sido una gran elección con ese toque de folk americano que tan bien se acopla al tono melancólico de la obra.

Concluyendo, Beautiful girls es una de las mejores 50 cintas de los años 90. Todo un alegato a la inmadurez personal y al cambio de vida. Un película exquisita llena de personajes entrañables y una historia que en ningún momento cae en la cursilería. Gran obra de Ted Demme. Como ya dije con Blow, bravo Ted. Puntuación: 8 sobre 10.

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Luis Buñuel, genio y figura

Hoy, 29 de Julio de 2008, hace 25 años que murió el mayor cineasta que ha dado la historia de este país; Luis Buñuel Portolés.

Luis Buñuel, nacido el 22 de febrero de 1900 en Calanda (Teruel, España) y fallecido el 29 de julio de 1983 en la Ciudad de México, fue un director de cine español naturalizado mexicano, considerado uno de los más importantes y originales en la historia del cine mundial. La gran mayoría de su obra fue realizada en México y Francia.

Gran amigo de artistas consagrados como Salvador Dalí (co-guionista de su primer corto, Un perro andaluz), Federico García Lorca, Rafael Alberti y Juan Ramon Jimenez entre otros, Luis Buñuel destacó por ser un controvertido realizador, rompedor de todos los esquemas fílmicos y que le gustaba reflejar la visión pesimista y cruel de la vida.

Desde aquí me gustaría rendirle un pequeño homenaje mostrando los primeros fotogramas que rodó en Un perro andaluz, su primera y surrealista obra; todo un clásico del cine de arte y ensayo, una obra única y de culto, fruto de la poderosa imaginación de dos jóvenes mentes -Buñuel tenía 29 años y Dalí 25- poseedoras de un talento tan singular como genial.

Atención a las imágenes y en la controversia que generaron estas en un año como 1929. Cientos de denuncias fueron recibidas contra su exposición tachándola de obscena y cruel. Para mi, una obra de arte. El cortometraje entero en YouTube; sus primeros comienzos detrás de la cámara, aquí.

El incidente (The Happening)

El incidente: tras el varapalo sufrido por su última producción, La joven del agua, el realizador M. Night Shyamalan vuelve por los derroteros que tanto éxito le produjeron cintas como El sexo sentido o Señales. Shyamalan retoma el género de lo fantástico y la intriga con una historia de pulso firme pero tremendamente plana y aderezada con unos protagonista de actitudes y recursos más bien limitados. Todo esto, unido a una historia de amor más bien boba y sin ningún interés para el espectador, hacen que Shyamalan vuelve a fracasar con un producto normalito, donde una vez más, lo mejor está en el trailer. Mi más sincero reconocimiento para el encargado de montar el trailer; pues, repito, una vez más me ha engañado.

Nadie duda que el mayor éxito de Shyamalan ha sido (y a este paso, será) El sexto sentido. Tras ella, y de forma totalmente subjetiva me quedo con Señales, El bosque, la muy sobrevalorada El protegido y por último La joven del agua. Con El incidente, Shyamalan quería volver a ser el que era, a tocar temas misteriosos sin que sepas muy bien que está pasando, pero sintiéndolo mucho creo que le ha salido el tiro por la culata.

Estamos ante un thriller de impactante comienzo, pero de desarrollo poco ágil y con un ritmo a golpes. Efectivamente, lo mejor de El incidente sucede en los diez primeros minutos. Estamos ante una cinta desigual, con algunos momentos brillantes como los obreros cayendo del edificio, o cualquiera de los suicidios perpetrados por las personas "contaminadas". Pero al igual que El incidente tiene momentos brillantes, la cinta esta repleta de diálogos flojos y risibles, situaciones y reacciones tremendamente discutibles, y por último un desenlace acorde a todo lo expuesto anteriormente: flojo. Shyamalan decide terminar la historia de la forma más previsible y fácil posible. No se arriesga en absoluto recurriendo al bonito final pero con la efectiva forma de dar pie a una segunda entrega (lo dudo y espero que no se lleve a cabo).

Técnicamente, El incidente es sobresaliente y me atrevería a decir que es su mejor obra. Desde la puesta en escena hasta la mística y emocional envoltura que da forma al film, observamos la capacidad de Shyamalan de crear atmósferas atractivas visualmente. A todo ello se une la estupenda banda sonora de desarrollo ascendente que va in-crescendo a medida que avanza la cinta.

Del reparto de actores mejor ni hablamos. Mark Wahlberg está desastroso. Es incapaz de llevar a buen puerto su personaje. Repite muescas hasta la saciedad y parece interpretar de igual forma cuando está en clase que cuando están huyendo del "viento". Parece que solamente el bueno de Martin Scorsese ha sido el único realizador capaz de sacarle el jugo interpretativo en Infiltrados. Zooey Deschanel está simplemente normal. No aporta mucho a un personaje que podría haber dado mucho más juego del que en realidad aporta finalmente. La resolución de la historia de amor entre ambos resulta hueca y estúpida. Por último, el mejor personaje de largo de todo el film es la anciana del final, con un papel muy similar al que nos brindó Kathy Bates en la impactante Misery de los 90.

En definitiva, El incidente es una propuesta menor en comparación con El sexto sentido o Señales. Buenas intenciones, excelente comienzo pero un desarrollo y una resolución espantosa. Ritmo mal llevado y unos actores que no están a altura de un proyecto quizá demasiado ambicioso en su contenido. Puntuación: 5 sobre 10.

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The Spirit, trailer de lo nuevo de Frank Miller

Si el primer teaser que disfrutamos de The Spirit era muy conceptual y de apenas un minuto de duración, aquí tenemos el segundo teaser-trailer un poco más largo y tirando más hacia lo onírico que hacia la acción que todos esperábamos.

Tras su colaboración en Sin City y 300, ahora Frank Miller se pone a los mandos de la dirección en este nuevo proyecto que lleva por nombre The Spirit. The Spirit es un personaje ficticio de cómic creado por Will Eisner en 1940. El cómic narra las aventuras de un justiciero enmascarado, Denny Colt, que lucha contra el crimen bajo el alias The Spirit con el apoyo del jefe de policía local.

El 19 de julio de 2006 The Hollywood Reporter confirmó que Frank Miller dirigiría la adaptación al cine de The Spirit, un proyecto que ya llevaba en marcha desde 2004. La película tendrá a Gabriel Macht como Spirit. También contará como secundarios a un nutrido reparto de estrellas populares tales como a mi adorada Scarlett Johansson, la sensual Eva Mendes, la española Paz Vega y el siempre genial Samuel L. Jackson como Octopus.

El estreno está previsto para el 25 de Diciembre -justo en Navidad- en USA y el 20 de Marzo de 2009 aquí en España (según IMDB), aunque los admins de tublogdecine.es apuestan por que el estreno nacional sea también el 25 de Diciembre de este mismo año. Habrá que esperar una fecha más concreta y veraz. Mientras tanto, aquí tenéis el teaser-trailer para ir abriendo boca. Lo próximo de Frank Miller, la esperada secuela de la fantástica Sin City, junto con Robert Rodriguez a la dirección. Fecha prevista, 2009.

Largo domingo de noviazgo

Largo domingo de noviazgo: ¿que nos podía ofrecer Jean-Pierre Jeunet, el director de la fantástica y genuina Amelie? Pues una obra muy en su línea, llena de estilo propio y que rebosa toda la personalidad y el cine más personal del mismísimo Jeunet. Se podría definir como una continuación de Amelie en el pasado; como una segunda parte de la vida y amores de Amelie reflejada en el contexto histórico que tiene lugar en la vieja Europa de la I Guerra Mundial. Largo domingo de noviazgo está basada en la novela de Sebastien Japrisot, titulada de igual manera que la cinta de Jeunet.

Es una historia de ficción sobre la desesperada búsqueda que emprende una joven para encontrar a su novio que podría haber muerto en el campo de batalla durante la Primera Guerra Mundial. Narrada de forma no lineal y con abundantes flashbacks, cosa normal en el cine de Jeunet, Largo domingo de noviazgo es una completísima obra de amor con ciertos matices de comedia y drama. Jean-Pierre Jeunet puede presumir de ser uno de los pocos directores mundiales capaz de dotar a todas sus obras de ese sello distintivo que las caracteriza y que permite identificarlas al instante. Una vez más, Jeunet demuestra todo su poderío visual en Largo domingo de noviazgo, llenado todos los fotogramas con la más absoluta perfección e innovación fílmica.

Resulta todo un reto llevar a buen una cinta de estas características, saber encontrar el equilibrio preciso de contar una historia de amor en plena Guerra Mundial mediante la incurso de cientos de flashbacks que mezclan pasado y presente no sólo de la vida de su amado Manech, sino la de los otros cuatro soldados sentenciados a la pena de muerte. Y es que aquí es donde encuentro el mayor fallo de Largo domingo de noviazgo, en el confuso entramado de investigación que teje Mathilde para encontrar a su novio. Llega un momento en que resulta casi imposible no perderse entre la multitud de nombres, datos, fechas, sucesos y demás que se narran en las dos horas que dura la cinta. Pese a todo y con un poco de paciencia y atención, se puede seguir el hilo de Largo domingo de noviazgo sin demasiados problemas. Aunque un segundo visionado no estaría de más, para comprender mejor esta preciosa historia y comprender verdaderamente todo su potencial fílmico y artístico.

Jean-Pierre Jeunet ha sido ambicioso en su -hasta ahora- último largometraje, pues ha sabido componer y mezclar el mundo real de una gran guerra como su capacidad imaginativa y creativa llena de referencias personales. Sabe manipular las realidades a su antojo, dotándolas de una estética impresionante llena de ingenio y finiquitándola de forma sobresaliente.

Del reparto de Largo domingo de noviazgo podemos destacar a una omnipresente Audrey Tatou como Mathilde. Es inevitable sacar comparaciones con su tierna y dulce Amelie, por eso no lo haré, ya que dejaría a Mathilde -su personaje en esta obra- casi a la altura del betún en comparación con Amelie. Parece que Jeunet ha encontrado su musa artística con Audrey Tatou, y hoy por hoy, parece casi imposible imaginar a Amelie sin su cara, o en este caso a Mathilde sin su personalidad e inocencia. Completan el reparto Gaspard Ulliel como Manech, Jean-Pierre Becker, Dominique Bettenfeld, la reciente ganadora del Oscar Marion Cotillard y una fugaz aparición estelar de Jodie Foster en una de las mini-historias más bonitas del film.

Del apartado técnico de Largo domingo de noviazgo, destacar como no una preciosista fotografía a cargo de Bruno Delbonnel, capaz de jugar con los ambientes grises y fúnebres de las trincheras francesas, hasta los tonos dorados y cálidos de campiña francesa donde reside Mathilde. Y por supuesto nombrar a un grande de la música como es Angelo Badalamenti (compositor habitual de David Lynch) que logra crear una serie de temas que enfatizan el tono romántico que emana Largo domingo de noviazgo.

Resumiendo, no se puede decir que Largo domingo de noviazgo alcance el nivel de Amelie ni mucho menos, pero es reseñable el notable trabajo alcanzado por Jean-Pierre Jeunet, siempre fiel a su estilo personal. Es innegable la calidad que destila cada fotograma de la obra, y tratar la dualidad narrativa del amor y la guerra mediante flashbacks merece mi reconocimiento. Completa obra con el sello característico de Jeunet llena de magia y romance y con la que Audrey Tatou inunda la pantalla. Puntuación: 8 sobre 10.

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El increíble Hulk (Hulk 2)

El increíble Hulk: pues la verdad es que poco que decir sobre la nueva adaptación del cómic de la Marvel. El "bicho verde" vuelve a lo grande tras las numerosas críticas recibidas por parte de los incombustibles fans de la masa a la primera entrega realizada por el director Ang Lee. A ver, yo entiendo que la inmensa mayoría de seguidores de Hulk se llevaran una tremenda decepción con la intimista adaptación que hizo Lee de Hulk para la pantalla grande. El primer Hulk de Lee se abordó como una visión personal del personaje, relevando la acción y la espectacularidad de las imágenes a un segundo plano. Se le concedió más importancia a la vida de Bruce Banner, su infancia y juventud, sus primeras investigaciones y su relación con la doctora Betty Ross. Ang Lee traza una delgada línea que separa al superhéroe del monstruo y la ejecuta con maestría y mucha sobriedad. La casi ausencia de acción en las mas de dos horas del film, y el hecho de que Hulk no aparezca hasta pasados los 40 primeros minutos de metraje hizo poner en pie a toda la masa de fans del cómic original que se sintieron estafados al no encontrar todos los FX deseados. Sinceramente no lo entiendo. La primera parte de Hulk es una muy buena propuesta, diferente y mucho más intimista y completa que la mayoría de películas de superhéroes que se adaptan al mundo del celuloide. Podemos compararla al Batman que creó Christopher Nolan (Batman Begins). ¿Acaso alguien critica al Batman de Nolan? Muy poca gente. Me parece una injusticia toda esa cruzada levantada contra Ang Lee y su inteligente y diferente versión de Hulk.

En cuanto a esta nueva revisión del superhéroe de la Marvel, El increíble Hulk dirigida por Louis Leterrier (saga Transporter) es puro cine de acción y entretenimiento; justo lo que buscaba toda esa legión de fans que echaban chispas por la entrega anterior. El principal cambio que veo positivo con respecto a la versión de Lee es el de Eric Bana por un estupendo Edward Norton. El Bruce Banner de Eric Bana estaba totalmente carente de expresividad y con la misma cara de alcachofa (igualito que Nicolas Cage) en una escena dramática que en una de emoción.

Edward Norton da un giro de 180 grados al personaje dotándolo de mayor profundidad -si bien es cierto que no lo requiere mucho-. Norton se mueve con soltura durante toda la cinta e incluso el papel de Banner se le queda un poco pequeño dado el potencial que todos conocemos de él. Un cambio que me ha parecido patético ha sido el de la doctora Betty Ross. Cambiar a Jennifer Connelly por Liv Tyler me parece una aberración. Podemos decir que la química Norton-Tyler más o menos funciona, pero me hubiera encantado más la combinación Norton-Conelly en la pantalla grande. De Liv Tyler destacaría sus enormes ojos azules y poco más. Se mueve sin saber muy bien que está pasando, si salir corriendo cuando ve a Hulk o echarse en sus brazos. Y esa relación de amor-odio-amor con su padre, el general Thaddeus Ross (William Hurt) no me acaba de convencer. Por último, la incursión en esta nueva entrega del personaje de Tim Roth es todo un acierto. Roth está estupendo como villano -una vez más- y es el enemigo perfecto (tanto humano como el monstruo Abominación) al que puede enfrentarse Norton en la cinta.

Por lo demás, El increíble Hulk es la típica película de superhéroes, con su acción, sus efectos digitales, sus increíbles efectos sonoros, su guión para niños, el típico cameo de Stan Lee en las adaptaciones Marvel y poco más. Todo muy previsible. Más que correctos efectos con una impresionante lucha final (Hulk vs Abominación) de 20 minutos en la ciudad de Nueva York donde todo acaba siendo destruido. Por último, destacar la intervención al final de la cinta de Tony Stark (Robert Downey Jr) en una conversación con el general Ross, que da pie a la más que probable entrega de Los vengadores, donde de momento unirán fuerzas Iron Man y Hulk. Puntuación: 6 sobre 10.

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Sexo en Nueva York

Sexo en Nueva York: vuelve el sexo, vuelve Nueva York y vuelven las cuatro chicas más elitistas de toda la historia de la televisión pero esta vez en la gran pantalla. Carrie (Sarah Jessica Parker), Miranda (Cynthia Nixon), Charlotte (Kristin Davis) y Samantha (Kim Cattrall) vuelven a juntarse cuatro años después del final de la sexta temporada para grabar un larguísimo episodio de casi dos horas y media estrenado hace unas semanas en nuestras carteleras y con una impresionante cifra de taquilla. Y es que cualquier excusa es buena para nuestras cuatro protagonistas para dar otra vuelta de tuerca más a la serie creada por Darren Star y Michael Patrick King.

Sexo en Nueva York es un conjunto vacío como película pero repleto de escaparates, desfiles, vestidos, zapatos, publicidad, desdichas amorosas, topicazos del género Made in USA y almíbar; almíbar en exceso para tratarse de Sexo en Nueva York. ¿Qué ha pasado con Carrie? Esa mujer soltera, independiente, liberal y abierta a todo (sin doble sentido). Todos esos valores de su personaje se pierden en cuanto deja atrás a su serie fetiche y comienza la película de Sexo en Nueva York. Ahora es todo demasiado bonito, demasiado artificial. No me lo creo. Además se hecha en falta un mayor protagonismo del sector masculino (véase novios de las chicas) que era mucho más patente en el formato televisivo. Únicamente se le da un poco de importancia a Mr.Big (Chris Noth) y a Steve (David Eigenberg) por los motivos que todos conocemos gracias al destripa-trailer.

No voy a negarlo. Me gusta Sexo en Nueva York, la serie, que no la película. He visto las seis temporadas y reconozco que tiene sus puntos buenos. No soy ningún fan empedernido (al contrario que con mi adorada Friends) pero reconozco todo su potencial. Pero toda esa chispa, ingenio y frescura que desprenden las chicas en la serie parece que se ha evaporado tras dar el salto a la pantalla grande. Nos encontramos ante un desfile de irritantes propuestas y peores resoluciones. Tras una hiperrápida introducción en la que se pone en antecedentes a quienes desconozcan la existencia de esta serie (tampoco entiendo quien va a verla sin haber visto la televisiva serie) y tras el preciosista discurso de una cambiada Carrie Bradshaw, comienza lo bueno. Asistiremos durante más de dos horas a todo tipo de discusiones, enfados, rupturas y sus posteriores reconciliaciones. Todo ello aderezado del humor sexual que caracterizaba a la serie, eso si, rebajado hasta su versión más light y descafeinada.

La primera hora de Sexo en Nueva York se aguanta con soltura, pero a partir de aquí el ritmo decae por momentos y únicamente es salvado por las contadas intervenciones de una inspirada Samantha. Del resto mejor ni hablamos. Cuando llevas dos horas te das cuenta de todo el relleno que han tenido que meter tanto a la historia como al metraje para hacer cabida a todas las firmas y marcas que quería aparecer en la película previo paso por caja. Y es que parece más un desfile de firmas que una película. Y algo peor aún, el personaje de Nueva York desaparece por completo en todo el metraje. Se le releva a una segunda posición como si de un secundario se tratase generando un garrafal fallo y más aún cuando el nombre de este es el que da título a la obra.

Por lo demás, Sexo en Nueva York es una salvable cinta que se mantiene a flote por el tirón que ha tenido la serie al hablar antes que nadie sobre el mundo de las mujeres y el sexo. Podemos resumir su visionado como un episodio hinchadísimo de la serie. Por mi parte consigue el aprobado justito por el personaje de Samantha y la hija chinita de Charlotte que consiguió dibujarme una sonrisa en la cara. El resto más que pasable, poco y malo humor (caca-culo-pedo-pis en México) más propio de una cinta de Apatow que de Sexo en Nueva York. Todo resulta de lo más previsible y ñoño, y asistiremos a una de las versiones más irritantes e histéricas de Carrie Bradshaw. Con su calificación de Mayores de 13 años se pierde una gran baza a su favor que si se disfruto en la serie, y que era dar cabida a lo políticamente incorrecto. Fuera de toda duda, solamente es recomendable para fans o simples aficionados a la serie original o al canal de pago Cosmopolitan. Su tufillo semi-moral al final de la cinta, donde prevalece el amor por encima de todo y de todos se contradice hasta el infinito con el verdadero mensaje que la serie transmitía hace casi una década. Puntuación: 5 sobre 10.

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La torre de Suso

La torre de Suso: correcta cinta del debutante Tom Fernández en el largometraje y una sorpresa en la última gala de los Premios Goya con tres nominaciones de las cuales finalmente no recibió ninguna. La torre de Suso bebe mucho del lenguaje fílmico de la televisión, y por momentos parece que asistimos a un capitulo de 90 minutos de cualquier serie nacional. ¿Será Javier Cámara el responsable de dicha similitud? Pues recordemos que en Fuera de carta ocurre exactamente lo mismo. Puede que si y puede que no, pero desde luego, Hable con ella no tenia montaje ni estética de serie nacional, sino de una muy buena cinta de Almodóvar.

Cundo (Javier Cámara) regresa a su tierra después de diez años de ausencia. El motivo es la muerte de su mejor amigo, Suso. Los planes de Cundo son emborracharse con el resto de sus viejos amigos a la salud de Suso, aparentar que todo le va de maravilla y salir corriendo de allí otra vez. Pero ni las cosas le van tan bien, ni Suso se va a conformar con una borrachera... Esta es la sinopsis que tiene La torre de Suso, un film en el que aboga toda su fuerza en la amistad y en un trabajado guión. Se nota la excelente labor tanto de casting como de guión que se ha llevado a cabo en La torre de Suso. Los diálogos están perfectamente cuadrados, y fluyen como el viento que da vida a las tierras asturianas donde sucede la acción. Ni salidas de tono ni recursos fáciles abundan en la cinta del principiante Tom Fernández, sino un sencillo trabajo lleno de humildad y buen hacer.

Gran parte de esta buena acogida se la lleva evidentemente el peso pesado de la película, Javier Cámara. Él solo se merienda a todo el reparto de La torre de Suso y una vez más demuestra las grandes dotes de actor que tiene. Magistral en todos los minutos del film y perfectamente completado con el personaje de Malena Alterio, otra que sobresale con nota de La torre de Suso. Asistimos al reencuentro de Cundo con él mismo, sus raíces y todo lo que dejó atrás en su juventud. Un canto a la amistad más olvidada, a los orígenes de uno mismo y al afán de superación humana. Completan el reparto, Gonzalo de Castro, César Vea, José Luís Alcobendas, Mariana Cordero y Emilio Gutiérrez Caba, pero ninguno de sus personajes alcanza las cotas de Javier Cámara y Malena Alterio. Quizá la ternura de Mariana Cordero como madre de Cundo, está a la altura del citado dúo de actores.

Resumiendo, La torre de Suso es una buena opción como cinta española. Te aporta más de lo que te imaginas en un principio, y en esencia es una película llena de emotividad y melancolía. Con una fotografía de lujo de todo el paisaje asturiano, La torre de Suso se convierte en una alternativa al cine efectista americano, una propuesta nacional, sencilla que huye de pretensiones y que aguarda una gran sonrisa tras su visionado. Pocas cintas son capaces de cambiar de la risa al llanto en cuestión de segundos y verdaderamente La torre de Suso lo consigue. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Shaun of the dead (Zombies party)

Shaun of the dead: pues si, he tenido que verla por segunda vez para captar todo el potencial cómico que emana la cinta de Edward Wright, ya que en su primer visionado no me convenció del todo, y me parecía infinitamente superior Hot Fuzz. Tras verla, debo decir que me sigue pareciendo mejor Hot Fuzz, pero Shaun of the dead ha ganado enteros. Y es que antes de la estupenda Hot Fuzz (aquí en España la conocemos por el nefasto título de Arma fatal, que parece que en cualquier momento pueden aparecer Mel Gibson y Danny Glover en escena), el director británico ya hizo sus incursiones en el mundo de la comedia gamberra, rodando una especie de parodia sobre el género zombie que fue todo un éxito en Inglaterra. Particularmente, no veo a Shaun of the dead como una película de zombies, sino más bien como una historia de amor, de desamor y de reconciliamiento, con zombies de por medio que retrasan a que el protagonista reconquiste a su amada. Podemos decir que es una comedia romántica zombie. La comedia romántica definitiva, llena de mala leche e irreverente gamberrismo.

Evidentemente, y como sucedió después con Hot Fuzz, a España no vino con el título de Shaun of the dead (parodia-tributo a la estupenda Dawn of the dead o Amanecer de los muertos) sino con uno más vistoso y horrendo como es Zombies Party. Títulos a parte, Shaun of the dead resulta una hilarante producción inglesa repleta -como cabría esperar- de humor inglés. Excelente de principio a fin, desde el guión, los gags, los personajes etc. Llena de momentos memorables como el primer contacto con los zombies, los paseos a la tienda de 24 horas o la antológica escena del ataque mientras suena la música de Queen de fondo, perfectamente cuadrada con la acción del momento; hacen de Shaun of the dead un título indispensable para pasar un buen rato. Atención también al tronchante desenlace final con el posible adisestramiento e incorporación del zombie al mundo laboral. Impagable.

Todo el humor que destila Shaun of the dead es de lo más sutil, huyendo de estupideces Made in USA o lenguaje soez Made in Spain. Se trata el humor de forma inteligente y totalmente cotidiano, con multitud de guiños y referencias al cine de Romero y demás genero de terror-zombie. Se recurre una y otra vez al humor aparatoso, ciertamente muy inglés, y propiciado por los métodos poco ortodoxos y la forma insensata en que los protagonistas hacen frente a la amenaza que se les viene encima. El patetismo que emanan los dos personajes principales se hace nuestro. También resulta cómico, la poca importancia que a veces parecen dar al hecho de que la humanidad se desmorone, enfrascándose más en su propia rutina diaria y preocupaciones que en el fin del mundo. El ser devorado por un zombie pasa en este caso a un segundo plano, dejando como principal motor de la acción a los propios personajes, lo cual me parece un verdadero acierto dar prioridad a estos personajes que a la situación que los rodea y relegándola como a algo de lo más normal.

Simon Pegg y Nick Frost repitieron tras Shaun of the dead a las órdenes de Edward Wright en Hot Fuzz. Simon Pegg, como Shaun, es el líder y protagonista absoluto de la historia, y al igual que en Hot Fuzz está acompañado de un Nick Frost un poco menos tonto que el de Hot Fuzz.

Shaun of the dead tiene un montaje y dirección que si permiten decirlo, me recuerda levemente al de Guy Ritchie y por momentos al del mejor Scorsese. No sabría explicar el porqué, pero al verla me viene a la mente Lock & Stock, Snatch y un poco de Casino e Infiltrados. Aunque parezca un sacrilegio, me recuerda.

En definitiva, Shaun of the Dead es una muy recomendable cinta que integra toques de terror y gore en su peculiar estilo de humor desternillante. Una hilarante propuesta muy inglesa repleta de escenas impagables, que hará las delicias de todos los fans del género zombie y el humor absurdo y elegante a la vez. Personalmente y aunque por poco, me sigo quedando con Hot Fuzz, pero es innegable todo el potencial humorístico que desprende el film de Edward Wright. Zombie, acción..., ¿cual será el próximo género elegido por Wright para parodiar? ¿El western...? Puntuación: 7,5 sobre 10.

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