Sexo en Nueva York

Sexo en Nueva York: vuelve el sexo, vuelve Nueva York y vuelven las cuatro chicas más elitistas de toda la historia de la televisión pero esta vez en la gran pantalla. Carrie (Sarah Jessica Parker), Miranda (Cynthia Nixon), Charlotte (Kristin Davis) y Samantha (Kim Cattrall) vuelven a juntarse cuatro años después del final de la sexta temporada para grabar un larguísimo episodio de casi dos horas y media estrenado hace unas semanas en nuestras carteleras y con una impresionante cifra de taquilla. Y es que cualquier excusa es buena para nuestras cuatro protagonistas para dar otra vuelta de tuerca más a la serie creada por Darren Star y Michael Patrick King.

Sexo en Nueva York es un conjunto vacío como película pero repleto de escaparates, desfiles, vestidos, zapatos, publicidad, desdichas amorosas, topicazos del género Made in USA y almíbar; almíbar en exceso para tratarse de Sexo en Nueva York. ¿Qué ha pasado con Carrie? Esa mujer soltera, independiente, liberal y abierta a todo (sin doble sentido). Todos esos valores de su personaje se pierden en cuanto deja atrás a su serie fetiche y comienza la película de Sexo en Nueva York. Ahora es todo demasiado bonito, demasiado artificial. No me lo creo. Además se hecha en falta un mayor protagonismo del sector masculino (véase novios de las chicas) que era mucho más patente en el formato televisivo. Únicamente se le da un poco de importancia a Mr.Big (Chris Noth) y a Steve (David Eigenberg) por los motivos que todos conocemos gracias al destripa-trailer.

No voy a negarlo. Me gusta Sexo en Nueva York, la serie, que no la película. He visto las seis temporadas y reconozco que tiene sus puntos buenos. No soy ningún fan empedernido (al contrario que con mi adorada Friends) pero reconozco todo su potencial. Pero toda esa chispa, ingenio y frescura que desprenden las chicas en la serie parece que se ha evaporado tras dar el salto a la pantalla grande. Nos encontramos ante un desfile de irritantes propuestas y peores resoluciones. Tras una hiperrápida introducción en la que se pone en antecedentes a quienes desconozcan la existencia de esta serie (tampoco entiendo quien va a verla sin haber visto la televisiva serie) y tras el preciosista discurso de una cambiada Carrie Bradshaw, comienza lo bueno. Asistiremos durante más de dos horas a todo tipo de discusiones, enfados, rupturas y sus posteriores reconciliaciones. Todo ello aderezado del humor sexual que caracterizaba a la serie, eso si, rebajado hasta su versión más light y descafeinada.

La primera hora de Sexo en Nueva York se aguanta con soltura, pero a partir de aquí el ritmo decae por momentos y únicamente es salvado por las contadas intervenciones de una inspirada Samantha. Del resto mejor ni hablamos. Cuando llevas dos horas te das cuenta de todo el relleno que han tenido que meter tanto a la historia como al metraje para hacer cabida a todas las firmas y marcas que quería aparecer en la película previo paso por caja. Y es que parece más un desfile de firmas que una película. Y algo peor aún, el personaje de Nueva York desaparece por completo en todo el metraje. Se le releva a una segunda posición como si de un secundario se tratase generando un garrafal fallo y más aún cuando el nombre de este es el que da título a la obra.

Por lo demás, Sexo en Nueva York es una salvable cinta que se mantiene a flote por el tirón que ha tenido la serie al hablar antes que nadie sobre el mundo de las mujeres y el sexo. Podemos resumir su visionado como un episodio hinchadísimo de la serie. Por mi parte consigue el aprobado justito por el personaje de Samantha y la hija chinita de Charlotte que consiguió dibujarme una sonrisa en la cara. El resto más que pasable, poco y malo humor (caca-culo-pedo-pis en México) más propio de una cinta de Apatow que de Sexo en Nueva York. Todo resulta de lo más previsible y ñoño, y asistiremos a una de las versiones más irritantes e histéricas de Carrie Bradshaw. Con su calificación de Mayores de 13 años se pierde una gran baza a su favor que si se disfruto en la serie, y que era dar cabida a lo políticamente incorrecto. Fuera de toda duda, solamente es recomendable para fans o simples aficionados a la serie original o al canal de pago Cosmopolitan. Su tufillo semi-moral al final de la cinta, donde prevalece el amor por encima de todo y de todos se contradice hasta el infinito con el verdadero mensaje que la serie transmitía hace casi una década. Puntuación: 5 sobre 10.

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La torre de Suso

La torre de Suso: correcta cinta del debutante Tom Fernández en el largometraje y una sorpresa en la última gala de los Premios Goya con tres nominaciones de las cuales finalmente no recibió ninguna. La torre de Suso bebe mucho del lenguaje fílmico de la televisión, y por momentos parece que asistimos a un capitulo de 90 minutos de cualquier serie nacional. ¿Será Javier Cámara el responsable de dicha similitud? Pues recordemos que en Fuera de carta ocurre exactamente lo mismo. Puede que si y puede que no, pero desde luego, Hable con ella no tenia montaje ni estética de serie nacional, sino de una muy buena cinta de Almodóvar.

Cundo (Javier Cámara) regresa a su tierra después de diez años de ausencia. El motivo es la muerte de su mejor amigo, Suso. Los planes de Cundo son emborracharse con el resto de sus viejos amigos a la salud de Suso, aparentar que todo le va de maravilla y salir corriendo de allí otra vez. Pero ni las cosas le van tan bien, ni Suso se va a conformar con una borrachera... Esta es la sinopsis que tiene La torre de Suso, un film en el que aboga toda su fuerza en la amistad y en un trabajado guión. Se nota la excelente labor tanto de casting como de guión que se ha llevado a cabo en La torre de Suso. Los diálogos están perfectamente cuadrados, y fluyen como el viento que da vida a las tierras asturianas donde sucede la acción. Ni salidas de tono ni recursos fáciles abundan en la cinta del principiante Tom Fernández, sino un sencillo trabajo lleno de humildad y buen hacer.

Gran parte de esta buena acogida se la lleva evidentemente el peso pesado de la película, Javier Cámara. Él solo se merienda a todo el reparto de La torre de Suso y una vez más demuestra las grandes dotes de actor que tiene. Magistral en todos los minutos del film y perfectamente completado con el personaje de Malena Alterio, otra que sobresale con nota de La torre de Suso. Asistimos al reencuentro de Cundo con él mismo, sus raíces y todo lo que dejó atrás en su juventud. Un canto a la amistad más olvidada, a los orígenes de uno mismo y al afán de superación humana. Completan el reparto, Gonzalo de Castro, César Vea, José Luís Alcobendas, Mariana Cordero y Emilio Gutiérrez Caba, pero ninguno de sus personajes alcanza las cotas de Javier Cámara y Malena Alterio. Quizá la ternura de Mariana Cordero como madre de Cundo, está a la altura del citado dúo de actores.

Resumiendo, La torre de Suso es una buena opción como cinta española. Te aporta más de lo que te imaginas en un principio, y en esencia es una película llena de emotividad y melancolía. Con una fotografía de lujo de todo el paisaje asturiano, La torre de Suso se convierte en una alternativa al cine efectista americano, una propuesta nacional, sencilla que huye de pretensiones y que aguarda una gran sonrisa tras su visionado. Pocas cintas son capaces de cambiar de la risa al llanto en cuestión de segundos y verdaderamente La torre de Suso lo consigue. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Shaun of the dead (Zombies party)

Shaun of the dead: pues si, he tenido que verla por segunda vez para captar todo el potencial cómico que emana la cinta de Edward Wright, ya que en su primer visionado no me convenció del todo, y me parecía infinitamente superior Hot Fuzz. Tras verla, debo decir que me sigue pareciendo mejor Hot Fuzz, pero Shaun of the dead ha ganado enteros. Y es que antes de la estupenda Hot Fuzz (aquí en España la conocemos por el nefasto título de Arma fatal, que parece que en cualquier momento pueden aparecer Mel Gibson y Danny Glover en escena), el director británico ya hizo sus incursiones en el mundo de la comedia gamberra, rodando una especie de parodia sobre el género zombie que fue todo un éxito en Inglaterra. Particularmente, no veo a Shaun of the dead como una película de zombies, sino más bien como una historia de amor, de desamor y de reconciliamiento, con zombies de por medio que retrasan a que el protagonista reconquiste a su amada. Podemos decir que es una comedia romántica zombie. La comedia romántica definitiva, llena de mala leche e irreverente gamberrismo.

Evidentemente, y como sucedió después con Hot Fuzz, a España no vino con el título de Shaun of the dead (parodia-tributo a la estupenda Dawn of the dead o Amanecer de los muertos) sino con uno más vistoso y horrendo como es Zombies Party. Títulos a parte, Shaun of the dead resulta una hilarante producción inglesa repleta -como cabría esperar- de humor inglés. Excelente de principio a fin, desde el guión, los gags, los personajes etc. Llena de momentos memorables como el primer contacto con los zombies, los paseos a la tienda de 24 horas o la antológica escena del ataque mientras suena la música de Queen de fondo, perfectamente cuadrada con la acción del momento; hacen de Shaun of the dead un título indispensable para pasar un buen rato. Atención también al tronchante desenlace final con el posible adisestramiento e incorporación del zombie al mundo laboral. Impagable.

Todo el humor que destila Shaun of the dead es de lo más sutil, huyendo de estupideces Made in USA o lenguaje soez Made in Spain. Se trata el humor de forma inteligente y totalmente cotidiano, con multitud de guiños y referencias al cine de Romero y demás genero de terror-zombie. Se recurre una y otra vez al humor aparatoso, ciertamente muy inglés, y propiciado por los métodos poco ortodoxos y la forma insensata en que los protagonistas hacen frente a la amenaza que se les viene encima. El patetismo que emanan los dos personajes principales se hace nuestro. También resulta cómico, la poca importancia que a veces parecen dar al hecho de que la humanidad se desmorone, enfrascándose más en su propia rutina diaria y preocupaciones que en el fin del mundo. El ser devorado por un zombie pasa en este caso a un segundo plano, dejando como principal motor de la acción a los propios personajes, lo cual me parece un verdadero acierto dar prioridad a estos personajes que a la situación que los rodea y relegándola como a algo de lo más normal.

Simon Pegg y Nick Frost repitieron tras Shaun of the dead a las órdenes de Edward Wright en Hot Fuzz. Simon Pegg, como Shaun, es el líder y protagonista absoluto de la historia, y al igual que en Hot Fuzz está acompañado de un Nick Frost un poco menos tonto que el de Hot Fuzz.

Shaun of the dead tiene un montaje y dirección que si permiten decirlo, me recuerda levemente al de Guy Ritchie y por momentos al del mejor Scorsese. No sabría explicar el porqué, pero al verla me viene a la mente Lock & Stock, Snatch y un poco de Casino e Infiltrados. Aunque parezca un sacrilegio, me recuerda.

En definitiva, Shaun of the Dead es una muy recomendable cinta que integra toques de terror y gore en su peculiar estilo de humor desternillante. Una hilarante propuesta muy inglesa repleta de escenas impagables, que hará las delicias de todos los fans del género zombie y el humor absurdo y elegante a la vez. Personalmente y aunque por poco, me sigo quedando con Hot Fuzz, pero es innegable todo el potencial humorístico que desprende el film de Edward Wright. Zombie, acción..., ¿cual será el próximo género elegido por Wright para parodiar? ¿El western...? Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Trailer oficial y poster de Vicky Cristina Barcelona

Por fin y tras un semi-fake envuelto en forma de trailer y vendido como primicia, hoy tenemos de una vez por todas, el trailer original y tan esperado del último trabajo del realizador neoyorkino Woody Allen. Me refiero evidentemente a la ya famosa Vicky Cristina Barcelona. En este trailer -ya en condiciones y de montaje correcto-, veremos a Javier Bardem rodeado de las bellezas Penélope Cruz, Rebecca Hall y por supuestísimo Scarlett Johansson.
Por si todavía alguien no se ha enterado, Vicky Cristina Barcelona es una película escrita y dirigida por Woody Allen. El inicio del rodaje fue en junio de 2007 en España, y terminó a finales de agosto. Está protagonizada por los actores españoles Javier Bardem y Penélope Cruz, así como por la estadounidense Scarlett Johansson. La cinta fue filmada y se encuentra ambientada principalmente en Barcelona.

En Vicky Cristina Barcelona, dos jóvenes norteamericanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson) van a Barcelona a pasar unas vacaciones de verano. Vicky es sensible y tiene intención de casarse; Cristina es emocional y busca aventuras sexuales. En Barcelona, ambas se ven envueltas en una relación poco convencional con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor que todavía tiene algo con su tempestuosa ex-mujer, María Elena (Penélope Cruz).

En el trailer observamos las claramente diferenciadas personalidades de Vicky y Cristina. Por un lado Vicky busca una estabilidad emocional; casarse con un buen hombre y formar una familia. Por el contrario, Cristina es impulsiva, muy sexual y con ganas de pasar un buen rato con los españoles (ayyyyy si fuera esto cierto en la vida real...)

Tras su paso por Cannes y su correcta acogida, Vicky Cristina Barcelona llegará a los cines antes en EEUU (alguien lo dudaba) y más tarde a España. Concretamente las fechas de estreno son el 5 de Septiembre en USA y 17 de Septiembre en España. Hasta la fecha, os dejo con el trailer original y auténtico y con el póster de la cinta.

Tu vida en 65 minutos

Tu vida en 65 minutos: hacía tiempo que no veía una película tan bonita como lo ha sido para mí Tu vida en 65 minutos. Creo que desde la maravillosa Bajo las estrellas no veía en la pantalla grande (bueno... TV) algo tan emotivo como la cinta de María Ripoll. Desgraciadamente, Tu vida en 65 minutos no disfrutó en su día de una buena distribución y escasa gente conoce de la existencia de tan preciada joya del cine español. El film de María Ripoll bebe mucho de Los amantes del círculo polar de Medem (salvando las distancias claro), cuando aborda temas existenciales entre el amor y la muerte, y sobretodo de las casualidades de la vida. Como cabría esperar, no supera ni mucho menos a Los amantes del circulo polar, pero si que es cierto que se le acerca bastante, tanto por su puesta en escena como su excelente final. Escrita por Albert Espinosa (bravo por su labor y capacidad de emocionarnos al mismo tiempo que nos dibuja sonrisas en la cara), Tu vida en 65 minutos es una grata experiencia cinematográfica, una hermosa cinta que contradictoriamente está llena de dolor y tristeza.

La propuesta inicial de Tu vida en 65 minutos parte de una narración de un domingo cualquiera. Un domingo cualquiera, tres jóvenes amigos leen la esquela de quien suponen es un compañero del colegio al que hace tiempo perdieron la pista. Acuden al tanatorio y se dan cuenta de que se han equivocado: aquel entierro no es el de su compañero de escuela. A partir de aquí la confusión y el azar tejen una historia de amistad, de amor y de muerte. Narrada de forma brillante, Tu vida en 65 minutos, supone un viaje a través de la vida y la juventud, con multitud de intercalaciones narrativas y referencias que transforman algo cotidiano en algo precioso en forma de poesía natural y callejera que rebosa en sus ricos diálogos.

La directora de Tu vida en 65 minutos, María Ripoll, respaldada por el excelente guión de Albert Espinosa, nos ofrece una bellísima y elegante historia en la que se mezclan con soltura temas tan variados como el amor, la amistad y la muerte; sobre la cual gira toda la película. Es una de esas películas que cuando la ves, resulta imposible no pararse a pensar en la propia vida que llevamos, si es como la imaginamos, y que podemos hacer para mejorarla. Tu vida en 65 minutos no deja indiferente a nadie: o te encanta o la detestas, o la encuentras hermosa o te parece una cursilada infumable. Particularmente, quiero verla como una correctísima película llena de imágenes bonitas y momentos inolvidables. Muchas veces, una propuesta sencilla y fresca, se transforma en una obra de arte.

Si tengo que destacar algo de la cinta de María Ripoll (aparte del cuidado y elegante guión citado lleno de diálogos costumbristas muy bien resueltos) sería sin lugar a dudas la maravillosa banda sonora que acompaña durante toda la película. Simplemente es brillante y muy acertada, sobretodo en el tramo inicial a ritmo de los Cure (que gran canción abre la cinta). Otro punto a favor de Tu vida en 65 minutos reside en la dirección de actores y el trabajo de estos, destacando sobretodo la labor de Javier Pereira y Tamara Arias, llena de química y miradas que dicen más que las palabras, llenando de magnetismo sus interpretaciones.

Tu vida en 65 minutos destila humildad y buen hacer a raudales, vives las experiencias junto al protagonista, las haces tuyas y cuando acaba la película, te las llevas contigo para siempre. Pocas producciones pueden presumir de conseguir tanta eficacia en apenas 90 minutos. En resumen, Tu vida en 65 minutos es una historia llena de casualidades, de sentimientos reales y reflexiones, situada en un domingo cualquiera en la ciudad de Barcelona, un precioso escenario, para esta comedia urbana. El guión, de Albert Espinosa es más que aceptable, con grandes momentos, como las reflexiones del protagonista en la -excesiva por momentos- voz en off. Pese a todo, una película imprescindible dentro del panorama nacional, intimista y muy personal obra de arte de María Ripoll. Puntuación: 9 sobre 10.

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MIRRORS, trailer de lo último de Alexandre Aja

Mirrors es lo último que tiene entre manos Alexandre Aja, director de grandes e impactantes cintas como son Alta tensión o Las colinas tienen ojos. En esta ocasión, el realizador retoma la senda de los remakes con un título coreano de 2003 llamado Geoul Sokeuro y dirigido por Sung-ho Kim. La sinopsis resumida de Mirrors trata sobre un ex-policía metido a guardia de seguridad de unos grandes almacenes y que comienza a investigar una serie de misteriosos asesinatos que ocurren frente a los escaparates de las tiendas. FInalmente, intentará descubrir el origen de todo el mal.

En Mirrors, para el papel del guardia, Aja ha confiado en las tablas de Kiefer Sutherland, quien sigue intentando no encasillarse con su papel en la serie 24. Junto a Kiefer Sutherland, estarán Paula Patton, Amy Smart y Cameron Boyce entre otros.
Mirrors es un thriller sobrenatural con toques de terror, y su rodaje comenzó el pasado mes de mayo en Rumanía. El propio Aja ha escrito el guión y su distribución correrá a cargo de la 20th Century Fox.

La fecha de estreno de Mirrors esta planeada para el 15 de Agosto del 2008 en EEUU, mientras que aquí en España tendremos que esperar hasta el 3 de Octubre para verla en nuestras carteleras. Hasta el momento, os dejo con el teaser trailer y unas cuantas imágenes impactantes de Mirrors, último trabajo del siempre interesante Alexandre Aja.
Yo ya me estoy frotando las manos, pues Aja nunca me defrauda. Con que siga el nivel mostrado en Alta tensión me conformo, aunque por lo visto en el trailer, el elemento sobrenatural es el predominante en esta ocasión y no se hasta que punto puede beneficiar eso a la cinta. A mi me ha recordado en algunos momentos a Darkness (Jaume Balagueró), pero veremos en que se queda toda esta propuesta.

Frontiere(S)

Frontiere(S): otra joyita para el últimamente (Alta tensión, A l'interieur, Ils, Malefique) tan de moda cine slasher francés. Bueno, quizá con el adjetivo de joyita soy demasiado generoso, así que vamos a dejarlo en una simple y correcta adaptación francesa a la idea de Hostel. Digo idea de Hostel, porque el planteamiento de Frontiere(S) bebe mucho de la cinta de Eli Roth. Digamos que está a medio camino entre Hostel y La matanza de Texas. Con más "miga" que Hostel, pero como una burda imitación de La matanza de Texas y clásico por excelencia del cine de terror dirigido por Tobe Hooper.

Frontiere(S) comienza de una forma y acaba de otra totalmente diferente. Parte de una secuencia de acción rodada a ritmo videoclipero al más puro estilo Michael Bay; es decir, prácticamente no ves nada gracias a un aberrante montaje y a una horrorosa cámara en mano que parece movida por un epiléptico. En sus 10 primeros minutos parece que estemos viendo la tercera parte de Bad Boys (dios no lo quiera). Tras la fallida presentación de los personajes, comienza el verdadero meollo de la cinta. Cuatro jóvenes deciden huir de los disturbios parisinos para refugiarse en la muy liberal Amsterdam, pero claro, de noche harán la típica y errónea parada en el no menos típico lúgubre ¿hotel? del que estás seguro no va a pasar nada bueno.

Evidentemente, y como cabía esperar, nada agradable ocurre en el citado ¿hotel? de Frontiere(S), pues la ¿familia? que lo regenta es una psicótica y disparatada mezcla de personajes nazis a cada cual más raro. Tras unas cuantas peleas, llegamos al verdadero porqué de la cinta, pues no hacen "cosas malas" por gusto, sino por ¿necesidad?: la familia pro-nazi quiere engendrar un hijo con la chica del film para mantener el legado familiar hitleriano intacto, y procrear así una nueva raza de "sangre pura" (pese a que la prota es más morena que yo), ya que los hasta ahora fetos nacían deformes, y claro esto no se puede permitir en ninguna familia nazi que se precie. En fin, como podéis leer, el argumento de Frontiere(S) no tiene ni pies ni cabeza, pero señores, estamos ante un slasher film y la verdad es que poco importa. Aquí hemos venido a ver hemoglobina a raudales, y si bien está no es derrochada en abundancia como en A l'interieur, de sus compatriotas franceses, las escenas gore están bastante bien resueltas.

El responsable de Frontiere(S) se llama Xavier Gens y a algunos os sonará por ser el responsable de la vergonzante Hitman, la cual no le pienso dedicar ni una mínima reseña. Otra adaptación de un videojuego que es destrozada en la pantalla grande (véase, Street Figther, Mario Bros, Tomb Raider, Alone in the Dark, Doom etc.). Por lo menos, aquí en Frontiere(S), Xavier Gens cumple; justito pero cumple. Del apartado técnico destacar unos correctos efectos visuales, así como unas buenas cantidades de sangre y casquería, sobretodo en el tramo final de la cinta. Los efectos están bien conseguidos, pero de debía dedicar más tiempo a indagar un poco más en las torturas. En los protagonistas, sobresale una muy creíble Karina Testa, como victima de la "familia Hitler".

En resumen, salvo el fallido y efectista inicio de la cinta, y un pobre trabajo de guión y escritura de personajes, Frontiere(S) es una salvable cinta solamente recomendable para los amantes del género. Una vez más, el cine francés demuestra que no se corta un pelo a la hora de rodar cintas desagradables, donde el color rojo predomina por encima de todo y de todos. Ni muchísimo menos llega al nivel ejecutado en A l'interieur y Alta Tensión de Alexander Aja pero aún así resulta entretenida. Lo mejor, la salvaje escena final. Puntuación: 6,5 sobre 10.

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La niebla de Stephen King

La niebla de Stephen King: el realizador francoamericano, Frank Darabont, vuelve a adaptar una vez más –y ya van cuatro- al maestro del terror Stephen King, aunque en esta ocasión, y al contrario que en Cadena perpetua o La milla verde, Darabont aborda un relato de terror con toques de thriller sobrenatural y ciencia ficción. La niebla de Stephen King es una más que correcta adaptación cinematográfica al conocido libro de King, que Darabont pudo llevar a cabo, gracias en buena parte a la negativa de Steven Spielberg para que este escribiera el guión de la ya archiconocida por todos Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. De esta forma, el realizador Frank Darabont regresa una vez más a su inspirador autor del que ha conocido sus mayores glorias profesionales, en una propuesta tremendamente efectiva.

La premisa de La niebla de Stephen King es sencilla pero muy sugerente. En un pequeño pueblo de Maine, estalla de repente una violenta tormenta que termina tan bruscamente como comenzó. Después de una fuerte tormenta, los habitantes de un pequeño pueblo observan cómo una extraña neblina desciende de las montañas. Varios de estos ciudadanos acuden a hacer sus compras al supermercado del lugar, viéndose de repente rodeados por tan inesperada bruma. Pronto se percatan de que no se trata de un fenómeno meteorológico normal, sino que tras ese blanco manto se ocultan unos temibles seres a las que habrán de enfrentarse. Con este preciso y directo comienzo (el cual se permite el lujo de incluir un guiño hacia el excepcional largometraje de Carpenter, La cosa) empieza una historia que desembocará en el caos total y tocando temas como el miedo a lo desconocido o la propia desconfianza humana.

La niebla de Stephen King está concebida como un relato de terror humano más que sobrenatural, pues los mayores miedos que se ven en la pantalla son al propio desmoronamiento moral de las personas, a la desconfianza, al fanatismo religioso y a la presión psicológica en las débiles mentes de los vecinos del pueblo. La invasión sobrenatural y los “bichos” no son más que un ingrediente más en la obra, un acompañamiento y un claro homenaje a los clichés y cintas del género de serie B. El resultado es un cinta asfixiante, claustrofóbica y muy estimulante; no llega al nivel de sus obras anteriores –ni lo pretende- pero resulta un verdadero acierto hacer una buena película de miedo tocando materiales y temas más complejos.

A modo de reparto coral, la acción en La niebla de Stephen King transcurre principalmente en el típico supermercado de pueblo americano, donde todos los vecinos se conocen y todos desconfían de todos. Se dibuja una paleta de personajes a cada cual más extraño, que si bien al principio todos parecen unidos, al final veremos como la personalidad humana es mucho más compleja que la propia unión y no se observa ningún atisbo de esperanza en el propio comportamiento humano de los personajes. Es una cinta de terror como las de antaño pero con las técnicas digitales de ahora (aunque no destaquen por su brillantez resolutiva), sin efectismos, sustos fáciles ni incrementos de volumen para ensordecer al público. Como ya he dicho, los monstruos no son más que un telón de fondo y el verdadero terror va calando en los personajes de la cinta, llenos de odio y miedo y que genera una terrible visión del comportamiento humano en situaciones límites, capaz de derrumbar todas las bases de raciocinio y civilización.

Como todo reparto coral que se precie, tendremos todos los arquetipos personificados habidos y por haber (lo cual no siempre es malo), desde el padre-héroe (Thomas Jane) capaz de hacer frente a la invasión desde la razón, hasta la chica en forma de profesora novata, pasando por el niño (esta vez no es repelente y actúa correctamente frente a la tensión), los soldados yanquis, el mecánico de la América profunda que no se cree nada y hasta una fanática religiosa estupendamente interpretada por Marcia Gay Harden y que se convierte, sin lugar a dudas, en el pilar fundamental de La niebla de Stephen King. Su actuación se merienda al resto del reparto –héroe incluido- y ella solita es capaz de poner al borde de la histeria a cualquier espectador. Sorprendente e inconmensurable trabajo el de actriz como perfecta, sobria y hasta elegante fanática religiosa. Del resto no destacaría a nadie más, el padre pasa sin pena ni gloria, la chica –una vez más- hace de mujer florero sin mayor profundidad, y bueno, el niño por lo menos esta vez es salvable y no repelente.

Del apartado técnico de la cinta sobresalen, pero para mal, unos muy pobres efectos digitales y visuales que llegan muy justitos con el nivel global mostrado en la cinta. Si están concebidos así para mantener la idea de serie B me parece de lo más acertado. Si por el contrario buscaban deslumbrar o impactar, desgraciadamente no lo ha conseguido. Otro de los puntos negativos que le encuentro a la factura es el constante abuso de esos zooms aleatorios y sin ningún sentido, así como los interminables fundidos negros que echan por tierra todo el trabajo realizado, pecando incluso de tener ciertas similitudes de telefilme. La fotografía, oscura y sobria, correcta sin más.

En resumen, La niebla de Stephen King es una grata sorpresa que renueva y actualiza los cimientos del cine de terror más clásico y de serie B, huyendo de efectismos y trucos facilones. Peca de excesivo metraje en una obra que se podía haber finiquitado en 90 minutos, pero lo compensa con ese desgarrador y desalentador final que muy pocas veces vemos en la pantalla grande. Se abandonan los cánones del happy end, se rompen las clasistas reglas morales, se juega con los sentimientos del público y finalmente asistimos a un desesperanzador desenlace irónico y de lo más vengativo. Puntuación: 7,5 sobre 10.

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Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal: pues casi 20 años han tenido que pasar desde la última entrega (La última cruzada) de la famosa saga creada por el tándem generador de taquilla y dólares, Steven Spielberg en los mandos de la dirección y George Lucas a cargo de la historia y la producción. Nadie puede negar la innata capacidad, tanto de Spielberg como de Lucas, para concebir y crear productos de entretenimiento que colmaran las expectativas de grandes y pequeños. Hace 25 años eran los reyes de Midas de Hollywood, y ciertamente hoy en día lo siguen siendo. Siguen siendo unos genios en fabricar entretenimiento sano a base de mezclar aventuras, acción y amor; todo ello aderezado de notables guiones que convertían todas y cada una de sus respectivas producciones en taquillazos sin paliativos. El resultado final con esta cuarta entrega de Indy y el reino de la calavera de cristal es un aceptable producto de agradables aventuras, lleno de acción, emoción, misterio, humor y romance. Donde cojea un poco quizá es en la historia, muy por debajo de sus tres antecesoras, pero aun así es una propuesta muy digna y salvable en buena manera gracias a la implicación total que ejerce Harrison Ford en Indiana Jones y el reino de la calavera.

La historia se centra en 1957, en plena guerra fría que enfrenta a los dos países más importantes del planeta, EEUU y URSS. Una vez más –y ya van cuatro- Harrison Ford se enfunda el sombrero y el látigo que tanto le caracterizan, para dar vida a Indy, uno de los personajes más míticos de toda su filmografía junto a Han Solo de Star Wars. En esta ocasión, nuestro querido Indy, estará acompañado por el joven Mutt (Shia LaBeouf) quien le pide ayuda para encontrar al profesor Oxley (John Hurt), viejo conocido de Indy. Las pistas que tienen son una carta de Oxley para Indy, y como no, una vieja leyenda sobre la calavera de cristal. Tan preciado tesoro, también es buscado por Irina Spalko (Cate Blanchett), la malvada capitana soviética que conoce de sobra a Indy y todas sus triquiñuelas.

Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal funciona perfectamente durante todo el metraje. Pese a las dos horas de duración el ritmo de la proyección no decae en ningún momento gracias a las espectaculares escenas de acción, rodadas con pulso firme a cargo del maestro del espectáculo, Steven Spielberg, y a las salidas humorístico-sarcásticas de nuestro héroe Indy. Y es que al fin y al cabo, Indy es el mismo de hace 20 años. Harrison Ford está cambiado, con más canas y más arrugas en la cara (y eso que el photoshop hace maravillas), pero su personaje permanece inalterable al paso del tiempo, destilando carisma y portento a raudales. A su lado y en contraposición a la experiencia de Indy tenemos a Mutt, un joven rebelde que a priori no tiene nada de parecido con Indy, pero que finalmente acabará como mero aprendiz del maestro que es Indiana Jones (efectivamente y al igual que en Star Wars, Lucas nos cuela la relación, jedi-padawan o maestro-aprendiz).

Uno de los personajes que más me han gustado de esta entrega de Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, es el de Marion Ravenwood, madre del joven Mutt y que finalmente se ve involucrada en la historia. Su personaje aporta otras buenas dosis de humor, muy en consonancia con el de Indy, y es que Marion es de las pocas mujeres capaces de emocionar a Indiana Jones, y la única de la que nuestro héroe se enamoró.

Y por último –que no menos importante- encontramos a Irina Spalko, la villana de esta tercera secuela perfectamente interpretada por Cate Blanchett. Quizá a todo un portento de actriz como es Blanchett, su personaje de enemiga de Indy se le queda un poco pequeño, pero queda resulto de forma brillante es las secuencias en las que aparece. Si algo se le puede echar en cara es ese aspecto totalmente irreal y manido de ucraniana de los años 50, con ese pelo casi humorístico que para nada ayuda a la confección del personaje. Por último, y fallo garrafal de la dirección artística y de actores es el nulo movimiento en la peluca de Irina durante las escenas de acción de la cinta. Error gravísimo.

En resumen, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal es una correcta producción en consonancia con lo visto en las anteriores sagas. Continúa en la estela ofrecida 25 años atrás pero mejorándola evidentemente en los aspectos visuales y digitales. Es 100% cine de entretenimiento, y como tal lo verdaderamente importante es su objetivo, el cual consigue cumplir satisfactoriamente. No busquen realismo, ni guión, ni fotografía, solamente ganas de disfrutar en la butaca como un enano viendo a Indy saltar, correr, escapar y luchar contra las malvadas tropas soviéticas. Entretenida cinta de acción con las dosis justas de emoción, humor y romance. Puntuación: 7 sobre 10.

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Mataharis

Mataharis: excelente película de Iciar Bollain, una de las pocas directoras de cine que tenemos en nuestro país. Una vez más, Iciar Bollain demuestra el talento que tiene en la construcción de historias y personajes con una magnifica cinta sobre el papel que desempeñan los detectives privados. Mataharis es una inteligente propuesta llena de sentimientos, miedos y emociones. Cine social en estado puro lleno de intimismo, realidad y rebosante de una sencillez innata que se proclama a los cuatro vientos. Magnifica película en la que se combina la faceta laboral como detectives de tres mujeres con sus historias de amor particulares. La decisión de contarle a tu pareja un secreto inconfesable, la incomunicación existente en una relación ahogada en el tedio y el miedo de tener que elegir entre la profesionalidad de tu trabajo o el enamoramiento surgido.

Es una película de detalles, tanto técnicos como interpretativos. Tras ella se esconde un talento en forma de mujer. Iciar Bollain deja patente una vez más (al igual que hizo con Te doy mis ojos) que es una maestra de la narración. Controla los tempos y las pausas de una forma casi exquisita. Es cierto que en algunos momentos el ritmo de Mataharis cae, pero simplemente no te importa nada porque sabes que tarde o temprano acabará arreglándolo. Y así es. Construye un inspirador relato sobre mujeres en forma de espías, lleno de emociones y sensibilidad.

Mataharis está estupendamente interpretada por un colosal reparto, sobresalen a mi gusto una grandiosa Najwa Nimri -como siempre- y una muy sorprendente María Vázquez. Najwa Nimri está soberbia, y una vez más demuestra su poder camaleónico para adaptar y enfocar sus personajes. Destila sensualidad en cada escena que aparece en pantalla gracias a una irrepetible voz (como me encandila su voz). Maria Vázquez brilla con luz propia pese a la complejidad de su papel y Nuria González logra componer también un grandísimo personaje a base de realidad.

Del reparto masculino de Mataharis destacar a un perfecto Tristán Ulloa, que por primera vez me ha convencido en el papel que hace, e incluso he llegado a considerarlo como un gran actor. A su lado aparecen un normalito Diego Martín demostrando que puede solventar el genero del drama con mayor o menos acierto, Fernando Cayo, como jefe sin escrúpulos bastante creíble y un poco sobreactuado y un evolucionadísimo Antonio de la Torre (gran carrera le espera).

Resumiendo, Mataharis es una profunda reflexión de las relaciones amorosas con un crecimiento narrativo explosivo, logrando el clímax final en el momento oportuno. Una historia de lo cotidiano lleno de grandes dosis de realidad. Sencilla obra triste y emotiva que colmó mis expectativas. Puntuación: 8 sobre 10.

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La habitación de Fermat

La habitación de Fermat: cuatro matemáticos, que no se conocen entre sí, son invitados por un misterioso anfitrión con el pretexto de resolver un gran enigma. Pero descubren que la sala en la que se encuentran resulta ser un cuarto menguante... que les aplastará si no descubren a tiempo qué les une y por qué alguien quiere asesinarles. Dirigida por los noveles directores Luís Piedrahita y Rodrigo Sopeña.

Esta es la premisa de la que parte La habitación de Fermat, un ejercicio matemático de interesante propuesta inicial que se va desinflado poco a poco a medida que avanza en el tiempo. Es inevitable sacar paralelismos con la genuina Cube; mientras que algunos matices (como el estar encerrados en una habitación) son calcados a Saw (primera entrega).

El ritmo de La habitación de Fermat es dinámico, implicando directamente al propio espectador en la resolución de los diferentes enigmas que se les van planteando a los inquilinos del cuarto. Su narración es totalmente acertada en la primera parte de la cinta, manteniendo el misterio y marcando los tiempos con un perfecto y sobrio equilibrio. Pero hacia la segunda parte comienza a hacer aguas, transformando una buena premisa en un clímax narrativo y pulso dramático irreal y cogido con pinzas. El final de la cinta es el peor que se podía haber elegido, resultando monótono y previsible. Una vez más el happy end nos inunda -por desgracia- en la pantalla.

Gran parte del elenco esta formado por actores meramente televisivos (véase Alejo Sauras y Elena Ballesteros) los cuales en ningún momentos llegan a ser creíbles al 100%. Únicamente destacan unos correctos Santi Millán y Lluis Homar, así como un siempre perfecto Federico Luppi (otra muestra del poderío interpretativo del actor argentino).

Resumiendo y para no alargar la crítica mucho más de lo que merece el film, La habitación de Fermat es una simpática propuesta nacional en forma de enigma y de atmósfera opresiva. Por decirlo de alguna forma, una especie de Cube a la española, rodada en su mayor parte con un pulso narrativo que mantiene la tensión (aunque esta sea mínima) en el público durante gran parte de su corto metraje (punto a favor). Únicamente, se entiende como propuesta de entretenimiento y que hará las delicias de matemáticos y aficionados a los enigmas con números. Puntuación: 6 sobre 10.

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El hijo del mal (Joshua)

El hijo del mal: y aquí tenemos una muestra más de porqué no se deben traducir las propuestas que nos llegan de los USA y respetar el título original de la cinta (Joshua). El director de El hijo del mal, George Ratliff, no debía tener muy claro que hacer con su obra creo yo. Pues más que nada se ha limitado a copiar grandes clásicos como La profecía de Richard Donner o la obra maestra La semilla del diablo de Roman Polanski. Ha querido hacer un batiburrillo de cintas con niños malos y le ha salido el tiro por la culata, pues el resultado final es un film insulso, con interpretaciones planas y carentes de tensión e inquietud narrativa.

La premisa de la que parte El hijo del mal no es mala -valga la redundancia- pero a medida que avanza, se va diluyendo y nadie es capaz de sacarla a flote. Narra la historia de Brad y Abby Cairn, aparentemente los padres perfectos, y que están celebrando el nacimiento de su segundo retoño, Lily. Su primer hijo, Joshua, no es un niño corriente. Tiene una inteligencia excepcional, buena educación y una precocidad que asusta. Y ahora, parece cada vez más infeliz con su nueva vida, en la que sus padres adoran a Lily mientras que él, callado, toca el piano en un rincón.

Tampoco puedo evitar sacar paralelismos con una cinta olvidada del más olvidado aún Macaulay Culkin, El buen hijo. De hecho, los parecidos con esta son más que notables en comparación con las obras clásicas mencionadas anteriormente. Pues tanto La profecía como La semilla del diablo nos remitían directamente a contexto demoníacos y satánicos, donde el diablo hacia de las suyas. En cambio, las referencias con El buen hijo son muy visibles, pues se nos presenta la maldad hecha niño, sin ningún atisbo de implicación satánica. Pura perversión engendrada gracias a los celos que siente, en este caso a su hermana.

Y es como ya he comentado, la cinta parte de una premisa más que aceptable, generando en el espectador esa sensación de curiosidad por ver como actuará el niño frente a la intromisión de su hermana en su vida. Pero a medida que avanza, observamos que esa curiosidad se convierte en tedio, y el ritmo de la cinta resulta plano y aburrido. En mi caso, no consiguió conectar conmigo en ningún momento, salvo en los minutos iniciales; el resto me dejó completamente indiferente. El hijo del mal no aporta nada nuevo al género, y muestra una vez la carencia de ideas creativas en el mundo de Hollywood, cayendo una y otra vez en la reiteración y plagio de los elementos clásicos del género.

En cuanto a las interpretaciones, únicamente se salva un predispuesto y correcto Sam Rockwell, ya que tanto la madre, Vera Farmiga, como el repelente niño Jacob Kogan están para mandarlos a la quema de actores. La madre tiene un pase, pues con su sobreactuadísima actuación intenta transmitir esa desesperación y locura que siente su personaje. Pero al niño no hay por donde cogerlo. Resulta carente de expresividad y de lo más repelente. Se pasa toda la película con la misma cara de pánfilo. No refleja ninguna emoción ni implicación con su personaje, acabando siendo plano y dándote ganas de cogerle y darle un buen par de leches. El crío quiere ser el nuevo Damien (sacrilegio, pues Damien siempre será Harvey Stephens), pero desgraciadamente se queda en un pequeño angelito, eso si, con ganas de tocar un poco los cojones a su padre.

En resumen, una mediocre propuesta que se queda simplemente en una buena premisa, siendo incapaz de avanzar en una historia más o menos interesante y que inquiete al público. Se hecha en falta un poco más de tensión en algunos momentos demasiado blandos. A medio camino entre La profecía y La semilla del diablo (pero sin las connotaciones diabólicas), El hijo del mal se convierte en la cinta perfecta para un domingo por la tarde. Indaga más en el drama familiar psicológico que en su lado más oscuro o terrorífico, siendo este su mayor pecado. No pretendan buscar mucho más en ella. Puntuación: 5,5 sobre 10.

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Supersalidos

Supersalidos: no hay que dejarse engañar por el banal titulo de esta película, puesto que en su mayor parte sorprende y para bien. Hará cosa de unos cuantos meses cuando se estreno en cartelera, me llamó la atención las grandes críticas cosechas por el mundo cinematográfico hacia una cinta que llevaba por titulo Supersalidos, y por lo que se adivinaba de ella era como una nueva revisión de American pie. Una nueva revisión de la típica comedia adolescente americana llena de lenguaje soez, desnudos gratuitos y sin ningún fondo que sacar en claro. A ver, no os voy a negar lo del lenguaje soez, que lo tiene y mucho, pero a grandes rasgos la cinta de Greg Mottola es un soplo de aire fresco para los anticuados y chabacanos enfoques que había adoptado la comedia juvenil en la última década.

En Supersalidos se da una vuelta de tuerca de más al género de la alocada comedia americana, destilando sencillez y naturalidad a partes iguales. Mottola ha creado una hilarante propuesta muy en consonancia con la famosa cinta de Judd Apatow, Virgen a los 40, y su más reciente aunque de menor calidad -para mi gusto-, Lío embarazoso.

Todos y cada uno de los personajes que dan forma a Supersalidos son unos meros arquetipos de perdedores. Destaco, como no, a McLovin como el superhéroe de la cinta. McLovin es el indescriptible y desternillante personaje de Supersalidos (pese a aparecer en un segundo plano). Recuerden a McLovin porque marcará un antes y un después en este tipo de comedias. Sobre él se suceden las secuencias más divertidas y gamberras. Junto a McLovin, están un muy divertido también Michael Cera (al que ya vimos en la maravillosa Juno) y Jonah Hill como amigo inseparable de Cera. Mención aparte merecen también la pareja de polis mega-excéntricos, irreverentes y surrealistas. Que gran composición de personaje se ha conseguido en Supersalidos, gracias al trabajo de Seth Rogen y Evan Goldberg, basado principalmente en experiencias autobiográficas.

Tres personajes y tres formas distintas de ver al sexo opuesto. Tres perdedores de la vida, pero cada uno con su estilo, que hacen de su personaje un entrañable recuerdo. En esta comedia no salen supuestos adolescentes de 20 muchos años sodomizando tartas de manzana. Es una película que habla sobre la amistad y también sobre el sexo y como influye en el comportamiento de los adolescentes.

En resumen, es una buena joya de la comedia contemporánea y una gran entretenimiento con su puntito nostálgico y melancólico de cara al ultimo tercio de la cinta. De esta manera el visionado puede suponer un carrusel de emociones, un viaje desde la sonrisa y la carcajada a la melancolía y tristeza. De aquí a unos años me gustaría recordar a Supersalidos como un bello retrato de amistad más que como una simple película divertida. Atención a los títulos de créditos finales. Todavía me estoy riendo... Puntuación: 7 sobre 10.

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Trailer de Vicky Cristina Barcelona

Aunque no se trate del trailer original (espero porque es bastante flojo) de la nueva película de Woody Allen, el primer metraje difundido de Vicky Cristina Barcelona ha dado la vuelta al mundo en menos de un día. En él podemos comprobar, como el afortunado Javier Bardem se hincha a dar besos y a retozar con las dos inmensas bellezas que encabezan el reparto del próximo estreno de Woody Allen. Efectivamente me estoy refiriendo a la guapísima Scarlett Johansson y a la sensual Penélope Cruz.

De fondo suena una de las canciones de la banda sonora, interpretada por Giulia y los Tellarini. Mientras, se ven imágenes de la Ciudad Condal y del actor echándose en brazos de las chicas; Scarlett Johansson, Rebecca Hall y algún roce con Penélope Cruz. Pero también, y por primera vez, se han podido ver las imágenes de la parte asturiana del rodaje de Woody Allen, que se pasó rodando toda una semana en julio por Oviedo, Avilés y Siero.

En Vicky Cristina Barcelona y a caballo entre Asturias y Barcelona, Allen se trajo a su musa, Scarlett Johansson y la puso al lado de los actores españoles que más pegan en Hollywood: Penélope Cruz y Javier Bardem.


Vicky Cristina Barcelona se presentó en el Festival de Cannes el sábado pasado fuera de concurso con Woody Allen acompañado de su trío de actores; y sólo unos pocos afortunados podrán ver por fin esta esperada cinta. El filme cuenta la historia de un pintor (Bardem) que conoce a dos turistas norteamericanas (Hall y Johansson). Su vida se complicará cuando aparezca su celosa ex novia (Cruz), que traerá de cabeza al artista.

Vicky Cristina Barcelona se estrenará en España el próximo 19 de Septiembre de 2008. Hasta entonces, os dejo con el trailer.